Biografia grupos de Rock
 

1- BARON ROJO:

Barón Rojo nace como consecuencia de las malas relaciones existentes entre la banda de hard-rock de los 70 más conocida en la actualidad: Coz; y su prouctora: la CBS; que desembocaron en el abandono del grupo en el 80 de los hermanos De Castro: Armando y Carlos; y del cantante-bajista José Luis Campuzano ("Sherpa"), que por aquella época actuó repetidas veces con el grupo.

Por aquél entonces, los hermanos De Castro y Sherpa (quien, por cierto, a partir de la formación de Barón Rojo renunció a tal nombre artístico para seguir siendo conocido por su nombre apellido real) habían entablado amistad en el Conservatorio y cada uno había hecho sus pinitos por su cuenta: los hermanos participaron en Blue Bar y Kafru antes de formar Coz; y Sherpa, que fundó el grupo Módulos y llegó a disfrutar de cierto éxito en solitario en el ecuador de los 70, con temas como "Necesito Amor" o "A Contraluz" que le hicieron ganarse el ápodo de "El Beatle Español" . Cómo él mismo decía: "Yo fui un solista que soñaba con ser cuatro músicos al mismo tiempo: Los Beatles" . La rotura con la CBS, trajo la duplicidad de Coz: ésta se dividió en dos grupos. La CBS seguía teniendo los derechos del nombre, y los siguió utilizando con el bajista Juan Márquez al frente del grupo, a la vez que los De Castro y compañía seguían actuando bajo ese nombre. Esta duplicidad no parecía una buena idea para nadie, así que estos últimos dijeron adiós a Coz (de la CBS se vengarían en su nuevo disco con la canción "Con las Botas Sucias"), contrataron al genial batería uruguayo Hermes Calabria (ex-Psiglo), y fundaron un nuevo grupo, que haría más ruido que ningún otro en el rock nacional: Barón Rojo.

La carta de presentación para el cuarteto es el disco"Larga vida al rock and roll" (Chapa/Zafiro 1981) que pronto los colocará en el lugar de privilegio que les corresponderá durante la década de los 80 en lo que a ventas y popularidad en las listas de éxitos se refiere. La producción del álbum corre a cargo de Chapa, detrás del cual se halla el trabajo y la genialidad del fundador del sello del mismo nombre: Vicente "Mariscal" Romero, que tendrá que ocultar su identidad detrás del nombre del subsello de Zafiro; debido, a las malas relaciones con diversas emisiones radiofónicas, como "Los 40 Principales". Este primer álbum, cuyas letras, como las de muchas otras, reflejan la inspiración de Carolina Cortés, novia del Sherpa, tiene el sonido de los grandes y además, cuenta con temas como el mencionado anteriormente "Con botas sucias", "El pobre", "Los desertores del rock" o "Barón Rojo" temas que comenzaron a fundar la leyenda. Campuzano y Carlos De Castro alternaban con gran armonía la voz solista del grupo.

La segunda avanzadilla de se produce en otoño de 1981 y se traduce en una visita a tierras británicas para actuar con el nombre Red Baron, bajo la insistencia de su compañía discográfica inglesa Kamaflage. Precisamente este sello discográfico junto al sello belga Mausoleum serán los editores de cara al mercado europeo para los trabajos del grupo. Este viaje a suelo extranjero no hizo otra cosa que reafirmar el potencial de la banda conociendo a Bruce Dickinson, entonces recién presentado cantante de Iron Maiden, con el que mantuvieron más relaciones en las visitas de éste a nuestro país, y el cual dijo de ellos que eran bellísimas pero que en sus escasos encuentros estaba demasiado ebrio como para acordarse de más. Durante aquellos días compartieron escenario interpretando rock clásico en la mítica sala Greyhound de Londres. Aprovechando la estancia en Inglaterra grabaron el que será el L.P. emblema de su carrera "Volumen brutal" (Chapa/Zafiro 1981) en los estudios Kingsway Recorders de Ian Gillan, pero ya con su nombre original. En las sesiones de grabación intervinieron músicos de la talla de Colin Towns (Ian Gillan Band) que introdujo teclados en el tema "Concierto para ellos" o Mel Collins (ex-King Crimson) colaborador asiduo de artistas como Rolling Stones o Eric Clapton, que metió un solo de saxo increíble en "Son como hormigas". Además de las visitas esporádicas de Bruce Dickinson y John Sloman (ex-Uriah Heep) para hacer "jam session" y amenizarse entre descanso y toma grabada por Barón Rojo en los estudios del famoso ex-cantante de Deep Purple. El álbum alcanzaría el platino alcanzando la cifra de ciento veinticinco mil copias vendidas sólo en suelo español, además de ser editado en el resto de Europa y Japón en versión inglesa en donde tuvo muy buena acogida. La entrada en listas inglesas del disco será todo un acontecimiento que permitió nuevas incursiones de la banda en Gran Bretaña, visitando de nuevo la Greyhound con la colaboración esta vez del guitarrista alemán Michael Schenker, además de la gira triunfal por España. Como anécdota resaltar que de una "jam session" protagonizada por "Sherpa" y Michael Schenker como fruto de la buena amistad iniciada entre ambos músicos, surgió el tema "Red sky" que grabaría en el futuro el otrora guitarrista de Scorpions con su banda en solitario. Otros hechos importantes a tener en cuenta por estas fechas son la actuación en el no menos legendario Marquee londinense o la participación por méritos propios el 27 de agosto en Reading Festival '82 ante más de 18.000 personas que quedaron entusiasmadas con la puesta en escena de la banda, donde llegó a repetir un tema ante la insistencia del público congregado. Compartieron cartel aquellos días de festival, junto a nombres ilustres del heavy rock como: Iron Maiden, M.S.G., Yesterday & Today, Marillion, Gary Moore o Twisted Sister. Hecho, este último, que ningún otro grupo español ha llegado a igualar en la historia y además situó a Barón Rojo como una de las referencias en el heavy metal del momento. En este año 1982, de gira británica por ciudades importantes para la música como Londres, Newcastle, Liverpool o las escocesas Glasgow y Edimburgo, Barón Rojo visitaron teatros importantes como el Apolo e hicieron gira entre otros con Hawkwind con los que tocaron en el Hammersmith Odeon.

El tercer trabajo se graba en los Battery Estudios de Londres con la producción de Chapa y recibe el nombre de "Metalmorfosis" (Chapa/Zafiro 1983) que llevó al grupo a actuar el 21 de mayo al Heavy Sound Festival '83 de Brujas, Bélgica , siendo cabeceras de cartel con bandas como Uriah Heep, Golden Earring o Gary Moore. Este álbum es grabado íntegramente en castellano y aunque al principio se pensó presentarlo como doble con caras de un cuarto de hora, al final se editará como L.P. y un single acompañando la promoción del mismo, conteniendo los clásicos de la banda "Herencia letal" e "Invulnerable". Por su parte, el L.P. tiene dos hit-singles que situarán al grupo en la cima de la popularidad, "Casi me mato" y "El malo", llevando . Aprovechando este gran momento deciden grabar un doble álbum en directo en Madrid durante las noches del 10 y 11 de febrero de 1984 con un presupuesto de veinte millones de pesetas distribuidos entre la preparación de los conciertos a grabar, unidad móvil de grabación inglesa, producción de lujo de la mano de Chris Tsangarides, etc. Resultado: una de las mejores noches de la vida de 12.000 asistentes que acudieron al concierto, abarrotando el Pabellón de Deportes del Real Madrid hasta los topes en cada uno de los pases. Este directo una vez editado en vinilo recibió el nombre de "Barón al Rojo Vivo" (Chapa/Zafiro 1984) y contiene nuevas canciones junto a los antiguos clásicos: "Campo de concentración", "El mundo puede ser diferente", "Mensajeros de la destrucción", "Atacó el hombre blanco" y la instrumental "Buenos Aires" .

Pero la espectacularidad y asistencia masiva a conciertos de Barón Rojo sólo estaba comenzando a aflorar. Sin ir más lejos, ese mismo año vuelven a ser llamados para descargar en la nueva edición del mayor festival heavy de Bélgica, esta vez celebrado en la localidad de Poppering, Holanda, Heavy Sound Festival '84, teloneados por grupos como Metallica o Motorhead.


Aunque para afluencia de público a un concierto de Barón Rojo este año, la que se registrará en Madrid en la Casa de Campo de Madrid, en el maratón de rock de doce horas, organizado por el P.C.E. En tal evento intervinieron Asfalto, Topo, o Banzai; aunque la expectación gira en torno a Barón Rojo. El lleno es avasallador rondando las 60.000 personas, demostrando el tirón de que disponía la banda a mediados de los 80. La presentación del Long Play "Barón al Rojo Vivo" tiene lugar en una gira sudamericana sin precedentes para un grupo hispano de rock, llegando a tales cotas el recibimiento que brindan los fans americanos al grupo. Llegaron a abarrotar hasta los topes grandes recintos como el Poliedro de Caracas, Venezuela o el Pabellón de Obras Sanitarias de Buenos Aires, Argentina.

Llegado el otoño del año 1985, el grupo ha conseguido volar a lo más alto y graban "En un lugar de la marcha" (Chapa/Zafiro 1985) con el cual siguen manteniendo su lugar de privilegio en el firmamento de estrellas, con el consiguiente (otro más) disco de oro. Con los temas de este disco abandonan un poco el fuerte sonido de la banda para lograr grandes melodías y, sobretodo, las composiciones más trabajadas de la banda. Cosa que logra que sea uno de los mejores discos de la banda, con una gran calidad de sonido, en la que se estrenaron como productores los propios músicos. Hay grandes temas incluidos en dicho L.P. como "Breakthoven", "Cuerdas de acero", "Hijos de Caín" o el más fresco del álbum "Tras de ti". La novedosa portada que presentaba el disco (y cutre, como dirían algunos) trajo una nueva idea para los directos de Barón Rojo: construyeron una nave a imagen y semejanza de la que contenía la portada, a modo de "Quijote espacial" con su lanza y todo que recorría el escenario cuando tocaban el tema "Breakthoven".

Durante cinco años Barón Rojo triunfaron dentro y fuera de España con todos sus discos, que se llegaron a convertir en oro o platino, recorriendo el país natal en toda su extensión, así como las importantes incursiones en el extranjero. Pero en el año 1986, además de presentarse el nuevo disco en directo con material sobrante del álbum "Barón al rojo vivo" titulado "Siempre estáis allí" (Chapa/Zafiro 1986) finalizaba el contrato que ligaba al grupo con Zafiro y desde hacía bastante tiempo fue público y notorio el interés despertado en la multinacional EMI por incluir a Barón Rojo en su catálogo, sin embargo finalmente no hubo acuerdo y en lugar de acabar en una compañía de mayor calidad, la banda acabó sin esperanzas ni imaginación. Y aquí llegó el punto de inflexión en la historia de la banda, que junto con la pérdida de algunos componentes, la harían derrumbarse. Entonces, toda proyección internacional del grupo desde esta fecha en adelante se redujo a alguna que otra gira americana por países como Colombia o alguna actuación puntual en Europa como en Francia, pero llas grandes giras de años anteriores por el Reino Unido o Sudamérica empezaban a pesar sobre el grupo como una losa que, con o sin presión sabían que habían perdido gas en su vuelo. Paulatinamente se fueron aferrando al mercado nacional y aunque sacaron a la luz trabajos interesantes y seguían manteniendo bastante público en directo y buen nivel de ventas ya nada era comparable a la mítica etapa que protagonizó el grupo y que transcurrió desde 1981 a 1986.

Es a partir del año 1987 cuando empiezan a salir a la luz los trabajos de menor repercusión internacional, y que demostraron que Barón había perdido gas en su vuelo: "Tierra de nadie" (Chapa/Zafiro 1987), "No va más" (Chapa/Zafiro 1988) y "Obstinato" (Chapa/Zafiro 1989). Este último Long Play intentando volver a las raíces del sonido Barón Rojo de los tres primeros discos, es decir la etapa que va desde 1981 a 1983.

A principios de 1990, las diferencias internas en el seno de la banda hacen que tanto José Luis Campuzano como Hermes Calabria se marchen, entonces comienza una disputa por los derechos del nombre del grupo, en el que habrá inmiscuido hasta algún que otro agente discográfico. Pasarán multitud de músicos por la banda ahora liderada en solitario por los hermanos De Castro. Durante esta nueva etapa, Barón Rojo llegaría a actuar diversas veces con 5 componentes: además de los hermanitos, el vocalista Maxi González (ex-Tritón), el bajista Pepe Bao (ex-Manzano) y el batería José Antonio del Nogal "Ramakhan" (ex-Tritón).

En 1992, Barón Rojo grabaron un nuevo disco titulado "Desafío" (Avispa 1992), la formación para el disco estará compuesta por los siguientes músicos: Carlos de Castro (voz solista y guitarras), Armando de Castro (guitarras), Niko del Hierro (ex-bajista de Ñu) y José Antonio del Nogal "Ramakhan" (batería). La producción corrió a cargo de Carlos de Castro y el adjunto de la misma fue su hermano Armando. Tuvieron problemas en la distribución del disco, por lo que no funcionó a nivel de ventas, no cubriendo las mínimas expectativas que se podían esperar de un trabajo así. Por otro lado su antigua casa discográfica, Zafiro, publicó en 1995 un doble CD recopilatorio con buenas ventas titulado "Larga vida al Barón" (BMG Ariola/Zafiro 1995), gotas de agua no sirvieron más que para saciar minimamente la sed que tenían los fans del grupo desde hacía 3 años. Mientras, no habían parado prácticamente de descargar en directos, intercalando actuaciones en salas pequeñas con grandes pabellones. Lo que les llevó finalmente a grabar un nuevo álbum "Arma secreta" (Clave Records 1996) presentando dos novedades en la base rítmica que llevan bastante de esos años relacionados con el grupo: el bajista Angel Arias y el batería José Martos, ambos músicos antiguos componentes de Niágara.

En 1999, se edita "Cueste lo que Cueste" (BMG Ariola 1999), una colección de parte de sus grandes éxitos remasterizados por primera vez que además de servir para presentar en sociedad a su nueva adquisición Vale Rodríguez, quien conoció a Ángel Árias en un bar donde éste le propuso entrar a formar parte del grupo, en sustitución de "Joe" Martos a la batería, los barones componen unos temas muy en el estilo de sus últimos discos, de los que tan solo merecen la pena un par, como el que da nombre al disco: "Cueste lo que Cueste". Mención aparte para la nueva versión de "Resistiré", cantada esta vez por Carlos, y que pone en evidencia su voz ya gastada. Como nota posítiva se encuentra la evidente sintonía entre batería y resto del grupo.

Tras una nutrida gira de conciertos por la geografía nacional presentando "Cueste lo que cueste" (BMG Ariola 1999), son llamados a descargar tras muchos años de ausencia por tierras sudamericanas, en la primavera austral (Uruguay y Argentina), aunque también actuarán en países como México. Siendo recibidos como en años pasados fenomenalmente por millares de fans que los esperan impacientemente en aquellas tierras. Tras el baño de multitudes y la exitosa gira que los llevará a tocar con bandas hermanas del otro lado del charco, como Horcas; Barón Rojo regresará a España confirmando el fichaje por un joven, pero dinámico y ambicioso sello discográfico: Zero Records, propietario de los derechos de, entre otros, Hamlet y Söber. Podemos encontrar un pequeña curiosidad en la estupenda versión de Judas Priest, "You've got another thing coming" para el álbum tributo "Metal Gods" (Zero Records, 2000), disco homenaje de distintos grupos españoles a Judas Priest.

En primavera del 2001, Barón saca al mercado un nuevo disco "20+" (Zero Records 2001), con doce temas que demuestran los bajos momentos en que se encuentra el grupo (y esperamos que no por mucho tiempo) y la condescendencia de los medios de comunicación con él. Realmente no hay ninguna canción que llame especialmente la atención, y si alguna hubiera que salvar ésa sería "Fronteras". A punto de cerrar un trato con Nems Enterprises, para distribuir los discos en Sudamérica y pensando en proyectos aun más ambiciosos como grabar una versión inglesa para hacer lo propio en el mercado europeo y japonés, Barón Rojo sacaría un nuevo recopilatorio exclusivamente para Sudamérica para iniciar por allí una serie de giras. La gente de allí, como no, les recibieron con los brazos bien abiertos y a millares, demostrando la fidelidad que guardan en aquellas por nuestro grupo. Más tarde, comenzarían en España su nueva gira de presentación del "20+", demostrando la fuerza que mantienen en sus conciertos, inigualables a pesar del paso del tiempo. Sin embargo, parece que éste arrastra el Barón Rojo a lo más lejano del horizonte (os habéis fijado en el buen humor de la banda en la portada del "20+", diseñada precisamente por el hermano del batería de la banda?)

2-LOS SUAVES:

Algún día sabremos, por boca de sus protagonistas, el motivo por el que esta banda gallega decidió bautizarse con el efecto extremo que causa su música. Orense vio nacer y crecer a un grupo enamorado del rock and roll que gritaba su sueño de hacer los Madriles y que terminó encandilando a todo un país.

Tres hermanos, los Domínguez, iniciaron una aventura que terminaría en éxito. No mucha gente sabe que el vocalista, letrista y líder Yosi es hermano del bajista Charly. Y menos aún conocen que el tercer pariente de la misma sangre soñó con ser músico hasta que el destino lo llevó hacia otros derroteros; en la actualidad es profesor universitario. La formación de Los Suaves dio muchas vueltas en la primera etapa de su trayectoria. Pronto se sumaron otros dos guitarristas que dejaron su impronta; de hecho el rítmico Ramón "Moncho" Costoya es todo un fijo, el magnífico solista de color Hermes Alogo Mebuy es una especie de B.B. King metido al rock crudo a la española, si se nos permite la expresión. Con la posterior llegada del batería Angel "Gelo" Barrio, el quinteto se asentó.

Pero una primera versión de Los Suaves ya se había hecho notar (¡y de que manera!) con la actuación que la banda ofreció en La Coruña en diciembre de 1981 como grupo telonero de Ramones. La impronta que causaron los orensanos no pasó desapercibida a nadie. Luego vino el fichaje por la discográfica independiente gallega Edigal y los primeros discos: Esta vida me va a matar y Frankenstein. En 1987, hace ahora diez años, Los Suaves cumplen su sueño de acercarse por primera vez a Madrid, aunque fuera a sus alrededores, con la actuación celebrada en la desaparecida sala En Vivo de Fuenlabrada.

Los Suaves empiezan a crear ese ambiente de boca a boca que crea una fiel base de aficionados a su música. Y, cuando en 1989 se publica Ese día piensa en mí, se aprecia que su hora de gloria está a punto de llegar. La grabación de un doble en directo en Madrid y Barcelona demuestra que el tirón popular de la banda es innegable. En 1991 se produce la entrada del guitarrista solista Alberto Cereijo por el entrañable Hermes. Tony Vallés, de la banda de Manzano, cubre la etapa de transición entre ambos. Cereijo ofrece un filo más agresivo al sonido de la banda, como puede comprobarse en el primer álbum donde participa. Maldita sea mi suerte.

Desde entonces, la vida de Los Suaves se ha transformado; fichaje por multinacional (lo que no implica renuncia alguna a su sentido de la autonomía de trabajo), campañas interminables de ciudad en ciudad, de pueblo en pueblo, y pasión, mucha, por el rock and roll. La banda ha mejorado la producción de sus discos hasta llegar al ejemplo de Santa Compaña, trabajo realmente magnifico de concepto y resultados. Yosi sigue cantando a la exultante felicidad de sentirse encima de un escenario pero también a la inmensa soledad de los momentos duros y a la obsesión por la muerte, por la desaparición física y las dudas permanentes sobre esta vida. Los Suaves tienen alma de rock and roll.
Discografia:
* Esta vida me va a matar
* Frankenstein
* Ese día piensa en mí
* Suave es la noche
* Maldita sea mi suerte
* 10 años de Rock
* Malas noticias
* Santa Compaña
* Especial Acústico
* ¿Hay alguien ahí?
* Con el corazón
* Esta noche no se duerme (video)
* Lo mejor del "¿Hay alguien ahí?"
* San Francisco Express
* Víspera de Todos los Santos

3-LEÑO:

El 31 de Diciembre de 1977, Rosendo Mercado, guitarrista por aquel entonces de Ñu, decide abandonar esta formación, harto tras su enésima discusión, justo antes de un concierto, con el excéntrico cantante, José Carlos Molina, el cual siempre calificaba a sus composiciones como un auténtico leño. La idea toma irónicamente rienda suelta poco después, cuando la primera formación de Leño la completa con Chiqui Mariscal, antiguo compañero en Fresa, al bajo, y Ramiro Penas, proveniente de Coz, a la batería, encargándose el propio Rosendo de la voz, además de la guitarra. Su debut en directo, en Febrero de 1978, como teloneros de Asfalto, pondría la primera piedra de la que años más tarde se convertiría en el grupo más emblemático de la historia del rock de este país. En Mayo graban un primer single, compuesto por Este Madrid y Aprendiendo a Escuchar.

La banda continua con una intensa actividad en directo que les lleva a editar en Marzo de 1979, bajo el sello Zafiro, lo que supondría su primer álbum, que llevaría el genérico título de Leño. En este momento Chiqui Mariscal, inexplicablemente, decide abandonar el grupo, siendo sustituido por Tony Urbano, compañero de Ramiro en Coz. Grabado en apenas 70 horas, el disco debut contendrá clásicos de la talla de El Tren, Este Madrid o Sodoma y Chabola, abriéndoles las puertas a numerosos conciertos y festivales que por aquella época se celebraban, sin muchos medios y con los mismos grupos, de una punta a otra del estado. Con un sonido algo menos callejero, graban en Julio de 1980 su segundo disco, Más Madera, donde la inclusión de teclados y el pequeño giro musical provoca la crítica de sus seguidores, la cual se encargaría el propio grupo de rebatir gracias a sus potentes actuaciones, donde temas como Cucarachas o Sí Señor, Sí Señor reflejan el verdadero sonido a rock urbano que Leño sabía transmitir sobre un escenario como ningún otro grupo.

En 1981 la banda decide plasmar la fuerza de sus conciertos, ante cada vez un mayor número de seguidores, en un disco en directo, donde como novedades destacarían la inclusión de 4 temas nuevos, entre ellos Maneras de Vivir y Entre las Cejas, así como de un saxofonista y unos coros, entre los que se incluiría a una desconocida Luz Casal. Las enormes dificultades técnicas evitarían que el álbum plasmase toda la intensidad que el grupo ofrecía sobre el escenario, lo que por otro lado no impediría que las ventas del mismo se disparasen, al tiempo que Leño ocupase ya un lugar destacado entre el joven panorama del rock nacional. Ello les lleva a grabar su cuarto y definitivo disco, en Mayo de 1982, en Londres. Con un sonido más compacto y potente que su anterior disco en estudio, ¡Corre, corre! supondría la consagración definitiva de la banda, con clásicos de la historia del rock de este país como Sorprendente, ¡Corre, corre!, La Fina, Que Desilusión o No se Vende el Rock & Roll. El disco suena en todos los medios y la popularidad de la banda les lleva a acompañar a Miguel Ríos en su gira por todo el estado “El rock de una noche de verano”, en 1983.

En el punto más alto de su carrera, en Octubre de ese mismo año, el grupo decide poner el punto y final, después de 6 años de trabajo, aduciendo razones creativas y personales. Quizás la corta pero intensa historia de la banda sea el principal condicionante, junto a un puñado de grandes canciones, de la que a partir de ese momento se convertiría en la mayor leyenda de la historia del rock de nuestro país, con una repercusión que ni ellos mismos hubieran soñado en aquellos momentos que el grupo iba a tener sobre el posterior movimiento rockero del estado, dónde, hoy en día, representan sin lugar a dudas la banda más influyente del mismo.
Discografia:
-LEÑO (1979, ZAFIRO)
-MAS MADERA (1980, ZAFIRO)
-EN DIRECTO (1981, ZAFIRO)
-¡CORRE, CORRE! (1982, ZAFIRO)
-INDIRECTO (1989, ZAFIRO)
-MANERAS DE VIVIR (1997, ZAFIRO)

4-OBUS:

En los primeros meses de 1980 dos jóvenes madrileños, Juan Luis Serrano y Francisco Laguna, bajista y guitarrista, que ya coincidieron en otras formaciones como Red Box y Madrid 20, deciden formar OBÚS, sin saber aún que iban a revolucionar todo el panorama musical de la década. Para completar el grupo deciden llamar al batería Manolo Caño (Mazo), a partir de ahí OBUS en el Preparate comienzan a componer las canciones del que sería su primer vinilo. Así continuaron hasta abril de 1981, mes en el que Manolo Caño es sustituido por Fernando Sánchez al mismo tiempo que se incorpora Fortu Sánchez como vocalista. Hasta ese momento los encargados de ponerle voz a las canciones eran Juan Luis y Paco (¿os lo imagináis?), bien pues ya tenemos a OBÚS al completo y listos para hacer Historia, la cual comienza de forma fulminante en la plaza de toros de Las Ventas, ganando la Tercera Edición del Villa de Madrid. Esto les sirvió para firmar su primer contrato discográfico con Chapa Discos.

En Julio de 1981 entran en el estudio y comienzan a grabar su primer álbum, "Prepárate", producido por Tino Casal y Luis Soler, contando con la colaboración de Luis Cobos.

Nada más ver la luz el "Prepárate" catapulta al grupo a la fama, llegando al número uno de los 40 principales, algo impensable hasta esos momentos para una banda de heavy metal.
Sorprendieron a todo el mundo con su potente música y su dura imagen, adornada con cuero negro y tachuelas por todos lados, sentando las bases de lo que sería el sonido y la estética del rock duro en los años posteriores. Al poco tiempo triunfan en su propio barrio, Vallekas, en una gran actuación ante miles de personas en el campo de fútbol del Rayo Vallecano, las cuales se rinden ante el poderío y la contundencia de la banda en directo y demostrando que serían la mejor banda de directo de aquí en adelante.

6 de noviembre de 1981, OBÚS se embarca en una aventura de la que muchos dijeron que estaba destinada al fracaso, presentar su primer disco en el Pabellón de Deportes del Real Madrid, sin embargo consiguieron otro hecho histórico, con un lleno a reventar y confirmándose como unos de los grandes del heavy español, consagrándose canciones como "Va a estallar el Obús", "Sólo lo hago en mi moto" o "Pesadilla nuclear" como himnos dentro de la escena del rock español.

Pronto comienzan a salir galas y no paran de girar presentando el LP por toda España, llenando allí donde tocasen, como fue el caso también en su presentación en Barcelona, en el Pabellón del Barça.

Todos los medios se hacen eco de la ascensión meteórica de OBÚS hacia la fama, apareciendo en todos los medios de comunicación (prensa, radio, TV...).

En 1982 sacan su segundo álbum, "Poderoso como el Trueno", siguiendo la buena línea del primero, con temas tan representativos como "Dinero, dinero", "Dame Amor", o el mismo "Poderoso como el Trueno". En este disco volvieron a contar con la ayuda de su buen amigo Tino Casal, junto con la de Luis Soler. Regresan al Pabellón de Deportes del Real Madrid para presentar el disco ante todos sus seguidores.
En 1984 les llega el momento de la consagración como banda indiscutible de primer nivel con el lanzamiento de su impresionante disco "El Que Más", el tercero de su carrera, este álbum fue grabado en los Mediterráneo Studios de Ibiza, con la ayuda del ingeniero de Judas Priest, Mark Dodson, con el que consiguieron un sonido que por aquel entoces sólo estaba al alcance de bandas de talla internacional, además Adrian Smith (Iron Maiden) escribió una canción para el disco titulada "Alguien", y junto con este tema todo un disco repleto de canciones brillantes como "Vamos muy bien", "Autopista", "El qué más", "Viviré", "Juego Sucio"...

OBÚS es ya conocido por todo el mundo, y también entran con fuerza en Sudamérica. En ese mismo año viajan a Venezuela ofreciendo dos actuaciones en el famoso Poliedro de Caracas.

En 1985 vuelven al estudio para grabar su cuarto álbum, "Pega con fuerza", de nuevo en los Mediterráneo Studios, con temas como "Te visitará la muerte".

Durante todo este tiempo el grupo no deja de actuar y de cosechar éxitos y en 1986 llega el quinto disco, "Dejarse la piel", un álbum que se sale un poco de la linea de los anteriores pero que refleja su madurez como músicos y que incorpora una novedad hasta entoces desconocida en el repertorio de la banda, su magnífica balada "Complaciente o cruel" y temas como "Necesito más", "Crisis", "Mentiroso", "Rómpelo", etc.
En 1987 tienen suficientes canciones como para decidirse a grabar un doble disco en directo, "En directo 21-2-87", demostrando a todo el mundo que su directo y puesta en escena es lo mejor del momento, ofreciendo un concierto memorable y volviendo a llenar el Pabellón del Real Madrid (por si alguién tenía dudas).

A finales de los 80 el bajón del heavy a nivel mundial es evidente, abandonan Zafiro, que prefiere apoyar a otro tipo de grupos y fichan por Avispa. OBUS foto promo Con esta discográfica sale "Otra vez en la ruta" en 1990. El panorama para el heavy es desolador y es ya un hecho que pasa por momentos de crisis, por este motivo, y aunque vuelven a Sudamérica a dar una serie de conciertos en México, OBÚS decide aparcar el grupo, y cada uno de sus miembros se dedica a diferentes proyectos musicales.

Hasta este punto de su trayectoria, OBÚS cuenta con muchos momentos históricos, premios y varios discos de oro, sin mencionar que la historia del heavy metal español no podría entenderse sin citar a OBÚS.

Sin embargo, el grupo no estaba disuelto, sólo aparcado momentáneamente, y en 1996 regresan a los escenarios. Poco a poco vuelve a surgir interés por este género y en absoluto silencio comienzan a componer nuevos temas, que se ven reflejados en su regreso discográfico en Octubre del 2000, callando las bocas de los más escépticos, con su impresionante "Desde el fondo del abismo", un compacto lleno de fuerza y rabia, con unas canciones que demuestran que se encuentran en plena forma.

5.- AC/DC

Con tan sólo una palabra se puede definir a uno de los grandes grupos del rock duro. Y es que su propio nombre lo indica, AC/DC (corriente alterna/corriente continua). Energía, fuerza, sonido absolutamente propio y el paso y el disfraz de colegial de Angus Young se han convertido en las señas de identidad de este grupo australiano. La banda comenzó su larga carrera a comienzos de los años 70 con los escoceses Angus Young y Malcolm Young a las guitarras, el punto fuerte del grupo. La vida de esta banda fue escasa, pues los dos hermanos se trasladaron de Sydney a Melbourne y allí se les unieron Bon Scott, Mark Evans y Rudd. Con esta formación salió ya su primer elepé, TNT. Pero a pesar de que su disco no funcionaba muy bien, sus increíbles actuaciones en directo les trajeron una gran reputación su sonido era mucho más duro y salvaje de lo que se había oído hasta ese momento, a pesar de que las listas de ventas estaban dominadas por Led Zeppelin, Black Sababath o Deep Purple. Los hermanos Young sentían especial debilidad por un artista y su manera de tocar la guitarra, Chuck Berry. Pero las influencias continúan con los Yardbirds y con uno de los grupos más ruidosos de los años 60, The Who. Hacia 1974 el repertorio de AC/DC estaba basado en clásicos del blues y versiones de temas que triunfaban por aquel entonces como los de The Rolling Stones y, como no, de su artista favorito, Chuck Berry. En 1976 decidieron instalarse en Inglaterra, donde comenzaba a triunfar un nuevo tipo de música, el punk. Los gustos de los ingleses ya estaban preparados para escuchar la fuerza de AC/DC y los australianos consiguieron hacerse un hueco en las salas de conciertos especializadas. Con la mítica casa Atlantic, AC/DC publica High Voltage, compuesto por nuevas interpretaciones las canciones incluidas en TNT y en la versión australiana de High Voltage. En 1977 regresan a Australia y se cierran en unos estudios de Sydney para publicar Let there be rock. De este disco Pete Townshend, líder de The Who, afirmó que era su álbum favorito de rock duro. Ahí es nada. Con sus siguientes discos (Powerage, If you want blood, youve got it) les llegaron los éxitos de ventas y la fama, hasta entonces limitada a escasos países, se convirtió en algo de alcance mundial. Con Highway to hell, su siguiente elepé, llegaron a hacer una gira de teloneros de The Who. En pleno momento dulce, en febrero de 1980, el cantante Bon Scott moría ahogado en sus propios vómitos tras una borrachera de whisky. El sustituto, Brian Johnson, no se hizo esperar, pero no consiguió nunca hacer olvidar al mítico cantante original de la banda australiana. Los críticos así lo vieron y consideraron que los discos que llegaron después de la muerte de Bon era de inferior calidad. Sin embargo, las cifras de ventas seguían subiendo y la popularidad de AC/DC también. A partir de su actuación en el histórico Rock in Río de 1986, junto a bandas como Queen, Whitesnake, Ozzy Osbourne, Iron Maiden o Scorpions, las ventas omenzaron a caer lentamente.Después de varios años con Mutt Lange, los hermanos Young se encargaron de realizar la producción del siguiente disco, Fly on the wall. El resultado significaba la continuidad en la cuesta abajo en la que estaba metida el grupo.Poco después, y tras la publicación de Who made who y Blow up your video, Malcolm Young dejó provisionalmente la banda debido a su agotamiento y a su intención de dejar la bebida, siendo sustituido por otro miembro de la familia Young. Ya con Malcolm integrado de nuevo en el grupo y con fuerzas renovadas, AC/DC grabó The Razors Egde, con un single que le ayudó a triunfar en las listas de ventas, la enérgica Thunderstruck. Después de varios años de pausa creativa, la banda australiana volvió en 1994 con Ballbreaker, un disco al que se le nota la calma con la que pudieron trabajar. En 1997 sacaron una caja, Bonfire, en la que se incluía 5 discos, un poster y una púa con el nombre de la banda. Todo un homenaje para todos los seguidores de AC/DC. Con Stiff upper lip la banda de rock vuelve a sus orígenes, con un sonido simple, pero lleno de fuerza y energía y con grandes raíces en los ritmos del blues, que tanto han influido en los hermanos Young.

Saludos

joeeeeeeeeeer que tiempoooooooooos

6 .- KISS


Hasta que el grupo Kiss se pudo formar, sus componentes se vieron obligados a tocar en la calle por muy poco dinero. Habían formado anteriormente un grupo llamado Rainbow, que no era de Hard Rock, sino que hacían versiones de los éxitos del momento (aunque también componían algunas canciones).

Pero desde que Stanley Eisen (Paul Stanley: cantante y guitarrista) y Gene Klein (Gene Simmons: bajista) acudieron a un concierto de Alice Cooper, descubrieron qué tipo de música querían hacer. Habían formado otra banda, llamada Wicked Lester, junto con Steve Coronel, Brook Ostrander y Tony Zerella, pero estos miembros no estaban de acuerdo en tocar Rock, así que se separaron. Fue entonces cuando encontraron un anuncio en la revista Rolling Stone del batería Peter Criscuola, es decir, Peter Criss, que si estaba dispuesto a formar un grupo de estas características.

En 1973, el grupo decidió llamarse Kiss y comenzó a buscar un guitarrista. Tras varios intentos Paul Frehley (Ace) consiguió entrar en la banda. Por fin empezaron a tocar frente a un público concreto y entonces decidieron hacer algo diferente del resto de grupos de la época: pintarse la cara, cada uno de distinta forma. Paul fue entonces Starchild (o el hombre estrella), Gene se convirtió en el demonio, Ace en el hombre del espacio y Peter en gato.

En esas fechas conocieron al que sería su manager y que ofreció a la banda un contrato discográfico. Un año después Kiss sacó su primer álbum (llamado "Kiss") que alcanzó muy buen puesto en las listas, y fue seguido por un segundo disco llamado "Hotter That Hell". Año tras año fueron sacando numerosos discos de estudio, recopilaciones y discos en directo, entre ellos "Dressed To Kill" y "Alive!" (1975), "Destroyer" (1976) o "Double Platinium". En ellos están incluidas muchas de las mejores canciones del grupo como "Rock and Roll All Nite", "Detroit Rock City" o "Beth".

En 1978, cada componente lanzó un disco en solitario, con sus distintos estilos. Pero en 1980, tras sacar el disco "Dynasty", Kiss decidió cambiar su imagen. El disco que lanzaron, muy cercano al pop, se tituló "Unmasked" y en él, la batería estaba tocada por Anton Fig. Peter Criss abandonó el grupo y ocupó su lugar Paul Caravello (Eric Carr). Éste adoptó el personaje de zorro. La música a partir de entonces fue diferente a la de la década anterior. El disco "Music From The Elder" provocó muchas quejas por parte de los fans, por tener un sonido tan diferente.

El grupo continuó maquillándose, pero tras el disco "Creatures Of The Night", Ace dejó la banda y formó su propio grupo: Frehley's Comet. Fue sustituido por Vincent Cussano (Vinnie Vincent) que se convirtió en el guerrero egipcio. Con él, Kiss grabó "Lick it up", esta vez sin máscaras. Vinnie dejó la banda y fue reemplazado por Mark St. Jhon y este a su vez por Bruce Kulick. Así sacaron "Asylum" (1985) y "Crazy Nights" (1987).

Con esta formación, continuaron hasta 1992, año en el que el batería Eric Carr murió de cáncer. Ocupó su lugar Eric Singer y con él llegó un nuevo cambio en la música del grupo.

En 1995, todos los miembros que habían formado Kiss se reunieron y grabaron el acústico "MTV Unplugged" (sacado un año después). Tras este disco, los componentes originales de la banda se volvieron a unir y a volver a los comienzos, otra vez con el maquillaje que tanto les ha caracterizado. Salieron al mercado dos recopilatorios y comenzaron una importante gira mundial. En 1998 sacaron su esperado álbum "Psycho Circus", la primera grabación con los miembros originales juntos después de 19 años.


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Componentes de Kiss:

Paul Stanley: Voz, Guitarra.

Gene Simmons: Bajo

Peter Criss / Eric Carr / Eric Singer: Batería

Ace Frehley / Vinnie Vincent / Bruce Kulick: Guitarra[/B]

Saludos

7-JUDAS PRIEST:

Judas Priest nace en 1971, de la mano del guitarrista K.K Downing, y el bajista Ian Hill. Tras unos primeros años tocando en pequeños escenarios, en 1974 y con la llegada de Rob Halford y Glenn Tipton, publican "Rocka Rolla", un álbum que, a pesar de no traerles demasiado éxito, supondría el inicio de una de las carreras más brillantes en la historia del Heavy metal.

Dos años más tarde saldría a la luz uno de sus álbumes más aclamados, "Sad wings of Destiny", el álbum que les elevaría hacia el éxito. Después llegarían "Sin after sin", en 1977, "Stained Class" en 1978 y "Hell bent for leather" a finales del mismo año. En la gira japonesa de ese mismo disco grabarían su primer directo, "Unleashed in the east", que recogía los éxitos cosechados en los últimos años.

Ya en los '80, dos caras nuevas aparecen en el horizonte Judas: una será su nuevo batería Dave Holland, y la otra su productor Tom Allon, de vital importancia durante esta década. En 1980 graban "British Steel", su consagración defintiva. A este álbum le seguiría el flojo "Point of entry" (1981); el escaso éxito de este disco les llevo a lanzar uno de sus más potentes trabajos, "Screaming for vengeance", en 1982. Dos años más tarde seguirían la misma tónica con "Defenders of the faith".

En 1986, Judas se vuelve a desmarcar de su onda como ya hiciera con "Hell bent for leather" o "Point of entry", publicando "Turbo", un trabajo que se alejaba de la onda Judas y se acercaba al mundo del pop, fusionando sus guitarras con sintetizadores. A pesar de ello, el album fue un éxito. Este mismo año, durante la gira "Fuel for life", graban el mítico directo "Priest ...live", en el que se incluían muchas canciones del "Turbo".

La aparición de "Ram it down" , un disco que volvía al estilo Judas pero con nuevos aires de power-metal, no dio a la banda la respuesta esperada por el público.

En 1990 se van de la banda dos mitos, el productor Tom Allom, y el batería Dave Holland. Ese mismo año publican "Painkiller" , uno de sus trabajos mas aclamados, con aires de Trash-metal, el album ha pasado a la historia como uno de los mejores de este género musical.

Pero en 1990, ocurre algo inesperado: Rob Halford abandona la banda parar tomar su propio proyecto en solitario. Se produce un paron de 7 años, con un recopilatorio llamado "Metal Works" de por medio, en 1993. Hasta que en 1997 entra en la banda un nuevo vocalista, que aportará sangre joven a la banda. Tim Owens, apodado Ripper por sus compañeros, graba junto a la banda este mismo año "Jugulator", el disco más duro de la banda y que creó fuertes divisiones entre los fans de ésta.

Al año siguiente se graba el directo "Meltdown"; se produce un parón de tres años hasta 2001, cuando aparece "Demolition", un álbum que seguía la línea del anterior, con un aire más melódico. A finales de ese año graban el video "Live in London", que posteriormente, en el año 2003, aparecería en disco, y que recopilaba todos los éxitos de la banda, desde Halford hasta Ripper. En Julio de 2003 se confirma el regreso de Halford a Judas Priest.

U2

U2 comienza su andadura por el año 1976, en la ciudad de Dublin, cuando Larry Mullen colocó una nota en el tablón de anuncios de la escuela, pidiendo gente para montar un grupo.
A Larry pronto se le unió Adam Clayton, Bono y los hermanos The Edge y Dick. Al principio sólo interpretaban versiones de temas conocidos, pero enseguida comenzaron a componer sus propias canciones.
Tras el abandono de Dick, el grupo quedó configurado definitivamente con los otros cuatro músicos: Larry en percusión, The Edge en guitarra y teclados, Adam a la guitarra y Bono, el cantante del grupo.
Tras ganar un concurso de jóvenes talentos, editaron un single con tres canciones, entre las que se encontraba la celebrada 'Out of Control'.

En mayo de 1979 editan un nuevo sencillo, '11 O'Clock Tick Tock'. Al siguiente año publican un álbum completo,'Boy', con moderado éxito tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos.
A finales de 1981 publican un nuevo album, 'October', que primeramente querían llamar 'Scarlet', que se convirtió en un éxito de ventas. Comenzaron a ofrecer conciertos y llegaron a tocar en Londres.

En 1983 sacan un nuevo disco, 'War', del cual se vendieron 20 millones de copias en todo el mundo. Poco después sacaron 'The Unforgottable Fire', con el que repitieron el éxito de su anterior disco.
A principios de 1987 sacaron a la venta 'The Joshua Tree', el cual se agotó en los comercios a los dos días de salir.

Poco después editaron 'Rattle And Hum', tras el cual se tomaron un periodo de reflexión para, a continuación, publicar 'Atchung, Baby', lo que supuso un cambio en el estilo del grupo, y 'Zooropa'.
Tras un periodo de descanso, Larry y Adam compusieron el tema de la película 'Mission Impossible', y el grupo trabajó en conjunto para crear la banda sonora de 'Batman Forever'.

En 1997 sacaron a la luz un nuevo álbum, Pop, que supuso un enorme éxito de crítica y ventas. Para ello se ayudaron de un enorme despliegue en todos sus conciertos.

A finales del 2000 publican 'All That You Can't Leave Behind', un disco con el que vuelven sus orígenes rockeros. Un disco producido por los propios U2 y con letras de Bono, cuyo primer single, 'Beautiful Day' se colocó entre los grandes éxitos de la temporada

En 1997 sacaron a la luz un nuevo álbum, Pop, que supuso un A finales del 2002 se publica el segundo volumen de grandes éxitos de la banda de rock más importante del momento. "The Best Of 1990-2000" recoge las mejores canciones de la banda irlandesa durante una de las décadas más importantes de la historia musical.
Este segundo volumen recoge canciones de los 4 discos de estudio grabados y editados en esta década. "Achtung Baby", "Zooropa", "Pop", "All That You Can't Leave Behind".

9-DEF LEPPARD:
Realizan su primer ensayo en una habitación de una fábrica de cucharas de la calle Bramall Lane. En la Navidad del año 1977 tiene lugar su primer concierto para seis amigos en el que interpretan canciones de Bowie, de Thin Lizzy y una de ellos Misty Dreamer.

El primer concierto en público de Def Leppard tiene lugar el 18 de julio de 1978 en la escuela de Westfield, en Sheffield. Es en 1979 cuando sube su fama como grupo en directo, en noviembre de este año el grupo actúa como telonero de AC/DC en el Reino Unido. Un años más tarde lanzan su primer LP "On Through The Night" producido por Tom Allom.

En mayo de 1980 la banda se traslada a EEUU para comenzar sus giras por el continente americano como teloneros de Judas Priest, AC/DC.. Cuando en agosto de este mismo año regresan al Reino Unido para tocar en el festival de Reading, la multitud que pensaba que el grupo se había vendido al dólar les recibió con tomates, latas e incluso trozos de césped.

En enero de 1983, al publicarse "Pyromania" y el sencillo "Photograph", el grupo recibe el aplauso del público y de la crítica. Llegan a vender en EEUU 100.000 copias semanales durante casi un año y más de 7 millones en total. En abril de este año comienza una gira mundial en cabeza de cartel, después de esta gira cada uno por separado preparan ideas para el cuarto álbum. El dato más curioso del grupo es el accidente en 1984 de Rick Allen, da una vuelta de campana con el coche y pierde el brazo, pero aprende a tocar la batería con un solo brazo.

Tres años más tarde, en 1987, se publica "Histeria" y se llegan a vender 15 millones de copias, por fin son estrellas en su país natal. En 1992 se publica "Adrenalize" que entra en las listas de EEUU en el primer puesto y permanece allí cinco semanas, comienza una gira que lleva el mismo nombre que les lleva a dar 227 conciertos.

En 1993 los productores de la nueva película de Schwarzeneger les piden una canción para los créditos, pero el grupo aún está con la gira Adrenaliza y no tiene tiempo para grabar una canción, en su lugar envían una cara B titulada "Two Steeps Behind", se convierte inmediatamente en éxito en EEUU. Al terminar la gira el grupo se toma seis meses de descanso y preparan por separado nuevas canciones. En julio de 1994 el grupo se dirige a una casa en Marbella para empezar a trabajar en su séptimo álbum "Slang" que ahora ve la luz. Pero antes de terminarlo la compañía les propone realizar un álbum recopilatorio de sus grandes éxitos, que fue "Vault" su anterior álbum.

10-ESKORBUTO (un poco de punk-rock pa los mas radicales):

Los primeros pasos

Nacieron en la margen izquierda del Nervión, en Santurce. Crecieron, vivieron y murieron en la calle. lnfluenciados por la explosión punk del 77 comenzaron allá por el año 1980, parece ser con un comic con algunas de sus primeras canciones. La banda la forman Iosu como guitarrista y voz (declarado fans de los WHO y los SEX PISTOLS) y Juanma como bajista y voz (que no suele escuchar música) más tarde se les unirá Paco como batería. Dieron su primer concierto en un colegio próximo a su local de ensayo, la media de edad de los asistentes era de ¡10 años!

En Agosto de 1982 van por primera vez a Madrid a mover una maketa por las discográficas, el viaje lo hicieron en un viejo 124 de Paco que los dejo tirados a la altura de Burgos, pensaron en quemarlo pero al final lo vendieron por 3000 pelas. El viaje dio sus frutos pues consiguen que un nuevo sello independiente SPANSULS RÉCORDS les grabara su primer single. En esos momentos el naciente movimiento punk en España basaba sus temas en el humor y el cachondeo, pero los Eskorbuto decidieron tocar temas que los grupos tenian como tabú y arrasaron con su single que se agoto en 3 meses y que contenia las canciones Mucha policía poca diversión, Mi degeneración y Enterrado vivo.


El principio de la mala fama

En el verano de 1983 vuelven a Madrid a mover una nueva maketa con los temas Eta, Escupe a la Bandera, Maldito País, Iros a la mierda. Entonces ocurre algo que marcará para siempre la vida de Eskorbuto: son detenidos, la policía escucha la maketa y se les acusa de injurias al estado y a las fuerzas de seguridad, se les aplica la ley antaerrorista y permanecen 36 horas encerrados. Escogieron de abogado a Cristina Almeida, segun contaron recibieron llamadas de apoyo de todos lados menos de el Pais Vasco.

Mientras ellos estaban detenidos, en las fiestas de Bilbao se escogia como lema el Mucha policía, poca diversión y se recogieron firmas de apoyo por todos lados. Los Eskorbuto se sintieron olvidados por las gestoras pro-amnistia cuando fueron detenidos en Madrid por canciones como Eta y Maldito país España. Esta rabia la plasmaron en su tema A La mierda el País Vasco que dice en sus letra ...las gestoras pro-ámnistia dormían mientras nosotros nos podríamos de asko...

Este tema y otros 3 más: Ratas en Vizcaya, Soldados, Dios patria Rey formaron su nuevo disco Zona Especial Norte en formato minilp compartido con RIP y editado por Spansuls en 1984. Disco que debido a su mala distribución quedo descatalogado rápidamente. Ni que decir tiene que este tema les causo muchos problemas. Debido a la cancion A la mierda el Pais Vasco. Se les acuso de traidores y se les rodeó de la peor de las famas.

En 1985 ve la luz su primer Lp llamado Eskizofrenia, toda una opera prima de energía punk, editado por el sello madrileño Twins. El disco contiene 18 temas compuestos entre los años 80-84. Desgraciadamente Twins no hizo mucho por este disco y muy pronto desapareció hasta que en 1987 fue reeditado por Discos Suicidas con diferente portada. En este mismo año tuvieron el concierto que ellos recuerdan como el mejor, fue en Hernani donde metieron mas gente que La Polla y Cicatriz que tocaban en el 'Marlxa Eta Borroka'.

Por aquel entonces José Mari Blasco inventa el 'Rock Radikal Vasco' y crea el sello Soñua en el que comienzan a grabar la polla, Hedzainak, Barricada... les ofrecieron formar parte del Rock radical Vasco, algo que les habría abierto todas las puertas y olvidar viejas movidas pero se negaron y dijeron que El rock no tiene patria, ni siquiera la vasca esto los convirtió en malditos, fueron censurados en algunas emisoras y periódicos y cada vez los contratan menos para tocar en Euskadi, palabras textuales suyas: Tocamos mas en el resto de España que en Euskadi, pero ellos nunca fueron de anti-vascos, preferían tocar en su tierra a tener que viajar lejos para actuares más según decía Iosu nunca tocamos A la mierda el País Vasco en España, allí preferimos tocar Maldito país España.


El mejor momento en su carrera

Una vez desestimada la oferta de Soñua continúan con su independencia natural y prometen para el 86 la increible cifra de 3 discos... algo que parecia imposible. Fichan por discos SUICIDAS y graban en 25 horas su segundo lp que llevaba por titulo Anti-Todo ya que ellos decian que Somos anti-todo, todo el mundo es anti-todo, pero no somos contra todo. El titulo es de lo más elocuente y resume en dos palabras su actitud. Este disco es su obra maestra, no es solo un disco más de Punk-rock, pienso que el termino punk se les queda pequeño, musicalmente hablando. El Anti-todo es un diskazo de rock con mayúsculas en el que encontramos algunas de sus mejores canciones de poesía callejera y de cloaca. Punk y Rock and Roll directo a tu cerebro.

Al poco tiempo sacan una Cassette que adjuntaba un Fanzine. Este casete estaba formado por seis temas con el significativo titulo de Ya no quedan mas cojones, Eskorbuto a las elecciones. Hay que decir que la CSS quiso censurarlos y se negó a fabricar la cinta por el tema Escupe a la Bandera, La cassete tuvo un exito increible y se agotó rápidamente.

Aun no habia terminado el año 1986 y todavía preparan otra sorpresa, algo que nadie habia hecho hasta elmomento en este país: Un disco en directo. Hacemos tantos discos porque tocamos poco, nuestros discos son el Directo. Para la grabación del directo pensaron en una gira llamada Navidades Sangrientas, algo que no cuajó, quien sabe si por pereza o por falta de infraestructura. Al final el salón de actos de un instituto en Santurce será el lugar elegido. Para la edición de este disco deciden vender los derechos al mejor postor; tienen contrato con Suicidas y este disco podría afianzar definitivamente al sello, por otra parte DRO pretende intídducirse en el rock vasco y tras varios tiras y aflojas, Servando Carvallar de DRO ofrece una jugosa oferta: 200.000 pelas para que Suicidas renuncien al contrato y 100.000 al grupo por el master. Con el salón de actos abarrotado de incondicionales los Eskorbuto se entregan durante una hora y 15 minutos hasta quedar extenuados y no poder salir a hacer un bis y dan a luz Impuesto Revolucionario doble LP que se plastifico tal cual sin retocár nada, con una portada de lo mas expresiva; una caricatura de los tres realizada por Niko MCD. Acaba así un año de lo más fructífero con 3 trabajos en la calle.

Incansables preparan ya otra obra más ambiciosa y novedosa, nadie se explica la capacidad de crear temas que tiene esta gente. Ya en el 87 sorprenden con otro doble disco editado por Suicidas llamado Los demenciales chicos accelerados. 20 temas que forman parte de una misma historia, una opera punk-rock o 'Zarzuela Rock' como ellos mismos decían. Con un ritmo más pausado, menos rápido pero más caótico y lleno de rabia contenida. En este disco introducen por primera vez teclados, muy buenos temas de guerra, de muerte, de autodestrucción de poder, de dinero.. Los Eskorbuto dando otra vuelta de tuerca más.


El principio del fin

En 1988 pasan de discográficas y ellos mismos deciden producir, editar y distribuir su próximo disco bajo el nombre BUTOESKOR. El resultado es Las mas macabras de las vidas, toda una declaración de principios. Desde la portada hasta las letras el tema de la muerte esta muy presente, es un disco lleno de ira, desesperanza, desilusión y muy mala leche. Su filosofía Anti-todo florece de manera sangrante.

A partir de este momento comienza la etapa mas oscura y triste de la banda, la heroína va haciendo mella en Iosu y Jualma, cada vez ensayan menos, cada vez los llaman menos para tocar, la desgana y la fatiga se hace con ellos. En 1991 se marchan a México donde dan dos conciertos entre multitudes, más de 8000 personas entre los dos días. Justo antes de partir Iosu es hospitalizado y es sustituido por lñaki Speed que se puso al día de los temas entre el avión y el hotel. Este mismo año cuando nadie daba un duro por ellos, la gente de Castellón MATRAKA DISKAK les ofrece grabar un nuevo disco y acallando voces y rumores sobre su disolución e incluso su muerte emergen con el disco Demasiados enemigos, una maravilla de disco que vuelve a ponerlos en su sitio. Se les nota cansados y agotados pero siguen emocionando con temas como 'Siempre estoy en la luna' y con temas rabiosos como en los viejos tiempos 'No quiero cambiar'. Para terminar el disco se despiden con la canción La mejor banda del mundo todo un testamento premonitorio de su muerte.

A los pocos meses de salir a la calle este disco (mayo del 92) fallece Iosu, guitarrista y alma indiscutible de Eskorbuto. Paco y Jualma deciden seguir y trabajan en un nuevo disco, pero el destino no quiere que dos personajes tan unidos por el amor y el odio sigan separados y 5 meses después (octubre del 92) muere Juanma. Siempre estuvieron juntos y ya siempre lo estarán, y quizas más allá del cementerio estén buscando un bateria para formar una banda.

Paco con el trabajo que tenia preparado con Jualma decide plasmarlo en un disco con el inevitable titulo Aki no keda ni Diós, plagado de recuerdos y añoranzas por los amigos perdidos.

11-BURNING:

En el año 74, con los últimos coletazos del régimen, cuando el barrio madrileño de la Elipa era más barrio de lo que nunca ha sido, entre los discos de estraperlo de los Rolling Stones y Deep Purple, aparece uno de los grupos que lucen con todas las de la ley (no de entonces) la etiqueta de leyenda viva, Burning.

Quique, Pepe Risi, Toño y Johnny Cifuentes, empiezan a combinar las tascas, el local de ensayo y las salas de conciertos, sin más pretensiones que las inherentes a llevar una guitarra al hombro y tener un nutrido grupo de fans con falda debajo del escenario, entre otros sitios. El proyecto se bautiza como Burning (el día de la elección hacía mucho calor)

Tras editar sus dos singles debut en ingles I´m burning y Like a Shot (1974 y 1975), el grupo soporta como puede la censura de su primer larga duración Solo para mujeres, sus conflictivas actuaciones, la ida y vuelta de Risi cumpliendo el servicio militar y de distintos baterías que no se ajustan a una forma de entender la música por parte de los miembros residentes. Poco dinero y mucho amor por el rock. Sin embargo, Burning salen de esa turbulenta etapa para volver a reinventarse y entrar en otra no menos turbulenta que, al menos, es una de las más fértiles del grupo discográficamente hablando. Madrid, El fin de la década y Bulevar se publican entre los años 78 y 80. Los tres discos se mueven entre el rock stoniano, las influencias del rock sinfónico y la movida madrileña sin perder en ningún momento un sello especial que Burning ya estampará en cada uno de sus futuros trabajos en estudio o en escenario. De aquellos años quedan grandes temas, pero sobre todo uno que les abrió muchas puertas gracias a la película de Fernando Colomo, donde además eran protagonistas junto a Carmen Maura, Que hace una chica como tú en un sitio como este.

A partir de este momento, con un estado previo de germinación, comienza la historia negra de los Burning. Sacudidos por una sensibilidad especial, por una actitud rabiosamente rockera, por un entorno más que peligroso y en una época que nadie supo donde acababa y donde comenzaba, las drogas, los problemas personales y cierta tirantez entre los miembros del grupo. Todo desemboca y degenera en la marcha definitiva de Toño a Bilbao después de la grabación de Atrapado en el amor en el 82, cinco años después, en 1.987, muere sumergido de nuevo en una vorágine de drogas y autodestrucción. Burning comienza a forjar su leyenda.

Para bien o para mal, el grupo siempre ha sido paradigma de la historia del rock n’roll, salpicada de momentos tan sublimes como costosos a nivel humano. Noches de rock´n roll marca el comienzo de una nueva etapa donde Risi y Johnny continúan con la actividad del grupo sacando a la luz inmensos trabajos que poco a poco van convirtiéndose en obras de culto, mientras uno y otro se apoyan mutuamente en el escenario y fuera de él, llevando, nunca mejor dicho, la voz cantante. Ya por entonces el grupo, la industria, la crítica y los propios seguidores de Burning han entendido que discurren por una vía distinta al resto. Sus admiradores, en tinta escrita o a viva voz, sus compañeros músicos, son conscientes que Burning camina por esa vía estrecha plagada de viejas y conocidas estaciones, ajenos a los vaivenes de la industria, a las modas. Editan Hazme gritar, Cuchillo y Regalos para mamá. Recién entrados en los noventa graban En directo rodeados de amigos como Joaquin Sabina, Miguel Rios o Loquillo. Parecía que la suerte les sonreía con ese doble álbum (disco de oro) mientras ellos se sumergían en conciertos multitudinarios en campos de futbol y plazas de toros. Luego vendría la calma con No mires atrás en el 93. Sin embargo, la incertidumbre vuelve a posarse sobre el grupo años después, cuando una neumonía acaba con el castigado cuerpo de Pepe Risi, el un nueve de mayo de 1997, el mismo día y mes (distinto año) en el que había fallecido Toño. La pérdida de uno de los personajes más emblemáticos de la escena musical española vaticina la muerte de Burning según algunos que desconocen una de las principales cualidades de Burning, su empeño en mirar hacia delante conscientes que la nostalgia ya es un elemento imprescindible –y con eso basta- de sus composiciones.

A partir de entonces, comienza ese periodo de incertidumbre que engloba el multitudinario homenaje a Pepe Risi, cargado de cómplices guiños y homenaje a la trayectoria de un grupo que se sigue sosteniendo en el tercer vértice de la leyenda, Johnny Cifuentes. Una noche sin tí vuelve a contar con amigos de siempre y roqueros emergentes. Poco después vería la luz Sin miedo a perder (1.998), un disco que Pepe había dejado grabado antes de irse.

Con sus trastos y Johnny a la cabeza, Pinilla, Carlos y Kacho se sumergen en el estudio de Jaime Asúa donde graban Altura, que saldría con un poco de retraso en el 2.002. También participan en el disco Un camino de piedras, tributo a Barricada haciendo una versión de Pídemelo otra vez.

Burning llevan treinta años en el candelero. Han sobrevivido a sus tragedias personales y los cambios propios de la música. Sin quererlo, colocaron las primeras piedras de la trágica leyenda nacional del rock y escribieron los primeros himnos de la misma.

La música de Burning es canallesca, castiza, chulesca y nostálgica. Sus temas nos transportan a las novias que nunca conocimos, las barras que nunca soportaron nuestras penas y los cigarros que dejamos de fumar. Su música es para perdedores, para solitarios, para los amantes del olvido, de historias inconclusas, de ayeres y de ya te lo dije. Su verbo fácil, su mirada turbia y el olor a humo son, para cualquier alma sensible, un déja-vu. Ejercicios de nostalgia que rememoran una escena no vivida sino por vivir.

Ya en el 2.004 se encuentran inmersos en su gira treinta aniversario, a la vez que preparan un disco en versión acústica (con sus mejores temas). Por su parte, la SGAE sacará un libro con la biografía del grupo escrita por Kike Babas & Kike Turrón.

Repetido ;)

Todo comenzó en Londres, donde tres amigos compartían piso. Se trataba de los hermanos Mark y David Knopfler, junto a John Illsley. Mark trabajaba como maestro de escuela, David era asistente social y John trabajaba en una tienda de discos. Su situación económica no les permitía demasiadas alegrías

A ellos se solía unir su amigo Pick Whiters, quien era el único que estaba introducido en el mundo de la música. Poseía experiencia como músico, tras haber participado en algunos grupos.

En 1977 Pick y Mark deciden crear un grupo. Pick sugiere el nombre: 'Dire Straits', algo así como 'situación límite'.

Juntos, los cuatro componentes del grupo consiguen reunir el dinero para grabar una maqueta. En ella, cuatro temas: 'Wild West End', 'Water Of Love', 'Sacred Loving' y 'Sultans Of Swing'.

Cuando un conocido disc-jockey de una emisora de radio en Londres pinchó la maqueta en su emisora, la reacción de la audiencia fue muy favorable, lo que oblogó al pinchadiscos a seguir emitiendo la música de los Knopfler y compañía.

Entre los oyentes de la emisora se encontraba un conocido mánager de Fonogram, a la búsqueda de nuevos talentos, quien no cesa hasta que consigue que dos Dire firmen un contrato con su compañía. El mismo representante de Fonogram les presenta a una representante para sus conciertos.

Los Dire Straits actúan como teloneros del grupo norteamericano 'Talking Heads', en su gira por Gran Bretaña, lo que les permite coger experiencia y darse a conocer. Entre todas las notas del grupo destacan las de la guitarra de Mark Knopfler, quien nos obsequia con sonidos extraordinarios entre el blues yel rock.

En marzo de 1978 publican su primer álbum, 'Dire Straits'. Poco después comienzan a hacer conciertos en solitario, incluso fuera del Reino Unido. Por desgracia, las ventas del disco no son demasiado elevadas.

Un año después graban 'Communiqué', su segundo álbum y el menos vendido del grupo. Para compensar, sacan 'Making Movies', una vuelta al rock clásico, con temas más fuertes.

Con 'Lover Over Gold' dan un nuevo giro a su estilo, más al aire que a Mark le gusta seguir. Un disco con sonidos casi orquestales, aunque sobre la base del rock.

En 1984 sale a la luz 'Alchemy', una selección de diez canciones recogidas de los conciertos en directo del grupo en la gira del año anterior.

A finales de 1984 se encierran para preparar su nuevo disco. La grabación de este nuevo álbum les llevará varios meses y con ellos colaborar artistas de la talla de Sting. El nuevo álbum se titula 'Brothers In Arms' y será su disco más vendido en todo el mundo, con canciones como 'So Far Away', 'Money For Nothing', 'Walk Of Life', etc.

La gira del disco 'Brothers In Arms' supuso repetir el éxite cosechado por el disco. Duró dos años y ofrecieron 250 conciertos en todo el mundo.

Lo siguiente fue una recopilación de sus mejores canciones y 'Money For Nothing' fue el título escogido.

En 1991 publicaron 'On Every Street', que no cubrió las espectativas generadas por los anteriores títulos y que ha sido, hasta la fecha, el último de los Dire Straits. Aunque no han anunciado definitivamente su separación, la verdad es que realizan trabajos independientes. Por ejemplo, Mark Knopfler ha editado varios discos en compañía de su guitarra, varios de ellos como bandas sonoras para películas.

Saludos desde el sur

Efebo

13-IRON MAIDEN:

La historia comienza cuando a joven edad, 15 años para ser exactos, Steve Harris (bajista y lider de la banda) le surgen grandes deseos de tocar y formar parte de una banda. Asi es que comienza a tomar un curso de Bajo. En 1973 es aceptado por una banda llamada Gysie's Kiss, rapidamente dejo de tocar en esta banda debido a un llamado de otra banda con mas "calibre", dicha banda tenia por nombre "SMILER", pero harris tenia un pequeño problema... era mucho mas joven que el resto de la banda. Lo que lo obligo a dejar nuevamente otra banda.

La unica manera de no estar siendo rechazado por mas bandas donde harris no encajaba era la de formar su propia banda, y asi es cuando en 1976 inspirado por cierta pelicula Harris tiene la grandiosa idea de crear "Iron Maiden" que.. a la postre so convertiria en la mas improtante banda de Heavy Metal de Todos los tiempos.

Asi es Harris tomo el nombre de la pelicula "The Man On The Iron Mask"(El hombre de la mascara de Hierro) en su versión original. En esta pelicula se muestra un instrumento de tortura llamado precisamente Iron Maiden (o doncella de hierro en español) donde las victimas eran colocadas dentro de un sarcofago que contenia picos en el interor del mismo y en la parte interna de la puerta.

Ahora, los primeros integrantes de la doncella fueron: Paul Day, Dave Sullivan, Terry Rance, Ron Mathews y Steve Harris, (Nada que ver con la actual doncella) con esta alinecion aseguraron la recidenca en el bar "The Cart and Horses" en Stratford en el East End de Londres. La primera alineacion sufrio grandes cambios, entre los primeros movimientos Paul Day fue reemplazado por Dennis Wilcock de Smiler, quien recomendó a un joven y talentoso guitarrista de nombre: Dave Murray; la entrada de Dave provocó la salida de Terry Rance y Paul Sullivan guitarristas de la banda en aquel entonces, y Bob Sawyer también nombrado Bob D'Angelo junto con Ron Rebel fueron llamados por la banda para ser el segundo guitarrista y el baterista respectivamente, con esta alineación Maiden comenzó a tener shows por todo el este de Londres, pasaron seis meses y Maiden sufrió nuevos cambios, Bob Sawyer abandonaba la banda por causas de Dave, y después en una presentación en "The Bridgehouse" Dennis Wilcock despidió a Dave. Todo este lío de guitarras era con la idea de tener dos guitarras gemelas o ``Twin Guitars´´, la banda abandono por un tiempo esta idea y Terry Wapram fue llamado como guitarra,solista y Tony Moore como tecladista. Ron Rebel abandonó la banda y fue reemplazado por Barry Purkis o "Thunderstick". La banda con esta formación toco nuevamente en The Bridgehouse y comprobó que lo de los teclados no iba con su estilo, lógicamente Tony Moore (tecladista) abandonó la banda quien se "jaló" a Terry Wapram quien dijo que el "¡No podia tocar sin los teclados!". Así que Harris para conseguir a un guitarrista, asistió a una tocada de Urchin para persuadir a Dave Murray de que regresara con Maiden. Después Dennis abandonó la banda junto con Thunderstick, y Doug Sampsom ex-baterista de Smiler fue llamado por Harris y un compañero de Harris recomendo a Paul Di'Anno, quien pasó la prueba.

Caramba! despues de todo este relajo la alineación segun entiendo quedo de la siguiente forma: Paul Di'Anno como Vocalista, Dave Murray como guitarrista, Doug Sampson como baterista y Steve Harris como bajista.

En 1978, la situación mejoró, y Maiden tras 48 horas de intensa labor se preparaba para lanzar su primer demo, "Iron Maiden", "Strange World" y "Prowler" fueron grabados en los Spaceward Studios, cerca de Cambrigde el costo de la grabación era muy alto y la banda no pudo comprar la cinta original. Cuando regresaron a pagar las cintas ya habían sido borradas y solo quedaron algunas cintas de la sesión original sin mezclarse ni editarse así que Dave envío su copia a Neal Key, un disc-jockey de renombre como cultor y difusor del metal británico, el cual impresionado por el sonido atronador de la banda convenció a los dueños del Band Wagon Soundhouse para presentarlos en el local. La enorme repercusión obtenida por la banda en su debut le dio la posibilidad de obtener un contrato de actuación. En retribución, Iron Maiden bautizó el demo con el nombre de "The Soundhouse Tapes", tras lo cual fue prensado en forma independiente y distribuido en las disquerías de Londres.

La cinta llamó la atención de Roderick Charles Smallwood (Ex-miembro de MAM Agency) quien obtuvo la cinta por azares del destino: un compañero de rugby le pasó la cinta y después de checarla y escucharla, se ofreció a la banda como MANAGER.

Rod les consiguió tocadas a lo largo del país con el fin de obtener popularidad en territorio ingles antes de llegar a Londres, donde les consiguió varias tocadas para hacer que las compañías disqueras pusieran su atención en Maiden. El 13 de octubre, tuvieron una tocada en "THE MARQUEE". John Darnley vino de EMI Records para ver a Maiden. Rod le hizo una apuesta al manager de "The Marquee", en la cual el prometía vender todas las entradas (700 para ser exacto) para las 7p.m. Rod ganó la apuesta y al mes siguiente EMI firmó un contrato con Maiden. Maiden fué presentado en el periódico musical``SOUNDS´´.

En noviembre de 1979 la banda se presentó en los EMI's Manchester Square Studios para grabar "Sanctuary" y "Wrathchild" para la recopilación de metal titulada "Methal For Muthas" que saldria a la venta hasta febrero de 1980. También grabaron cuatro canciones para "The Friday Rock Show" de "Radio One". El guitarrista Tony Parsons llegó para ser la pareja de Murray en las liras y volver a ser un quinteto.
Para fines de 1979 había nuevos cambios en la alineación: Doug Sampson abandonaba la banda por cuestiones de salud y Parsons tuvo que ser reemplazado por su poca participación en el escenario, así que el baterista Clive Burr y el guitarrista Dennis Straton se integraron a la banda. El 8 febrero de 1980 la banda lanzo su primer sencillo: Runing Free, el cual rompió por completo la expectativas que tenia la compañía disquera quedando en el lugar no. 44 del chart britanico.

El 14 de abril de 1980 salió el primer álbum de la banda titulado "Iron Maiden". La banda comenzó después su gira por las islas británicas tocando en cuarenta fechas en menos de dos meses. También se presentaron en "The Marquee", incluyendo una racha de cuatro noches consecutivas de lleno total
Un año después, Dennis Stratton abandona el grupo y aparece uno de los mejores guitarristas de Maiden: Adrian Smith. Es ahí cuando aparece el segundo disco de Iron Maiden: "killers", el cual era una digna secuela de su primer disco, es cuando Iron Maiden por fin sale a una gira mundial. En ese momento todo aprecia indicar que Iron Maiden tenia ya un camino fácil hasta la cima, pero fue entonces cuando el vocalista Paul Di' Anno, al darse cuanta de que Maiden iba rumbo a la cima, comienza a tomar actitudes que lo harían salir de Iron Maiden, pues descuidaba mucho su voz y se metía en muchos problemas a los demás integrantes.

Todo parecía indicar que la salida de Paul Di'Anno iba a dejar a la banda sin fuerza, pero fue cuando de camino a la perdición aperece un hombre que mas que mantener a Iron Maiden donde había llegado, lo lanzo a la cima donde permaneció ahí por mucho tiempo: Bruce Dickinson de los ingleses ``Samson´´ con una voz diferente a la de Di'Anno alcanzótonos que darían a Maiden la fuerza que la banda necesitaba, entonces la banda se prepara para lanzar su tercer álbum: "The Number Of The Beast", este llegaría al número 1 de las listas de U.K.

En contraste y debido al nombre y la portada del álbum, la gente comenzó a tomar a Maiden como una banda Satánica y para acabarla Clive Burr considerado entonces como uno de los tres mejores bateristas del mundo, dejaba el grupo por cuestiones personales. Fue entonces cuando Maiden localizo a un baterista con la talla de Clive Burr, Nicko Mc Brain.

Ya con esta alineación en 1983 Iron Maiden se prepara para lanzar su tercer álbum: "Piece Of Mind", ya con un nuevo Eddie sellado del cráneo y encadenado a unas paredes, con una camisa de fuerza.

En 1984 Iron Maiden lanza otro que también es considerado uno de los mejores: "Powerslave" que llevaría a Iron Maiden a una de las giras mas largas que la banda ha hecho la "World Slavely Tour", donde graba su primer disco en vivo: Live After Death.

Para 1986 otro nuevo álbum se preparaba, "Somewhere In Time" grabado en Nassau y Munich, salió a la venta en septiembre. Este estuvo como No. 3. en las listas inglesas y dio a la banda un disco de oro o platino en la mayoría de los territorios.

El nuevo álbum mostraba muchos cambios en el estilo de la banda con el uso de sintetizadores como fondo en varias canciones. A varios fans no les gusto este cambio, pero al final decidieron aceptar que el proyecto de Maiden funcionó. Con una de las mejores portadas que ha tenido un disco de Heavy Metal, en donde Eddie es ahora un cyborg que sostiene un arma en una ciudad muy futurista, y es en este disco donde Adrian Smith se destaca por la composición de varios temas como: Wasted Years, que es uno de los clásicos de Maiden, Sea Of Madness y Stranger In A Strange Land.

Para promover el álbum la banda hizo a una gira llamada "Somewhere On Tour". La gira comenzó visitando la Cortina de Hierro, comenzando en Belgrado y terminando ocho meses después en Osaka,Japón. Los escenarios utilizados fueron realmente espectaculares, donde los miembros de la banda eran elevados por los aires mientras la cabeza y las garras inflables de Eddie aparecían. La banda fue filmada y entrevistada para un vídeo documental que salió en 1987 con el nombre de "Twelve Wasted Years", una crónica en vídeo de como Maiden llegó a la fama, llena de material nunca antes visto y entrevistas con personas involucradas en el éxito de Iron Maiden. Con una gira totalmente completada había llegado el momento de preparar el nuevo álbum.

2 años después sacan un nuevo álbum: "Seventh Son Of A Seventh Son", que es considerado por muchos el mejor donde Maiden continua usando los teclados. Este disco fue el primer disco conceptual de Iron Maiden, pues narra a través de las canciones, la leyenda de el séptimo hijo del séptimo hijo, el cual combatirá al mal.

Nuevamente cuando Maiden se encontraba en la cúspide, el guitarrista Adrian Smith decide que ya no le satisface tocar con Maiden, y simplemente deja de tocar en la banda. Bruce Dickinson propone un guitarrista que le ayudo como solista, y que además trabajo con Paul Di'anno, Janick Gers, que es tan buen guitarrista como Adrian, además también componía, pero... algo le faltaba, tal vez nadie sabe que... pero algo no lo hacia ser tan bueno como Adrian Smith. La salida de este causo mas estragos de lo que se esperaba, pues entonces es cuando Maiden, además de abandonar los teclados, cae en un bache de su carrera. Esta vez ni Dickinson pudo rescatarlos, su voz decayó mucho, parecía como si con Adrian se le hubiera ido su voz,
aunque todavía sonaba bien, Pero aun así, Maiden no pudo ocultar los problemas que había dentro, los cuales se ven reflejados en su disco "No prayer for the dying" considerado por algunos como el peor disco de Maiden.

Dos años después, Iron Maiden lanza otro disco que llegaría al numero uno otra vez, "Fear Of The Dark", Dickinson había grabado su ultimo disco como vocalista de Iron Maiden debido a que su voz ya no sonaba tan bien y estaba casi desecha. Después de eso, mientras se buscaba un nuevo vocalista , salieron tres discos en vivo (A real live one, A real dead one y Live at Donington), con lo mejor de su carrera. Nadie podía imaginarse Iron Maiden sin Bruce Dickinson. A finales de 1993, Iron Maiden anunciaba el nombre de su nuevo vocalista, el elegido era Blaze Bayley el vocalista de una banda llamada Wolfsbane, además Maiden anunciaba la grabación de un nuevo disco.

Este disco fue atrasado debido a un accidente que Bayley tuvo en motocicleta. Así que fue hasta 1995 cuando el décimo disco de Iron Maiden apareció: "The X factor", el cual demostraba que Iron Maiden si podía existir sin Dickinson.

Bayley demostró que no venia a hacer sombra de nadie y aunque su voz no se adaptaba muy bien a muchas canciones de Maiden, fue un digno sustituto de Dickinson aunque solo por muy poco tiempo.

La Salida de Blaze Bayley se produjo coincidiendo con la gira Sudamérica que Iron Maiden Realizo a finales de 1998, en donde se cancelaron algunos conciertos en circunstancias en la cuales las actuaciones de Blaze Bayley resultaron lamentables.

Con el comienzo del nuevo milenio Bruce Dickinson y Adrian Smith vuelven a formar parte de la banda y editan “Brave New World” con una sexteto de lujo, en el que destaca su más carismático vocal y tres guitarristas de élite.

14-LED ZEPPELIN:

Led Zeppelin nace de la estela dejada por The Yardbirds, el legendario grupo en el que lideró Eric Clapton. En los últimos tiempos de los Yardbirs, figuraba el guitarrista Jimmy Page, quien anteriormente había hecho colaboraciones en bandas de la talla de los Rollinsg Stones, The Who, Them, etc. Cuando The Yardbirds se separaron en 1967, Jimmy Page funda junto al bajista Chris Dreja los que en principio se llamaron The New Yardbirds. El hecho de llamarse así se debe a que Jimmy y Chris se ven en la obligación legal de cubrir los conciertos que los Yardbirds tenía contratados antes de la separación. Por consejo de Terry Reid, Page escucha una audición de un joven cantante llamado Robert Plant. De inmediato, Plant es aceptado en la banda. Por aquella época época Dreja abandona el grupo y es sustituído por John Paul Jones como bajista. El puesto de batería lo ocuparía, después de varios tanteos, John Bonham.

Después de algunos conciertos, Led Zeppelin graba en octubre de 1968 el que sería su primer álbum, en apenas 30 horas de estudio. A finales de ese mismo año, firman un contrato por la discográfica Atlantic Records y comienzan una gira por los Estados Unidos.

En Enero de 1969 se publica el primer disco de Led Zeppelin, que muy pronto se coloca destacado en las listas de ventas con su estilo de rock heavy. Entre gira y gira, los Led Zeppelin graban su segundo álbum. titulado "II", con el que se aupan al número uno de las listas.

En octubre de 1970, Led Zeppelin publica su tercer trabajo, tiulado "III". Pero la consagración definitiva del grupo llegará en su cuarto trabajo, conocido como "IV", de 1971. Se trata del disco más vendido de Led Zeppelin e incluye canciones como "Stairway to Heaven", "Rock and Roll" y "When the Levee Breaks".

En 1973 Led Zeppelin publica un nuevo álbum, titulado "Houses of the Holy". Se trata de un disco en el que mezclan sonidos reggae con funk y con su propi estilo heavy. Este disco consigue directamente el número uno en Estados Unidos y en Gran Bretaña.

En 1974 Led Zeppelin crea su propio sello discográfico, con el que a partir de entonces publican sus propios trabajos. El primer trabajo de esta época es "Physical Graffiti", de 1975, un doble álbum que es considerado por sus fans como uno de los mejores de la banda. A este disco siguió una gira mundial que se vio truncada en agosto de 1975 por un accidente de Robert Plant.

En 1976 aparece "Presence", un notable trabajo de Led Zeppelin que, a pesar de ello, no obtiene el éxito de trabajos anteriores.

En 1979, tras un año de descanso, Led Zeppelin publica el que sería su último trabajo de estudio, titulado "In Through The Out Door". La tragedia golpea al grupo cuando en 1980 John Bonham es encontrado muerto en la casa de Jimmy Page tras una fiesta. El 4 de Diciembre de ese mismo año el resto de miembros de Led Zeppelin hacen pública su disolución. En 1982 aparece el que se podría denominar como álbum pçostumo de Led Zeppelin, titulado "Coda", con algunas grabaciones inéditas del grupo.

En 1988 los miembros de Led Zeppelin se reúnen en un concierto conmemorativo de los 25 años de Atlantic Records. Este hecho dispara los rumores de reaparición de la banda, pero dichos rumores nunca llegaron a fundamentarse.

15-BARRICADA:

Barricada se forma en el año 1982 en el barrio de la Txantrea, en los alrededores de Pamplona.

Los componentes del grupo, no han variado desde su segundo álbum "Barrio Conflictivo". Enrique Villareal (El Drogas) bajista y vocalista, Javier Hernandez (Boni) guitarra y vocalista, Alfredo Piedrafita guitarra y coros y Fernando Coronado batería y coros, los cuatro son los autores de las más de 100 canciones publicadas en 15 potentes trabajos realizados a lo largo de su ya dilatada carrera. Éxitos en la historia del rock&roll estatal tan conocidas como "En blanco y negro", "Contra la pared", "No hay tregua", "Ocupación"...

En el año 1983, un año después de su formación, el grupo hace su primer concierto oficial en Pamplona, teniendo un impresionante éxito que les lleva a firmar su primer contrato discográfico con una compañía independiente y con ella graban sus dos primeros LP’s: "Noche de rock&roll" con Mikel Astrain y Sergio Osés, y "Barrio conflictivo" ya con la actual formación. Tras el éxito entre el público de estos dos primeros trabajos aparecen ofertas por parte de compañías multinacionales, con una de las cuales, firman contrato y graban su tercer LP: "No hay tregua". Ante la intención por parte de la compañía de censurar varias de sus canciones, ambas partes rompen el contrato y pasan a firmar con Polygram Ibérica, a la cual se vinculan hasta 1997. Con Polygram editan los siguientes trabajos: "No sé que hacer contigo", "Rojo", "Pasión por el ruido", "Barricada" (doble directo), "Por Instinto", "Balas Blancas", "La Araña", "Los singles", "Insolencia" y "Salud y Rocanrol". También los trabajos en solitario de El drogas "Txarrena" y Boni "Peligroso animal de compañía".

En el año 1997 Barricada pone a la venta "Salud y Rocanrol" segundo disco directo del grupo grabado en la plaza de toros de Pamplona en el mes de Septiembre, con el cual termina su contrato con la compañía discográfica Polygram Ibérica.

Durante el parón del grupo de dos años, aparecen tres nuevos trabajos en solitario de tres de sus miembros: El drogas con "La Venganza de la Abuela", Fernando con "doblefilo" y Alfredo con "In Vitro".

En el 2.000, el grupo firmó contrato con la compañía independiente DRO y sale al mercado "Acción Directa". Más tarde "Bésame... ", publicado en Marzo de 2002, es una vuelta al más puro rock&roll de Barricada del cual llevan vendidas más de 30.000 copias. Y ha llevado a Barricada por todos los pueblos y ciudades del estado en una interminable gira.

Tras grabar "Bésame" Fernando Coronado abandona el grupo y es sustituido por Ibi, conocido de la banda que había trabajado con Alfredo en "In Vitro". Ibi trae aires nuevos y mucha caña en los directos. Parece que los astros se están cuadrando al paso de estos "nuevos" Barricada.

En el año 2.003 varios grupos del estado se unen para rendir homenaje a Barricada en "Un camino de piedras", un disco que reune 13 versiones del grupo.

Y en 2.004 editan su último disco hasta la fecha, Hombre mate hombre, con el que empiezan una gira de la que todavía puedes disfrutar, date una vuelta por la sección "Conciertos".

16-DEEP PURPLE:

Los inicios de esta mítica banda de rock duro son cuanto menos pintorescos. A finales de los sesenta, dos hombres de negocios ingleses invierten parte de sus ahorros en un nuevo grupo de rock. Le encomiendan tal tarea al teclista Jon Lord que funda Roundabout. Lo integran el guitarrista Richie Blackmore, el batería Ian Paice, el bajista Nicky Simper y Rod Evans como cantante. Su primer single, "Hush" consigue estar entre los diez más vendidos en norteamérica. En cuestión de meses publican su primer larga duración, "Shades of Deep Purple", también de 1968. Un año después se confirman con su segundo disco, "The Book of Taliesyn" y con temas como "Kentucky Woman". Ese mismo año su formación sufre sus primeros cambios al sustituir a Simpler y Evans por Roger Glover e Ian Gillan.

Para poner de largo al nuevo grupo, organizan unos conciertos en el londinense Royal Albert Hall en los que suman fuerzas con la Royal Philharmonic Orchestra. El resultado de aquellos días es recogido en "Concerto For Group and Orchestra", el disco que les descubre al mercado europeo. Después viene su época de apogeo. Primero con el album "In Rock" que contiene su conocido tema "Black Night" y despues con sus discos "Fireball", "Machine Head" -el que tiene su celebre "Smoke On The Water", "Purple Passages" y "Who Do We Think We Are".

En 1973 dejan el grupo Gillan y Glover que son sustituidos por bajista Glenn Hughes y David Coverdale, un cantante con una voz muy similar a la de su antecesor. "Burn" es el primer disco de los nuevos Deep Purple y nadie nota el cambio de vocalista. Continúan girando y sacando discos sin mermar su respuesta. La gran crisis sucede en 1975 cuando Blackmore les abandona para formar Rainbow. Le reemplaza Tommy Bolin pero tras una gira en el verano de 1976 la banda decide disolverse. Bolin moriría poco después de una sobredosis. Empiezan la década cada uno por su lado, pero a raiz del auge del Heavy Metal se reunen de nuevo Blackmore, Gillan, Glover, Lord y Paice. Su vuelta se produce con "Perfect Strangers" al que le siguió en 1987 "The House Of The Blue Light". Sus siguientes discos, ya en los noventa, decepcionaron. Blackmore volvió a resucitar a Rainbow y Deep Purple siguió dando tumbos hasta nuestros días, centrando su atractivo en sus conciertos.

ELO

The Electric Light Orchestra, conocida también como ELO, se formó oficialmente en la primavera de 1970, aunque sus primeros pasos se dieron en 1971, tras la disolución del grupo 'The Move'. Tres de sus músicos, Roy Wood, Jeff Lynne y Bev Bevan decidieron entonces formar otra banda, la ELO. El punto de origen fue Birmingham, en Inglaterra.

Electric Light Orchestra A finales de ese mismo año, 1971, grabaron su primer álbum, titulado en el Reino Unido como 'Electric Light Orchestra' y en Estados Unidos como 'No Answer'. Para este disco, aparte de los antes mencionados, la banda contaba con Bill Hunt y Steve Woolam.

El estilo del grupo es una mezcla de música clásica con el rock más moderno, resultando una mezcla de lo más interesante que ha dado en llamarse rock sinfónico. El sonido de los violines se mezcla con las guitarras y las baterías para crear una atmósfera electrizante.

Poco después de publicar el primer álbum, Roy Wood abandona el grupo por discrepancias con Jeff Lynne acerca del rumbo que debía tomar el grupo, por lo que rerencaminó su carrera por otro lado. Además, se añadieron Mike D'Albuquerque, Mike Edwards Colin Walker y Richard Tandy, quien se haría cargo del piano y los teclados. Jeff quedaba como líder sólido del grupo y poco después comenzó a asumir las tareas de productor.

Electric Light Orchestra: ELO II En 1973 publican su segundo álbum, 'ELO II', siguiendo en su línea de rock sinfónico en la que incluye su tema 'Roll Over Beethoven', uno de sus mayores logros.

Electric Light Orchestra: On the third day También en 1973 publican 'On The Third Day', considerado uno de los mejores de la banda. La crítica estaba entusiasmada con la música de la banda, ya que obtenían unos sonidos muy especiales, incluyendo un magnífico solo de guitarra en el tema 'Bluebird is Dead'. Además, realizan una gira por USA y el Reino Unido. Un año después, sale 'Eldorado', tras un trabajo que realizaron con Louis Clark. 'A New World Record', 'Face the Music' (1975) y 'Out of the Blue' (1977) fueron otros de los discos de esta época dorada de la ELO. Por encima de todo destaca el talento creativo de Jeff, junto a las buenas manos que tuvo como productor para hacerse con un magnífico conjunto de músico que tocaban a su ritmo.

Electric Light Orchestra: Discovery En 1979 publican 'Discovery' y en 1980 crearon cinco de los temas de la banda sonora de la película 'Xanadú', incluído el tema principal.

En 1981 sale 'Time' y un año después, 'Secret Messages'. Tras un descanso, reaparecen en 1986 con el álbum titulado 'Balance of Power'.

Electric Light Orchestra: Zoom A lo largo de su historia, la ELO ha sufrido continuos cambios en su formación, rotando un gran número de músicos, siempre bajo la estrella de Jeff Lynne, el líder del grupo. Este decidió disolver el grupo en 1986, aunque algunos de los músicos de la primera época han realizado algunos trabajos en común bajo el nombre 'The Electric Light Orchestra Part II'.

Saludos

biografia grios de rock
 

Elo

por qué este hilo no tiene chincheta y todo lo que tiene que ver con dj's y tecno si?
el rock discriminado como siempre.

repe

me repito, pero todas las chinchetas desta seccion son de tecno y djs, a la mierda el rock!

Biografia del grupo REM

En 1979 Michael Stipe, un estudiante de arte recién llegado a la ciudad de Athens, Georgia., y Peter Buck, un empleado de un local de música, se encuentran y se convierten en compañeros de habitación. En una fiesta, conocen a Mike Mills y Bill Berry, quienes ya eran amigos, y los cuatro deciden crear una banda. El 5 de abril de 1980, la banda realiza su primer show en el cumpleaños de un amigo en una iglesia abandonada donde Stipe and Buck habían estado viviendo. Comienzan a tocar en bares del sudeste americano y en fiestas universitarias.

R.E.M. lanza su primer disco en 1981, un single con las canciones "Radio Free Europe" y "Sitting Still", con el sello independiente Hibtone. Luego firman un contrato con el sello I.R.S. y lanzan el disco "Chronic Town", que recibe una excelente aceptación entre las radios universitarias.

La banda saca su primer álbum, "Murmur" (1983), que gana el premio Album of the Year 1983 de la revista Rolling Stone, ganándole a "War", de U2, y “Thriller", de Michael Jackson, el disco más vendido en la historia. Por primera vez, R.E.M. toca fuera de EE.UU.

"Reckoning" fue grabado solo en once días durante 1984. En 1985 se lanza el álbum "Fables Of The Reconstruction", el mayor suceso de R.E.M. La banda, sin embargo, casi llega a su fin, debido a divergencias internas en torno al tipo de sonido del álbum.

El primer disco de oro de la banda llega en 1986 con "Lifes Rich Pageant". La canción "Fall On Me" es la primera en alcanzar el American Top 10. Un año después, "Document" es lanzado, con sus canciones ruidosas y políticamente correctas. "The One I Love" figura entre los Top 5 y es la música que lleva a la banda al estrellato y a "Document" al Top 10 y al disco de platino. I.R.S. lanza una colección de caras B, llamada "Dead Letter Office".

Durante 1988, la revista Rolling Stone elige a R.E.M. como la mejor banda de EE.UU. Firman un contrato con la gigante Warner Bros. Y lanzan su sexto trabajo, "Green". La banda comienza su gira más grande y exitosa, la Green World Tour, que dura once meses y conduce a sus miembros a la extenuación. Tras tres años sin lanzar un disco, la banda graba "Out Of Time" (1991), el álbum más vendido de todos los tiempos. Los hits "Losing My Religion" y "Shiny Happy People" ayudan a que el álbum gane tres premios Grammy y seis MTV Video Music Awards.

1992: La crítica duda de R.E.M., pero la banda lanza "Automatic For The People", considerado por los fans y la crítica el mejor disco de los de Athens. Durante 1994, la banda decide grabar nuevamente un álbum lleno de potentes guitarras guitarras. Este tipo de álbum no es grabado por la banda desde "Green". "Monster" es lanzado y la banda comienza el Monster World Tour, el primero en más de cinco años, donde Stipe sufre una hernia, Mills debe pasar por una cirugía por problemas estomacales y Berry estuvo cerca de la muerte debido a un neurisma en el cerebro.

R.E.M. renueva su contrato en 1996 con la Warner Bros. por 80 millones de dólares, el contrato más grande en la historia de la industria discográfica. Lanzan su primer disco no grabado enteramente en estudio. "New Adventures In Hi-Fi" contiene, mayormente, canciones inéditas grabadas en directo o durante las pruebas de sonido del Monster World Tour.

El 30 de octubre 1997, el baterista, Bill Berry anuncia que, amistosamente, deja la banda. Dice que sólo quiere vivir en su granja, cerca de Athens y pasar más tiempo con su familia. Los otros tres miembros de R.E.M, deciden continuar, sin reemplazar a Berry. Stipe dice que, "un perro con tres patas, sigue siendo un perro".

Se lanza el álbum "Up" durante 1998, el primer disco sin Berry y considerado el trabajo más deprimente de la banda. Al principio, R.E.M. decide no salir de gira, pero después de algunos shows, cambia de idea y realiza una gira por Europa y EE.UU. A pesar de que en un principio “Up” parecía un disco insípido, el público comienza a darse cuenta de que es realmente un álbum memorable y el disco comienza a subir en las listas de ventas.

Después de tres años de descanso, en 2001 R.E.M. decide lanzar un nuevo disco, “Reveal”, producido por Pat McCarthy. Como ocurrió con el disco “Automatic For The People” los de Athens confían en el video-clip para promocionar el álbum (recordemos que “Automatic...” fue el primer video-clip en la historia que demostró que un buen video es la manera idónea de promocionar a una banda). El video clip fue grabado por Garth Jennings, conocido por sus trabajos con Blur, Fatboy Slim y Pulp, entre otros. El videoclip del primer single "Imitation Of Life" comienza a emitirse con éxito en todas la televisiones mundiales.

Saludos

estoy de acuerdo con cantazo esto se merece chinchetazo al canto. VIVA EL ROCK.

Seguro que tarde o temprano la tendra :D :D

Saludos

ROLLING STONES:

Grupo de rock británico integrado por Mick Jagger (Dartford, Reino Unido, 1943), Brian Jones (Cheltenham, Reino Unido, 1944-Londres, 1969), Keith Richards (Dartford, Reino Unido, 1943), Bill Wyman (Londres, 1941) y Charlie Watts (Londres, 1941). Formado en 1962, a los Rolling Stones se les ha presentado siempre como los rivales históricos de The Beatles. Dentro de esta comparación, los Stones representaron la corriente más agresiva de la música rock, aun cuando alcanzaron el estrellato de mano de la canción I wanna be your man, compuesta por los beatles Lennon y McCartney. De hecho, hasta 1965 los Stones no empezaron a publicar sus propios temas, como (I can't get no) Satisfaction o Going to a gogo, habitualmente compuestas por el cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards, mucho más infuidos por el rhythm & blues que por el propio rock & roll que marcó al grupo de Liverpool. En 1969, Jones falleció durante el transcurso de una fiesta al caer en una piscina tras haber ingerido gran cantidad de alcohol; su lugar en el grupo fue ocupado en un principio por el guitarrista Mick Taylor. En 1976, Taylor abandonó la formación y fue reemplazado por Ron Wood. Los Rolling Stones destacan por ser un grupo de una extraordinaria longevidad, pues en 1964 iniciaron su primera gira de conciertos por Estados Unidos y todavía en 1997 llevaron a cabo una gira mundial de presentación del disco Bridges to Babylon. Este hecho, unido a su calidad musical, los ha convertido en verdaderos mitos de la música popular. Aparte de su faceta musical, Mick Jagger ha realizado dos películas como actor, Performance (1970), filme de estética psicodélica en el que el propio Jagger muestra el camaleónico estilo de su íntimo amigo David Bowie, y Freejack (1992). Junto al inmenso reconocimiento popular de que disfrutan a nivel mundial, los Stones recibieron en 1986 el Grammy por su carrera musical y en 1989 fueron incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame. En 1993, Keith Richards pasó a formar parte del Hall of Fame de compositores de canciones y en 1994 la cadena estadounidense MTV otorgó al grupo su premio en reconocimiento a su carrera artística. Además, el 10 de noviembre de 1994 los Rolling Stones se convirtieron en el primer grupo de rock & roll que retransmitieron un concierto en directo a través de Internet.

Discografia:
The Rolling Stones (1964)
12x5 (1964)
The Rolling Stones Now! (1965)
December´s Children (1965)
Big Hits High Tide And Green Grass (1966)
Aftermath (1966)
Got Live If You Want It (1966)
Between The Buttons (1967)
Flowers (1967)
Their Satanic Majesties Request (1967)
Beggars Banquet (1968)
Let It Bleed (1969)
Get Yer Ya Yas Out (1970)
Sticky Fingers (1971)
Hot Rocks (1974-1971) (1972)
Exile On Main Street (1972)
More Hot Rocks (1972)
Goats Head Soup (1973)
It´s Only Rock & Roll (1974)
Metamorphosis(1975)
Black & Blue (1976)
Some Girls (1978)
Emotional Rescue (1980)
Undercover (1983)
Dirty Work (1986)
Single Collection (1980)
Steel Wheels (1989)
Voodoo Lounge (1994)
Stripped (1995)
Bridges to Babylon (1997)
No Security (1998)

VAN HALEN:

Los hermanos Edward y Alex Van Halen nacieron en Holanda y después su familia se trasladó hacia Pasadena, California cuando ellos eran aun niños. Aunque ambos tomaban clases de piano clásico, fue la música pop la que les atraía más. Originalmente, Alex tocaba la guitarra y Eddie la batería. Pero mientras Eddie salía a comprar unas revistas, Alex practicaba con la batería y pronto excedió a las habilidades de su hermano. Al darse cuenta Eddie, decidió tocar el la guitarra. En sus años de preparatoria los dos tocaban en varias bandas locales, y conocieron luego a David Lee Roth quien cantaba en una banda local llamada "Red Ball Jets". Como a Eddie no le gustaba la idea de cantar, convenció a David para que ingresara a su banda. Luego conocieron a un bajista de una banda llamada Snake que impresiono a los 3, al punto de pedirle que se uniera a ellos. Al principio se llamaban "Mamooth" hasta que en 1976 descubrieron que otra banda se llamaba también Mamooth y decidieron cambiar su nombre por el de Van Halen.

Ese mismo año, Gene Simmons del grupo KISS escuchó a la banda tocar en un pequeño club y les ofreció producirles varios maquetas. Ted Templeman (productor de la casa Warner Brothers) escucho a la banda y convenció a Mo Osting (ejecutivo de la compañía) de firmarles.

Van Halen impacto en un mundo ávido por escuchar nueva música a fines de los 70, con su primer larga duración, y en especial con el tema “Eruption” y una banda integrada en un principio por los hermanos Eddie y Alex Van Halen, el bajista Michael Anthony, y el vocalista David Lee Roth. Esta formación trajo la atención de muchas seguidoras que quedaron enganchadas con el carismático vocalista, y los músicos en su particularidad Eddie Van Halen quien introdujo nuevas técnicas en la guitarra, para el publico general de los Rockanrolleros. Es así como el álbum Van Halen I, es considerado como una de las mas importantes grabaciones de Rock, de los años 70.

Así fue como Eddie Van Halen, fue considerado como uno de los mas grandes guitarristas, el estudio y dedicación infatigable de Eddie le permitieron alcanzar un grado de perfeccionamiento técnico envidiado por muchos de sus colegas. Pero esta perfección no hubiera conmovido al mundo de no ser porque con la gran habilidad y talento de este guitarrista, supo combinar en dosis exactas la técnica, el sentimiento y la espontaneidad

Se puede decir que la guitarra fue antes y después de Van Halen, como años atrás ocurriera con Hendrix. Eddie participo también en Triller, de Michael Jackson que fue récord en ventas en todo el mundo. En este larga duración el guitarrista introdujo dos solos suyos, que gravo en solo veinte minutos, y ciertamente todo esto provoco intriga ya que no tenia precedentes el hecho de que un astro del pop como Michael Jackson incorporara a sus servicios a una figura del heavy metal, para completar su álbum, el que seria cumbre de su carrera.

Una aguda crisis en 1985 en Van Halen provoco que David Lee Roth se alejase de la banda, emprendiendo carrera como solista quien se asocia con Steve Vai otro maestro de la guitarra y otros grandes músicos pero no tuvo éxito y su carrera declino.

Se consideraron varios vocalistas para sustituirle y aún discutieron la idea de una serie de cantantes temporales. Eddie le comento esto a su mecánico mientras le arreglaba su Lamborghini, y resulto que el coche de Sammy Hagar estaba también en reparación. Eddie lo llamo para una audición y pronto fue aceptado como el reemplazo perfecto a David. La banda se sobrepuso y salió nuevamente a la carga integrando al cantante Sammy Hagar quien tenia una incipiente carrera como solista. Este cambio de formación provoca un vuelco en la propuesta musical del grupo debido al aporte compositivo del nuevo cantante, pero sin que esto provocara un distanciamiento del público seguidor de Eddie Van Halen.

Después de 10 años de carrera con Sammy Hagar, Eddie Van Halen echo del grupo a Sammy, por razones aun poco claras, fue así como el grupo realizó audiciones con varios vocalistas del cual Eddie eligió a Gary Cherone ex vocalista del grupo Extreme, conocido por la Balada More than Word, y se concentraron para, lanzar su nuevo álbum Van Halen III.

Actualmente la banda se prepara para volver al estudio y realizar la grabación de un nuevo álbum para celebrar la llegada del nuevo milenio...

MANA:

La historia de Maná comienza a mediados de los años setenta en Guadalajara, México, gracias a cuatro amigos que se unen para interpretar temas de Led Zeppelin, los Beatles y los Rolling Stones. Estos amigos crearon
un grupo llamado 'The Green Hat Spies', que con el tiempo se convertiría en 'Green Hat' y, finalmente, en 'Sombrero verde', su traducción al castellano.

Como 'Sombrero verde' publicaron dos discos: 'Sombrero verde' y 'A ritmo de rock', con unos resultados bastante pobres en cuanto a ventas. Debido al fracaso del grupo hubo varios cambios en los miembros de la banda, que finalmente quedaría con los siguientes componentes: Fernando Olvera (Fher), Alejandro González (Alex), y los hermanos Juan y Ulises Calleros. A partir de entonces deciden cambiar su nombre artístico por el de 'Maná' y utilizar ritmos más latinos en sus composiciones.

En 1987 publican su primer álbum, titulado 'Maná', con resultados discretos, y en 1989 el segundo, 'Falta amor'.

Sería durante los dos años siguientes cuando Maná se daría a conocer por todo el país, con más de setenta conciertos y varios premios y discos de oro por su trabajo.

En 1992 editan '¿Dónde jugarán los niños?', grabado en unos estudios de Los Angeles. Ulises Calleros se convierte en el manager del grupo y entran César López (Vampiro) e Iván González. El disco se convierte en un superventas, no sólo en México, sino en la mayoría de países de habla hispana.

A finales de 1993, Vampiro e Iván abandonan el grupo, y entra Sergio Vallín, como cuarto miembro de la banda.

En 1995 publican un nuevo disco, 'Cuando los ángeles lloran', que de nuevo se convierte en un éxito internacional.

Dos años después un nuevo disco ve la luz: 'Sueños líquidos'. Es publicado simultáneamente en 26 países, incluida España, donde consiguió el disco de oro en apenas dos meses. Con este disco realizan una gran gira por toda
latinoamérica, Estados Unidos, Canadá, España y un sin fin de países más.

En 1999 publicaron un nuevo disco, 'MTV Unplugged', para dicha cadena de televisión, y colaboraron con Carlos Santana en su último disco.

En el 2002 sale a la luz su séptimo álbum de estudio, grabado en Los Angeles y titulado Revolución de amor, una mezcla de reggae, funk y alguna pincelada de música afrocubana. El disco cuenta con la colaboración de Rubén Blades y Carlos Santana.

A finales de 2003, el grupo lanza una edición de tres discos titulada “MANÁ Esenciales”, la cual reúne algunos de los mejores temas en la historia de la banda. Este concepto está inspirado en la esencia de la propia banda.
Actualmente MANÁ continúa con la gira “Revolución de Amor”, la cual al finalizar habrá visitado 24 países con más de 250 presentaciones.

WHITESNAKE:

El vocalista de Deep Purple, David Coverdale, tras abandonar el grupo decidió formar una nueva banda que se ajustase más a sus gustas, de esa idea nace Whitesnake en 1977. En pleno desarrollo del hard rock y del heavy metal de finales de los 70´, su primer disco se encontró un poco perdido entre la gran maraña de nuevos grupo que veían la cabida en el mercado de sus trabajos, aunque consiguieron popularizarse en Europa y en Japón. Durante 1982, Coverdale se toma un tiempo de descanso para dedicárselo a su hija.

Cuando retorna al mundo musical crea una nueva versión de Whitesnake, era el año 1984, y vuelven con un nuevo sonido, más vital y lleno de energía. Slide It In tiene todo el aspecto de un disco de los míticos Led Zeppelin y Deep Purple, siendo su primer disco de platino. Tres años más tarde, Whitesnake lanza un nuevo trabajo (titulado como es mismo grupo) mucho más melódico, y con grandes baladas como “Is This Love”.

Whitesnake comienza a ser internacionalmente famoso, vendiendo seis millones de discos solamente en EE.UU. Es entonces cuando se animan a grabar Slip of the Tongue, en 1989. Coverdale de nuevo recluta una nueva legión de grandes músicos entre los que se encuentra el virtuoso Steve Vai. De nuevo alcanzan el disco de platino, lo que resulta todo un “fracaso” dado el éxito de su anterior trabajo.

En 1993, Coverdale realiza una colaboración con el guitarrista de Zeppelin , Jimmy Page, y al año siguiente se edita un grandes éxitos de Whitesnake.

Nadie se atreve con una bio del Rosendo, incluyendo a LEÑO, por supuesto.
un dia destos a ver si me animo y hago una de los WHO.

Iba a poner la chinche, pero no tengo superpoderes :D:D:D

Saludos desde el sur

Efebo

Rosendo, una leyenda viva del rock español, nació el 23 de febrero de 1954. Su familia, muy humilde, se trasladó a Carabanchel cuando él era un niño. Estudió en el colegio Salesiano, y al terminar el bachillerato elemental, en 1970,comienzó a trabajar de botones en una oficina. Mientras tanto, por las noches iba a un centro jesuita para hacer una oficialía industrial de ICAI, pero abandonó al poco tiempo. Allí conoció a Valeriano,un compañero con el que se dedicaba a hacer pellas para escuchar música.


Poco después Rosendo puso en marcha sus dos primeros "proyectos" de banda: "Yesca" y "Patata Química", aunque no llegaron a ser nada serio. En 1972, comenzó a tocar en "Fresa" un grupo del barrio que se hacia versiones en fiestas y verbenas. Durante unos meses actuaron con la cantante Jeanette (que el año anterior había conseguido un gran éxito gracias al tema "Soy rebelde")


Un par de años después el grupo decidió cambiar su nombre por el de Ñu, y asi reivindicar la "ñ" española (por entonces muchos grupos cantaban en Inglés). En 1975 Ñu recibió el Trofeo Festivales Pop organizado por el Ministerio de Información y Turismo. Poco después Rosendo tuvo que hacer la mili, una época que le trae recuerdos bastante amargos. Tras cumplir con la patria (un año después) se publicó el primer y único un sencillo con tres canciones del grupo (el único disco en el que participó Rosendo).


En 1977, decide abandonar Ñu tras una actuación en el Parque de Atracciones de Madrid. Unos meses después había formado su nueva banda: Leño (el nombre era la réplica de Rosendo a José Carlos Molina, que calificaba sus composiciones en Ñu como "Leños"). La formación originaria la componían: Ramiro Penas a la batería, Chiqui Mariscal al bajo y Rosendo Mercado a la guitarra, además de la voz. El grupo debutó como telonero de la banda "Asfalto" en el teatro Alcala de Madrid.


En 1979 el grupo publicó su primer álbum (aunque ya habia incluido dos canciones en un recopilatorio). Por entonces, Chiqui Mariscal (bajo) abandonó la formación y fue sustituido por Tony Urbano, bajista de "Coz",otra de las bandas punteras del momento. Un año después sale a la venta el álbum Más Madera" y en 1981, "En directo", grabado durante tres noches consecutivas en la sala Carolina.


En Londres Leño grabó su cuarto, y posteriormente último, disco "¡Corre, corre!" (1982). La banda se despidió un año más tarde con la gira de Miguel Ríos "Rock de una noche de verano" (tomaron esta decisión por problemas internos agravados por el poco apoyo de su compañía, que por otra parte les reclamaba un disco más).


Después de dos años de silencio Rosendo reapareció haciendo los coros en el tema "Barrio conflictivo" de Barricada. Después produjo dos discos del grupo: "No se que hacer contigo" y "No hay tregua".


En junio de 1985 se organizaron en el campo de Fútbol de El Moscardó unas "Jornadas de Música y Juventud" que Rosendo aprovechó para romper con dos años de problemas y abrir una nueva etapa en su carrera. Actuó por primera vez sin Leño.


Ese mismo año se publicó su primer disco en solitario "Loco por incordiar", una declaración de principios, que se grabó en Alemania. Le siguió "Fuera de lugar" (1986), un trabajo que no dio grandes resultados y creo algunos conflictos entre Rosendo y su discográfica.


Un año después Rosendo dio a conocer su tercer trabajo, "A las lombrices" (1987), que incluía el tema "En agua caliente" dirigido a los responsables de su discográfica, que al descubrir el mensaje le dieron la "carta de libertad".


En 1988, firma por un sello independiente con el que dio a conocer el álbum"Jugar al agua". Posteriormente, el 31 de octubre de 1989, grabó en la ya desaparecida sala Jácara de Madrid su disco "Directo".


Con"¡Deja que les diga que no!" (1991). Rosendo inició una nueva andadura con el productor Eugenio Muñoz. En septiembre de ese mismo año, actuó con Burning en la Plaza de Toros de las Ventas ante quince mil personas, y poco después colaboró en el disco de Extremoduro "Somos unos animales" poniendo la voz en "La canción de los oficios" y su guitarra en "Perro callejero". Al año siguiente (1992) publicó un nuevo trabajo titulado "La tortuga" y. participó con una versión de "Lo que tú y yo sabemos" en el disco "Ese chico triste y solitario", homenaje al cantautor Antonio Vega.


Después llegó "Para mal o para bien" y una colaboración muy especial con Joaquín Sabina poniendo guitarra y voces en la canción "El blues de lo que pasa en mi escalera". También colaboró en un disco a beneficio de Amnistía Internacional.


En 1996 publicó "Listos para la reconversión" y un año después compuso la BSO de la película "Dame algo". Rosendo volvió con "A tientas y barrancas" en 1998, año en que varios grupos como Los Porretas. Barricada, Enemigos y Siniestro Total versionaron en un álbum canciones de Rosendo.


El último disco publicado por el "rockero de Carabanchel" (al que recientemente le han dedicado un calle en Leganés) fue "Siempre hay una historia" (1999), que recogía su actuación en el patio central de la antigua carcel de Carabanchel el 26 de Marzo de ese año. También se editó una versión en video del concierto, que fue de carácter benéfico.

Saludos desde el sur

Efebo

P.D.: Dedicada a Kantazo :D:D:D

No podia faltar la biografia de Elvis Presley

Elvis Presley, cuyo nombre completo era Elvis Aaron Presley, nació el 8 de enero de 1935 en Tupelo, una pequeña ciudad del estado de Mississipi, aunque la familia se traslada a Memphis en 1948 para mejorar su situación económica.

Desde muy niño Elvis comenzó a demostrar su pasión poe el beisbos y, sobre todo, por la música. Le gustaba todo tipo de música. Esa pasión por la música contrastaba con sus malas notas en el colegio y su desinterés por los libros.

Cuando terminó los estudios comenzó a trabajar en una empresa de electricidad. En 1953 grabó un sencillo disco para regalar a su madre. El propietario del estudio donde lo grabó se fijó en quel muchacho y decidió echarle una mano.

En 1954, junto al guitarrista Scotty Moore y el bajo Bill Black, graban una maqueta con dos canciones. Fue suficiente para que Elvis decidiera que su futuro estaba en la música. A partir de ese momento graban varios discos más y se dedican a hacer actuaciones en directo en pequeños locales. La fuerza de las interpretaciones de Elvis suponen un gran éxito entre las veinteañeras de la ciudad.

En 1955 el mánager Tom Parker le ofreció a Elvis sus servicios como representante artístico. Elvis aceptó y se pusieron a trabajar juntos. Ese mismo año, Parker consiguió para el cantante un contrato con la RCO que incluía su lanzamiento a nivel nacional.

En 1956 Elvis acude a Nashville, capital del country, para trabajar y aprender de los mejores músicos del momento. De allí nació su primer número uno, 'Heartbreak Hotel. Ese mismo año rueda su primera película para el cine, 'Love me tender'.
Elvis fue influido por las baladas populares y la música country de su época, así como por lo que escuchaba en la iglesia y en las reuniones evangélicas que frecuentaba en su juventud. También jugó un papel importante en su formación el rhythm and blues que solía escuchar en la histórica calle Beale de Memphis cuando era adolescente.

El sonido creado por Elvis justo antes de irrumpir en el mundo musical a gran escala, fue realmente revolucionario. En sus primeras presentaciones, Elvis agregó elementos de rhythm and blues a la música country y viceversa, combinando así géneros musicales que hasta entonces habían permanecido separados. Aunque fue criticado por esto, con esa experimentación abrió el camino para la llegada del rock & roll.

En 1957, las giras que realiza por todo el país acrecientan su fama y su poder de seducción entre el público femenino aumenta sin cesar. Millones de jovencitas americanas están enamoradas de ese cantante capaz de cantar baladas y bailar salvajemente.

En 1958 se va a Alemania a cumplir el servicio militar. Para entonces ya está considerado como el Rey del Rock & Roll.

En la década de los sesenta interpreta infinidad de películas, la mayoría sin mucha calidad, aparte de la sola presencia del mito. Mientras tanto, su vida anda por las nubes. Se construye un enorme palacio en Memphis llamado 'Graceland' y se casa con Priscilla Beaulie, con quien tuvo su primera hika, Lisa Marie. Su fama va decayendo poco a poco.

Por sorpresa, en 1968, Elvis reaparece en televisión y nuevamente es relanzado hacia la cima. Retorna a los escenarios para ofrecer conciertos y actúa en Las Vegas.
A pesar de todo, sus últimos años fueron un tanto grises. Su salud se deteriora y el abuso de las drogas y las pastillas hacen mella en él. Su obesidad llega a extremos patéticos y su imagen resulta lamentable para sus fans, que desearían verle como antes.

Finalmente, el 16 de agosto de 1977, Elvis fallecía en Graceland, siendo enterrado en el jardín de la casa. Este es el lugar de culto al que acuden cada año miles de seguidores de Elvis Presley.

Saludos

x Kantazo: a ver esa biografia de los Who ¿viene o que? :D

chincheta, viva!!

La verdad que el post se estaba mereciendo la chincheta :D

Saludos

THE WHO

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Esta mítica banda británica nació en Londres bajo el nombre de The Detours en 1963, aunque ya en 1964 adoptarían el nombre de The Who. La banda estaba formada por Pete Townshend (guitarra, voz y el principal compositor), Roger Daltrey (voz), John Entwistle (bajo y voz) y Keith Moon (batería). Todos los componentes procedían del Shepherd's Bush, uno de los barrios más duros de Londres. Durante un breve periodo de tiempo los Who pasarían a llamarse The High Numbers (bajo este nombre publicarían el sencillo de temática Mod "I'm The Face If You Want It"), pero a finales del 64 volverían a utilizar el nombre que les llevaría a la fama.

Los Who fueron apadrinados por Pete Meaden, productor musical y uno de los hombres claves del movimiento Mod. Así, gracias al olfato comercial de Meaden, los Who se convirtieron de la noche a la mañana en una banda Mod, y la verdad sea dicha, el truco funcionó. Las camisetas y americanas Pop-art, las dessert boots, los cuidados cortes de pelo, las flechas y las dianas se verían asociadas a la imagen de la banda a partir de entonces. La salvaje manera de tocar de Moon, la jamesbrowniana voz de Daltrey, el explosivo bajo de Entwistle y el destructivo estilo de Townshend a la guitarra harían el resto.

En enero del 65, bajo la batuta del legendario productor estadounidense Shel Talmy, los Who publicaron el exitoso sencillo "I Can't Explain", un poco disimulado intento por parte de Townshend de imitar los riffs de los Kinks. En ese mismo año se publicaría la canción que significaría el lanzamiento absoluto de la banda: "My Generation" (con "Shout And Shimmy" como cara B), el himno Mod por antonomasia y una de las mejores canciones de la década. Este devastador single llegaría al número 2 de las listas (la posición más alta a la que llegarían los sencillos de los Who). En el 65 aparecería también el primer LP de la banda, The Who Sings My Generation, una pequeña joya cargada de buen Soul y Rhythm'n'Blues que contiene clásicos como la deliciosa "The Kids Are Allright", el instrumental surfero "The Ox" o la potente "Out In The Street".

En el 66 los Who adquirirían una orientación más Pop, alejándose de la música negra que había servido como fuente de inspiración en los primeros trabajos. Joyas como los sencillos "Happy Jack" o "I'm A Boy" son una muestra de este nuevo sonido de la banda, también reflejado en el segundo LP, el espléndido A Quick One, que contenía la primera mini-ópera compuesta por Townshend ("A Quick One While He's Away") y dejaba entrever el talento musical de Entwistle en composiciones como "Boris The Spider" o "Whiskey Man".

Ya en el 67, los Who se dejarían influir profundamente por la psicodelia, tal y como se ve en el imprescindible The Who Sell Out, indudablemente uno de los mejores discos del año. Sell Out fue gestado como un homenaje a las emisoras piratas de mediados de los sesenta, e incluía jingles propios de la radio intercalados entre canción y canción, dando una gran unidad al disco. Son dignas de mención composiciones como "Tattoo", "I Can See For Miles" (publicado como sencillo) o "Mary Anne With The Shaky Hand" (con alusiones a la masturbación), si bien todo el disco en sí no tiene desperdicio alguno.

Ya en el 69 llegaría el doble LP Tommy, compleja ópera-rock aclamada por crítica y público que significaría la consagración de Townshend como compositor. Tommy, que sería llevada al cine poco después con el mismo Daltrey como protagonista, narraba a lo largo de 24 canciones la extraña historia de un niño que se volvía ciego, sordo y mudo por persuasión, una parábola influida por la figura de Meher Baba, el gurú espiritual de Townshend.

En los 70 los Who continúan en plena forma, y Live At Leeds es la muestra. Este LP, grabado durante la gira de promoción de Tommy, se erige como uno de los mejores directos de la historia, y permite apreciar la dureza de la banda por aquella época. Pero la banda aún tenía balas en la recámara, y Who's Next (1971) sirvió para encumbrar ya definitivamente a Townshend y compañía. Con este LP se había llegado a un nivel insuperable, que sólo rozaría la ópera-rock Quadrophenia (1973), doble LP que narraba la historia de un Mod a mediados de los sesenta.

Trabajos como The Who By Numbers o Who Are You ya no desprendían la calidad de Who's Next, y la muerte por sobredosis de Moon en el 78 significaría prácticamente el fin de la banda (reunida de vez en cuando para realizar la correspondiente gira conmemorativa), algo a lo que también contribuiría la carrera en solitario emprendida por Townshend.

Saludos
PD: Espero que te haya gustado Kantazo ;)

muy bonita Niko.
tan solo añadir la muerte de John Entwistle en Junio del 2002 y que actualmente vuelven a ser una banda muy activa con numerosas giras, con Pino Palladino al bajo y Zak Starkey a la bataca (hijo de Ringo Starr).

PD: Efebo, la del Rosendo total.

THE DARKNESS

The Darkness (Justin Hawkins -voz y guitarra-, Dan Hawkins -guitarra-, Frankie Poullain -bajo- y Ed Graham -batería-) es la banda que ha puesto nuevamente a Londres y a todo el Reino Unido bajo el pulso del rock. La banda de Justin Hawkins ha recuperado el espíritu del rock de los 70, y con un estilo a mitad de camino entre Queen y AC/DC, se ha convertido en un auténtico fenómeno social en todo el planeta.

Su disco de debut, Permission to land (2003) ha vendido más de 2 millones de copias en todo el mundo. Este grupo se ha labrado un reconocido prestigio entre los medios y el público ingleses a base de actuar en todo tipo de salas a lo largo y ancho del Reino Unido. Se dieron a conocer tras una serie de legendarios conciertos en Londres, donde demostraron, además de su buena música, su gran talento para el espectáculo. Sus recientes actuaciones en los festivales de Glastonbury y Reading fueron las más comentadas de este año.

Influenciado por los grandes del rock; de AC/DC a Thin Lizzy pasando por Queen, The Darkness demuestra con su primer álbum que el clásico formato de guitarra, bajo y batería (y un frontman espectacular como no se ha visto hace tiempo) sigue siendo capaz de emocionarnos, hacernos saltar, vibrar y confiar en el rock & roll como la música más vitalista de todas. Canciones como el primer single Growing on me, I believe in a thing called love o Get your hands off my woman entre muchas otras confirman el enorme potencial de esta banda que recupera el espíritu del mejor rock de los 70 y 80.

Los miembros de The Darkness crecieron bajo la influencia de las bandas que escuchaban (Queen, Aerosmith y similares), pero pronto crearon un estilo único; sus canciones son todas himnos potenciales y resulta muy difícil no corearlas al oírlas. La esencia de The Rolling Stones, Thin Lizzy y otras grandes bandas rockeras es capturada en los himnos intensos del grupo, porque sus influencias provienen de un periodo del rock de los setenta, cuando florecieron espectaculares bandas de guitarra como AC/DC y Queen. Pero ellos entregan su música con una convincente arrogancia y un toque de ironía postmoderna.

Su sonido está enormemente influenciado por el rock clásico de los 70 y los 80, pero funciona porque lo hacen con una producción del Siglo XXI.

Saludos

QUEEN:

Todo empezó en 1968 cuando Brian May y Tim Staffell estudiantes de la Imperial College, deciden formar un grupo musical. En la escuela anuncian que necesitan un baterista y Roger Taylor estudiante de medicina toma el puesto. Llaman al grupo Smile, siendo su discográfica la Mercury Records grabando en los Trident Studios en 1969. Tim estudiaba en el Ealing College of Art donde conoce a Frederick Bulsara (o Farrock Mommi Balsara) le invita a escuchar a la banda. En 1970 "Smile" se separa, Tim inicia un grupo nuevo llamado Humpy Bong y Freddie deja su banda "Wreckage" y se junta con Brian y Roger.

Freddie cambia su nombre por el de Mercury cambiando también el nombre de la banda por Queen, entonces necesitaban a un bajista, es cuando llega John Deacon. En 1973, Trident y EMI firman un contrato de exclusividad con Queen, y en julio de ese mismo año realizan su primer álbum "Queen". "Queen II" aparece en Marzo de 1974, y en Abril la banda realiza su primera gira por EE.UU.

Mientras trabajaban en su tercer álbum conocen a Roy Thomas Baker el cual los ayuda en"Sheer Heart Attack". En enero de 1975, Queen realiza su primer tour en solitario por EE.UU., las entradas se agotaron. En Abril visitan por primera vez Japón, siendo verdaderamente aclamados por sus fans.

Queen comienza a trabajar en su nuevo álbum en Junio; cuando deciden hacer Bohemian Rhapsody todo mundo decía que esa canción no iba a ser un éxito, ya que duraba más de 5 minutos. Pero Freddie le da una copia del sencillo a su amigo DJ de Londres Kenny Everett, pidiéndole que no la pasara, pero no le hace caso y la pone en la radio. Para su sorpresa la canción se vuelve un éxito rotundo, estableciendo a Queen como la banda de la época. El sencillo se mantiene en el nº 1 por nueve semanas. El álbum "A Night At The Opera" fue realizado en Noviembre de 1975 siendo un tremendo éxito ganando su primer disco de Platino.

"A Day At The Races" es de Diciembre de 1976, teniendo una gran demanda. El 28 de Octubre de 1977 editan "News Of The World", la portada pertenece a un artista de ciencia-ficción llamado Kelly Freas. En esa Navidad "We Will Rock You" es derrocada del primer lugar de las listas francesas después de 12 semanas por....."We Are The Champions".

En julio empiezan a trabajar en su nuevo álbum. La publicidad para el nuevo sencillo "Bicycle Race" se graba con unas 15 muchachas completamente desnudas en una carrera de bicicletas. En Noviembre sale el álbum "Jazz" siendo su séptimo álbum. "Live Killers" es el nuevo álbum, en vivo, que realizan en junio de 1979. Queen es invitada a escribir la música de la película "Flash Gordon".

En 1980, la banda realiza su nuevo álbum "The Game" (su primer álbum donde utilizan sintetizadores). Obtienen 5 discos de platino solo en Canadá.

El disco "Hot Space", es realizado el 21 de Mayo de 1982 después de que la banda tuvo una extensa gira. En Diciembre de 1982, Queen aparecen en el libro Guinness de Records como la banda británica mejor pagada..

En enero de 1983, Freddie se pone a trabajar en su álbum como solista, y Roger inicia su segundo álbum. Brian en compañía de Edward Van Halen, Alan Gretzer, Phil Chen and Fred Mandel realizan el mini álbum "Star Fleet Project".

La banda regresa a los estudios en Agosto de 1983 para empezar a trabajar con su próximo álbum, trabajando con la Record Plant en los Ángeles - La primera vez que graban en América. Después de varios meses aparece "The Works". "Radio Ga Ga" sencillo de este disco, se vuelve un éxito rotundo en todo el mundo llegando casi al primer lugar en 19 países.

En 1985 fue el año de "Rock In Rio". Fue el Festival de rock más grande del mundo y Queen participa en él. El Festival fue grabado por una Cadena de Sudamérica, pero Queen fue la única banda que obtuvo los derechos para realizar el concierto en video.

Freddie saca su nuevo álbum como solista "Mr Bad Guy", en Abril de 1985. Queen decide hacer la BSO de la película "Highlander". En Marzo de 1986, John forma una nueva banda llamada "The Immortals". El 2 de Junio, Queen realiza su nuevo álbum, la BSO de la película Highlander, titulado "A Kind Of Magic". El álbum llega a ser número uno en las listas Inglesas. En Diciembre realizan su segundo álbum en vivo "Live Magic".

Freddie conoce a la soprano Montserrat Caballe en Marzo de 1986, es invitada a grabar un álbum con él. En Mayo de 1987 aparece Freddie y Montserrat en el festival Ibiza 92´. Realizan la canción "Barcelona".

En Agosto de 1987, Roger forma un grupo nuevo llamado The Cross. El sencillo "Barcelona" es grabado en España en Septiembre de 1987 y más de 10,000 copias fueron vendidas en solo 3 horas. El Comité Olímpico Español adopta la canción como tema de los Juegos Olímpicos de esa ciudad en 1992. Aparece en Noviembre la trilogía de su vida llamado "The Magic Years".

Queen realiza su decimosexto álbum el 22 de Mayo de 1989 llamado "The Miracle". Entra a las listas Europeas e Inglesas llegando a los primeros lugares. Para promocionar el disco aparecen en la Radio después de varios años, acompañados del DJ Mike Reid.

En Noviembre de 1990, Queen firma el mayor contrato en la historia de la música con Disney Hollywood Records. En 1991, la banda realiza su primer sencillo de seis minutos y medio. "Innuendo”. El álbum, del mismo nombre es realizado el 4 de Febrero llegando en las listas Inglesas al nº 1.

Greatest Hits II es realizado en Octubre de 1991, incluyendo 17 canciones. El 23 de Noviembre de 1991 Freddie anuncia al mundo que tiene SIDA. Justamente al día siguiente, su lucha había acabado, muere en su casa despidiéndose de amigos y familiares. El mundo estuvo paralizado.

Después de cuatro años de trabajo, el 6 de Noviembre de 1995 aparece en todo el mundo el nuevo álbum de Queen, "Made In Heaven". El álbum número 20 de
su carrera. Iniciado en Abril del 91´ y terminado por el resto de los integrantes con grabaciones que Freddie había hecho antes de morir

GUNS 'N' ROSES:

En una época en la que la música estaba dominada por la música de baile y el pop, surgió en las listas de ventas un grupo que practicaba un rock sucio y rompedor. No era un grupo de chicos buenos, era un grupo violento y polémico. Pero eran también capaces de mostrar su cara más divertida, tierna y sensible. El grupo estaba compuesto por dos guitarristas, Slash y Izzy Stradlin que protagonizaban feroces duelos, propios de Aerosmith o los Stones; el cantante Axl Rose, que gritaba sus historias de sexo, drogas y apatía, el bajista Duff McKagan y el batería Steven Adler.

La historia de Guns N' Roses transcurre entre incidentes y genialidades. Tras su formación en 1985 debutaron como banda en el Troubadour Club, realizando su primera gira llamada The Hell Tour por clubes de Seattle, Portland, Eugene, Sacramento y San Francisco. Dicha gira no llegaron a finalizarla debido a una avería en la furgoneta en la que viajaban que les obligó a regresar a Los Angeles.

Siguieron haciendo actuaciones esporádicas en locales de Hollywood consiguiendo una cierta reputación. Todos vivían y ensayaban en la misma habitación, organizando grandes fiestas donde no faltaba la bebida, las chicas, las drogas...

Los sellos discográficos comienzan a interesarse por ellos. Su primer manager Vicky Halmilton, les aloja en su apartamento y les consigue actuaciones y dinero para un equipo decente. Vicky les exigía mucho más dinero de lo que habían acordado, así que la relación se rompe. Un año más tarde puso un pleito a la banda reclamando un millón de dólares.

Sin manager y con amenazas legales sacan un mini LP con su propio sello discográfico Uzi-Suicide, titulado “Live?!. @ Like A Suicide”. Con un éxito más o menos interesante, en abril de 1986 Tom Zutaut, ejecutivo de Geffen, escucha una maqueta y les ficha para su compañía. Guns n' Roses firman el contrato el 26 de marzo de 1986 con Geffen Récords, propiedad de David Geffen un amigo de la familia de Slash.

Su primer disco de estudio “Appetite For Destruction”, es producido por Mike Clink y mezclado por Steve Thompson y Michael Barbeiro. El disco sale a la venta en julio de 1987. El tema “Wellcome To The Jungle” es elegido para formar parte de la banda sonora de la película “La Lista Negra” de Clint Eastwood reportándoles buena publicidad. Junto con la canción se graba un vídeo que rápidamente se convirtió en el favorito de la MTV.

Las emisoras de radio empiezan a pinchar el tema, pero donde realmente se ganan al público es un sus increíbles directos. Después de tocar junto a The Cult, son elegidos para telonear a Mötley Crüe. Durante la gira Slash destroza una habitación de hotel en Dallas. Al finalizar el tour, Axl durante un concierto en Los Ángeles arremete a un guarda de seguridad que intentaba echar a un amigo suyo. Después se anula otro concierto en Phoenix por problemas de Axl. La prensa se les echa encima después de estos incidentes.

La siguiente gira la realizan junto a Alice Cooper. En Michigan Steve se rompe la mano al golpear una farola y es sustituido en plena gira. En la siguiente gira, esta vez con Iron Maiden, Duff abandona para casarse. En la gira con Aerosmith Axl es detenido por la policía de Philadelphia al intentar aparcar en zona reservada. Pero lo peor estaba por llegar.

En el festival Mosters of Rock en Castle Donnington, Inglaterra, en 1988, Guns N' Roses sube al escenario y una muchedumbre enfervorecida se abalanza hacia delante aplastando a dos fans que acabaron muertos.

A pesar de los pesares, la venta de “Appetite For Destruction” es increíble. Solo hay un disco debut en la historia que vendiese tanto, y venía firmado por Led Zeppelin. El single “Sweet Child O' Mine” llega al número uno.

El 30 de noviembre sale su segundo disco, aunque no totalmente nuevo ya que incluía sus primeras grabaciones, titulado “G N' R: Lies”. En febrero de 1989 actuaron en la entrega de premios MTV Music Award. La canción “Patience” llega al número 4 y el disco al dos. Era la única banda que tenía dos álbumes simultáneamente entre los 5 primeros puestos de las listas.

Con la canción “One in a Million” vuelve a saltar la polémica ya que atacaba directamente a los inmigrantes, a los homosexuales y a la policía. El resultado fue su retirada del cartel contra el SIDA en junio de 1989, Nueva York.

En 1989 comienzan una nueva gira junto a los Rolling Stones y Living Colour. Axl anuncia su retirada de la formación si la banda continua con sus problemas con las drogas. Izzy, Slash y Duff inician una cura de desintoxicación. Todos lo consiguen menos Steve Adler que es expulsado de la banda en julio de 1990, le sustituiría Matt Sorum, batería de The Cult. Es también en esta época cuando entra en el grupo Dizzy Reed, amigo del grupo.

Graban una versión del tema de Dylan “Knockin' On Heaven's Door” para la película “Días de Trueno” de Tom Cruise y los problemas continúan. Izzy Stradlin recibe una multa por orinar en el vestíbulo de un avión, Slash en la entrega de los premios American Music Awards de 1990 sale a recoger el premio completamente borracho e insultando al público, Duff se divorcia de su mujer Mandy y Axl se casa con Erin Everly en Las Vegas (un año más tarde se divorciarían). El 30 de octubre de 1990 Axl es arrestado en West Hollywood por agredir con una botella de vino a su vecina, que se quejaba del volumen de la música.

En 1991 sale a la venta su tercer disco, o el segundo con temas totalmente nuevos, “Use You Illusion, 1 y 2”. Con la doble entrega conquistan un record que nadie había conseguido antes, ser el número uno en EE.UU. y UK simultáneamente. Participan en el Rock In Río, festival que se realiza en el estadio de fútbol Maracaná con un público de 260.000 personas. El single “You Could Be Mine”, forma parte de la banda sonora de “Terminator II”.

Tras el concierto de 1991 en Wembley, Izzy Stradlin abandona la formación, cansado de la extensas giras y de sus riñas con Axl, con el que tiene muchas diferencias musicales y personales. Su decisión es rotunda a pesar de ser el compositor de muchos de los éxitos de Guns N' Roses. Gilby Clark, guitarra de los Kill For Thrills, entrará a sustituirle.

Entre noviembre y diciembre de 1991 comienza su gira mundial Get In The Ring Motherfucker, que comenzando por EE.UU. les llevaría hasta Japón y Australia. En Japón se graban en vídeo los directos. En febrero de ese año el show se retrasa dos horas y media. Axl echa a varios periodistas provocando una pelea, más tarde, sobre las tablas pronunciarían estas palabras "Fuckin' St. Louis!!!!". En los incidentes hubo varios heridos de gravedad, setenta detenidos y destrozos por valor de cientos de miles de dólares. El Tribunal del Estado de San Luis declararía culpable a Axl Rose de provocar la alteración del orden público e incitación a la violencia.

Participan en el concierto homenaje a Freddie Mercury el 20 de abril de 1992 en Wembley con los temas “Paradise City” y “Knockin' On Heaven's Door”. Axl canta junto a Elton John “Bohemian Rhapsody”. En la primavera de 1992 hacen una gira por México y en el verano por Europa, es aquí la primera vez que se detienen en España.

De vuelta a Estados Unidos Axl es detenido en el aeropuerto John Fitzgerald Kennedy por la policía federal por los incidentes de San Luis. Queda en libertad provisional hasta que se celebre el juicio.

En agosto, junto con Metallica a Montreal, James Hetfield se lesiona la mano, Axl abandona el escenario a los 15 minutos diciendo que este será el ultimo concierto durante un largo tiempo. Pero no fue así, una vez recuperado James la gira continuó.

En el otoño de 1992 en la gira sudamericana, G N' R se pasean desnudos por los hoteles de Colombia y Argentina, creando graves incidentes. En el aeropuerto de la capital de Chile Axl arremete contra varios periodistas, llega al concierto con dos horas de retraso en estado de embriaguez, insultado al público que respondió lanzando botellas al escenario. El concierto terminó con más de 50 detenidos.

Nueva gira por Japón en enero de 1993 y en marzo gira por EE.U. con Brian May Band de teloneros, nuevo incidentes esta vez en Sacramento donde Axl insultó al batería de Metallica y habló de la banda en términos despectivos.

En septiembre de 1993 sale a la luz el disco de versiones punk, “The Spaghetti Incident?”, con muy buenas críticas. Después participan en la banda sonora de la película Entrevista con el vampiro de Tom Cruise con la canción “Sympathy For The Devil”.

A comienzos de 1994, comienzan a correr los rumores de la separación de la banda, Rose quiere seguir sus camino y Slash desea seguir con su sonido hard rock de influencias blues. La banda permanecería en el limbo durante varios años, hasta que Slash resurge con su proyecto Snakepit en 1995 y el disco “It's Five O'Clock Somewhere”, en el que deja fuera a Axl.

Hacia 1996 Slash está oficialmente fuera de G N’ R y pronto se confirmó que Axl era el único sobreviviente del grupo original. Pero los rumores continuaban arremolinándose alrededor de G N’ R, y se sabía que el material nuevo estaba próximo. La primera canción original en ocho años, sería "oh My God", escrita para la banda sonora de “End Of The Days” de Arnold Schwarzenegger. Poco después, Geffen publica el doble disco recopilatorio “Live Era: 87’ – 93’”.

A finales de 1999 la lucha verbal entre Slash y Axl es continua, todo señalaba a que G N’ R no volverían a trabajar juntos. Pero el duro trabajo de la discográfica para apaciguar los humos de la banda dan sus resultados, y en el festival Rock In Rio de 2001 se reúne de nuevo la formación, Slash incluido, realizando uno de los conciertos más memorables de su historia.

METALLICA:

En 1981 Lars Ulrich y James Hetfield forman Metallica en Los Angeles. Inspirados por la ola de bandas británicas de Heavy Metal. El sonido de Metallica es una respuesta directa a diferentes grupos de la época algo suaves y con tendencia a figurar en listados.

En 1983 Metallica escoge a Nueva York como su centro de operaciones. Su primer trabajo Kill 'em All es lanzado por el sello independiente Megaforce. Este disco supera las trescientos mil copias de venta y significa la primera gira internacional del grupo.

En 1984 aparece su ya segundo disco Ride The Lightning; Elektra se encarga de la distribución. En 1985 Master Of Puppets, tercer disco, es grabado en Copenhage. El álbum vende un millón de copias, solo en los Estados Unidos. El grupo acompaña a Ozzy Osbourne en un recorrido por los Estados Unidos.

Es 1986 y la banda está en su primer tour por Gran Bretaña y Europa. En la noche del 27 de septiembre, el bus que transporta al grupo se sale de una carretera sueca. El bajista Cliff Burton pierde la vida. Para reemplazarlo los restantes miembros de la banda eligen a Jason Newsted como nuevo bajista.

En 1987, en enero la banda regresa a Europa a finalizar la parte de la gira que se vió afectada por el accidente. Cansados de viajar y ofrecer conciertos por casi un año, el grupo decide tomarse un merecido descanso en California. Mientras escriben temas para el próximo disco, James Hetfield, guitarrista y cantante de la agrupación sufre un accidente. Andand en monopatín cae a una piscina... vacía. Como consecuencia del accidente, James se parte el brazo y tarda tres meses en recuperarse. Durante este periodo, la casa de Lars se convierte en salón de ensayos. De esta experiencia surge un trabajo llamado Garage Days Re' Revisited. El disco contiene versiones de clásicos underground del metal.

En 1988 Kill 'em All es relanzado por Elektra. El disco vende 250 mil copias. El video Cliff 'em All, en homenaje al bajista desaparecido vende 100 mil ejemplares. El 7 de septiembre de 1988 ...And Justice For All, su nueva producción discográfica aparece en las tiendas.

Después de unos años de descanso, y varias giras mundiales, en Agosto de 1991 sale a la venta Metallica, conocido también por el nombre de Black, con el que consiguen ser número 1 en Estados Unidos y Europa, realizando una gira por todo el mundo en la que demuestran que son uno de los mejores directos del panorama musical, según palabras de Kirk Hammett: "Nosotros somos pura energía en el escenario, desprendemos poder al público y ellos son capaces de recogerlo, esa es la diferencia".

Durante los siguientes años Metallica sufre una transformación que se ve reflejada en Junio de 1996 cuando se publica Load, un cambio sobre todo de imagen. Pasan de tener el pelo largo y no pensar demasiado en el vestuario, a cortarse el pelo, y cambiar el formato de los discos, con cambio del anagrama de Metallica y la creación de un escudo, el surricane. En el Load se nota también un cambio en el estilo musical que habían tenido hasta ese momento, con canciones menos fuertes y la no inclusión de una canción instrumental como en todos los anteriores discos de la banda. Este cambio se debe a un afán de renovación que se ve reflejada en las palabras de James Hetfield: "Renovarse o morir, la clave está en la evolución musical ya que esto provoca un crecimiento del grupo y abre una nueva etapa para Metallica. Crecemos y nuestros gustos cambian con respecto a aquellos chavales del Kill 'em all".

En Diciembre de 1997 se pone a la venta el ReLoad, en el que siguen con la revolución musical que comenzaron el año anterior en el Load, con una portada prácticamente igual que la del Load pero se nota un cambio musical en muchas de las canciones del disco número 7 en la carrera de Metallica.

En Noviembre de 1998 sacaron un docle CD recopilatorio titulado Garage Inc. en el que dan un repaso a todas las influencias musicales que les han ido transformando a lo largo de los años. Y en 1999 realizan uno de sus proyectos más deseados y esperados por ellos mismos y por todos los incondicionales de la banda, grabando un disco en directo junto con la Filarmónica de San Francisco S&M, en el que incluyen una completa colección de todos sus grandes éxitos.

Tras unos años de espera, Metallica vuelve con un nuevo disco de Estudio y de vuelta a sus orígenes St. Anger (2003).

PINK FLOYD

El legendario grupo de rock británico Pink Floyd se forma en torno a un grupo de estudiantes universitarios de arquitectura. De hecho, Roger Waters, quien fue por mucho tiempo su voz principal y bajista, conoce a Nicholas Mason y a Richard Wright en el "Regent Street Polytechnic". Por otro lado, uno de sus iniciales integrantes e inspiradores, Syd Barret, tenía por compañeros de secundaria al mencionado Rogers Waters y también al actual líder y guitarrista de la banda David Gilmour.

El nombre "Pink Floyd" o "The Pink Floyd Sound", como se llamaba originalmente, proviene de conjugar los nombres de pila de dos bluseros de Georgia, en los Estados Unidos de América, a quienes admiraban. Ellos eran Pink Anderson y Floyd Council. En el año 1967 editan su primer simple con los temas "Arnold Layne" de un lado y "Candy and a currant bun" del otro. Poco después aparece su primer disco llamado "The piper at the gates of dawn", es decir, "El flautista a las puertas del alba" donde casi todos los temas eran autoría de Barret. El disco recibió un rápido reconocimiento y trepó rápidamente en la lista de canciones mas escuchadas. Por esa época Syd Barret tenía crisis recurrentes psiquiátricas y por drogas que lo alejarían del grupo.

En Junio de 1968 se edita el segundo disco de Pink Floyd: "Saucerful of secrets" con la mayoría de los temas compuestos por David Gilmour y solamente dos atribuidos a Syd Barret. En noviembre de 1969 aparece "Ummagumma" el cual es un disco doble denominado de transición para el grupo. Al poco tiempo aparece un nuevo album llamado "Atom heart mother" el cual contenia una suite con el mismo nombre que ocupaba toda una cara del disco mientras que en la otra había temas individuales.

pink floyd
El grupo Pink Floyd en sus comienzos

En 1973 aparece su disco mas vendido: "El lado oscuro de la luna". Este disco los lanza definitivamente a la fama mundial y es actualmente el disco mas vendido de todos los tiempos. En 1975 aparece "Shine on you crazy diamond", cuyo tema prinicpal estaba dedicado a Syd Barret quien hacia años que no formaba parte de la banda. "Animals", su siguiente disco, aparece en 1977.

Uno de sus discos mas emblemáticos "The Wall" o "La pared" hace su aparición a finales de 1979. Un disco doble cuya autoría completa pertenece a Roger Waters brinda una nueva vuelta de tuerca a la propuesta musical del grupo. En marzo de 1983 se edita "The final cut" el cual es el último antes de la definitiva partida de Waters. Luego de algunos años sin actividades, lograron reponerse de la ausencia de Waters y David Gilmour tomo el control y liderazgo definitivo de Pink Floyd.

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Saludos

SUPERTRAMP

La formación de Supertramp es cuando menos curiosa cuando se forma a finales de la década de los 60, gracias a que Richard Davies conoce al millonario holándes Stanley August, conocido como Sam. Mientras toca en Munich con otra banda, Davies y Sam contactan y a través de un periódico británico, el Melody Maker, Davies recluta a una serie de músicos, con la oportunidad única de formar un grupo, como ponía en el anuncio.

Gracias a este medio, aparecen el bajista Roger Hodgson, el guitarra Richard Palmer y Bob Miller en la batería. Posteriormente se les une David Winthrop. Aunque al principio se llaman Daddy, Palmer les convence para que se llamen Supertramp, por la novela de 1910 de W. H. Davis, The Autobiography of a Supertramp. En 1970 firman por A&M, el sello de Herb Alpert y publica Supertramp. La repercusión es mínima. A finales de ese año el grupo toca en el segundo día del Festival de la Isla de White.

Palmer deja la banda y al poco tiempo le sigue Miller debido a una gira desastrosa por Noruega. En julio de 1971 entran en la banda Kevin Currie en la batería y Frank Farrell en el bajo. Hodgson pasa a ser el guitarra solista. Publican Indelibly stamped y el resultado es peor todavía. Las cosas están tan mal que todo el grupo abandona excepto Davies y Hodgson. Sam también los deja aunque paga las 600.000 libras que el grupo ha generado de pérdidas.

Después de más de dos años de inactividad el grupo comienza a grabar su tercer álbum con tres nuevos miembros. John Helliwell en el saxofón, Dougie Thompson en el bajo y Bob C. Benberg en la batería. Será ya la formación fija del grupo. Thompson además se hace con los mandos del negocio del grupo. A finales de 1974 publican su tercer trabajo Crime of the century y contra todo pronóstico el disco alcanza el número 4 en la lista británica. El disco con las composiciones de Hodgson y Davies y con canciones como School, Dreamer, Rudy o Bloody well right, se convertirá con el paso de los años en uno de los discos esenciales de la década.

En 1975 Supertramp comienza una gira por el Reino Unido de 10 días. Dreamer se extrae como single y es 13 en UK. El álbum consigue ser 38 en USA. Estando de gira en los Estados Unidos publican su primer single allí que es Bloody well right y es 35. A finales del año regresan al Reino Unido para una gira más extensa de 30 días.

A finales de 1975 publican su cuarto álbum Crisis what crisis?, que aunque no tiene el éxito del anterior, si les mantiene en buna forma con canciones como Ain't nobody but me o Another man's woman. El disco alcanza el 20 en el Reino Unido y el 44 en USA. Sin embargo los teclados de Davies y la voz de Hodgson están a punto de producir dos de los disco más impresionantes de la historia.

En mayo de 1977 Even in the quietest moments llega al 12 en UK y al 16 en USA. Más allá de los números, es el disco que marca el que Supertramp deje de ser un grupo de segunda fila y se convierta por derecho propio en uno de los grupos de referencia de finales de los 70 y ocupe por derecho propio un lugar en la historia. En una vuelta de tuerca más si cabe dentro del pop, el primer single Give a little bit alcanza el 29 en UK y el 15 en USA. El grupo se embarca en una extensa gira por los Estados Unidos. No saldrá como single, pero este es el disco que contiene Fool's overture, una de las piezas más emblemáticas de la historia de la música.

Al año siguiente se reedita su primer álbum en los Estados Unidos que alcanza el 158. 1979 es el año de la publicación de su sexto disco, Breakfast in America. Todo lo que habían hecho hasta se refleja en este disco, donde las composiciones pop adquieren su mayo expresión. El disco es 3 en UK, pero es 1 en USA durante 6 semanas. El primer single The logical song es 7 en UK y 6 en USA.

Breakfast in America repite éxito y su segundo top 10 consecutivo en UK, llegando al 9. Goodbye stranger es 15 en USA y 57 en UK. Take the long way home es 10 en USA. El disco llegará a vender más de 20 millones de copias. En lo más alto de su popularidad, el grupo actúa el 29 de noviembre en el Pavilion de París, una actuación que servirá para el doble disco en directo que saldrá a la venta al año siguiente llamado Paris. Ese doble disco alcanza el 7 en UK y el 8 en USA. Dreamer se extrae como single y llega al 15 en USA. Breakfast in America alcanza el 62 en USA también.

El grupo se toma un descanso preparando su próximo disco, que no aparece hasta 1982. Famous last words alcanza el 6 en UK y el 5 en USA. It's raining again llega al 26 en UK y al 11 en USA. My kind of lady, su segundo single llega al 31 en USA. Famous marca el último disco de Supertramp con éxito a ambos lados del Atlántico y la separación de Roger Hodgson del grupo para iniciar su carrera en solitario.

3 años después el grupo, ahora como cuarteto publica Brother were you bond. Con Davies en las voces el resultado es desigual. Aún así todavía alcanza buenos puestos y es 20 en UK y 21 en USA. Cannonball el primer single llega al 28 en USA. El grupo publica The Autobiography of Supertramp, recopilatorio con los singles del grupo que llega al 9 en UK. En 1987 Supertramp publica Free as a bird y el disco es un fracaso alcanzando sólo al 93 en UK y al 101 en USA.

En 1988 publican su segundo álbum en directo sin ningún éxito y se toman un largo descanso. En 1992 una nueva recopilación llega al 24 en UK. En 1997 con Davies, Halliwell, Hart y Bob C. Benberg, el grupo se reune y publica Some things never change, con You win I lose. El disco tampoco funciona. Ahora el grupo vuelve a la carga y publica Slow motion su décimotercer álbum.

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Saludos

MEDINA AZAHARA:

Medina Azahara empieza a salir a la escena musical española en 1979. El grupo estaba compuesto en un primer momento por Manuel Martínez (voz), Miguel Galán (guitarra), José Antonio Molina (batería), Manuel S. Molina (bajo), y Pablo Rabadán (teclados).

Ese año aparece en el mercado un disco titulado como el grupo y producido por el productor del grupo número uno de aquel momento (Triana), Gonzalo García Pelayo y publicado por la discográfica Sony. El disco tiene influencias del movimiento que encabezaba Triana, Rock Andaluz: rock con dejes aflamencados y letras muy íntimas. Ese Rock, se hacía en Andalucía a finales de los años 70 y primeros de los 80 y que tan buenos grupos dió aparte de los Triana y Medina Azahara (Mezquita, Cai, Alameda, Guadalquivir...).

Este primer disco contenía un éxito total Paseando Por La Mezquita . El disco “Medina Azahara” vendió más de 200.000 copias y la canción se convirtió en todo un himno.

Empujados por este enorme éxito no tardan mucho en sacar su nuevo disco: “La esquina del viento” en 1980. El disco en la misma tónica que el anterior les sigue aupando a lo más alto, hasta el punto que acaban de consolidarse en directo en un macroconcierto en Badalona (Barcelona) en 1980 compartiendo cartel con Alameda y Mezquita.

Tras un paréntesis de 2 años editan su tercer LP titulado “Andalucía”. Se trata de 8 nuevos temas en los que destacan el Me pregunto , y el que le da nombre al disco donde se nota un cierto distanciamiento de los otros Lp´s en el sentido de que es una canción con más "guitarreo eléctrico". Tras la gira de este disco se producirá un letargo de dos años hasta que en 1985 se edita el último LP con la casa Sony.

En 1985 sale a la calle “Caravana Española” pero sin el teclista Pablo Rabadán que abandona el grupo y con la incorporación de Antonio Fernández en los teclados y del ex-bajista de Mezquita Randy López. El disco no tendrá mucho eco, sin duda la muerte dos años atrás del líder de Triana: Jesús de la Rosa, había dejado huérfanos del todo a un movimiento tan original como estupendo de la música que se había hecho en España.

Tras cuatro años de silencio llega un año clave, 1989. Ese año Medina Azahara fichará por una pequeña compañía independiente que se encargará de sacar al grupo del letargo en el que se hallaba metido. La discográfica independiente Avispa S.L. los ficha y así Medina Azahara sacará al mercado su 5º LP titulado “... En Al-Hakim”. El grupo ha sufrido una remodelación considerable. De la anterior etapa sólo quedan la voz del grupo Manuel Martínez y el bajista Randy López,y la reincorporación de Pablo Rabadán en los teclados. Las nuevas caras son las de Francisco Ventura y Manuel Reyes (actuales guitarra y batería del grupo).

El nuevo gran salto, la gran recuperación del grupo se producirá tras editar su primer directo grabado en el Egaleo de Leganés el 30 de Junio de 1990. El directo supone el comienzo de una nueva etapa en la forma de hacer música de los Medina: se abandonan las canciones más bien lentas, con poco punteo de guitarra y aflamencadas del antiguo rock andaluz y se pasa a un rock más clásico, más progresivo con dejes árabes y con especial atención a Francisco Ventura en la guitarra, a la atronadora batería de Manuel Reyes y la armonía de los teclados de Pablo Rabadán. Así los nuevos integrantes le dan un nuevo aire al grupo, además de incluir en el directo una versión muy buena, En el lago de TRIANA. Las ventas suben y apoyados por una nueva radio-fórmula: CADENA 100 y por la discográfica Avispa sacarán un bombazo de disco en 1992: “Sin Tiempo”. El disco grabado bajo la producción de Carlos Martínez en los estudios M-20 de Madrid y con la incorporación del actual bajista: José Miguel Fernández, llegará a ser disco de platino con más de 200.000 copias vendidas y con éxitos que llegarán al número uno de las listas como la versión del Todo tiene su fin de Los Módulos y uno de los himnos de sus conciertos, Necesito Respirar. La gira será todo un éxito atrayendo miles de personas a sus conciertos. Saldrán al extranjero y en Japón con gran éxito, vendiendo bastantes discos e iniciando una gira por esas tierras, que se plasmará en un disco editado sólo en Japón títulado: “Leyendas de Andalucía”. Viajaran hasta Estados Unidos donde tocarán en Los Angeles.

En el otoño de 1993 sale a la venta “Donde está la luz”. Y será un nuevo éxito, alcanzando pronto el disco de oro. Canciones como la versión del No quiero pensar en ese amor de Los Módulos y una nueva versión del Otoño canción correspondiente al Lp “...En Al-Hakim” les llevarán de nuevo a lo más alto de las listas de éxitos. El Tour de la luz será un exitazo con más de 88 conciertos a sus espaldas y reuniendo a multitud de seguidores. También se produce durante este tour el debut de Alfonso Ortega en los teclados sustituyendo a uno de los co-fundadores, Pablo Rabadán. Durante el tour se grabará un vídeo en directo del grupo hecho en Getafe y realizado con las más modernas tecnologías, que posteriormente sería puesto a la venta y emitido parcialmente por TVE dos años después.

En la primavera de 1995 sale a la venta “Árabe". El grupo vende y gusta, Favorita de un sultán llegará al número uno en Cadena 100. La versión CD incorporará un segundo compact con 5 versiones de temas clásicos como el Paint it black de los Rolling Stones. Se inicia una nueva gira y se baten nuevos récords de asistencia.
Durante esta gira los Medina quieren rendir un homenaje a los que les llevamos siguiendo desde que comenzaron allá por los primeros 80’ y a los que se han ido incorporando. En el mes de Noviembre de 1996 sale a la venta su segundo directo “A toda esa gente”. Un doble álbum con el que el grupo quiere compartir su éxito con quienes lo hacen posible... Hacia las navidades de ese año Medina Azahara sacó un mini CD en Diciembre de 1995 con tres villancicos-rock.

Medina Azahara vuelve a los estudios en la primavera de 1998. Unos estudios que irán a caballo entre Madrid y Tánger. En Tánger recibirán la colaboración del mismo gran maestro que colaboró con los Rolling Stones en la elaboración de su Paint in Black. El 21 de Septiembre de 1998 se comienza a vender “Tánger”. Consigue el disco de oro a las pocas semanas y la gira se inicia con gran espectación en la Sala Riviera de Madrid.

En el año 2000, y como consecuencia de su veinte aniversario, el grupo edita un nuevo trabajo titulado "Medina XX". No era para menos, después de veinte años funcionando como grupo, ellos mismos se homenajean, y se lo dedican a todos sus fans. El tema "Aniversario" es el más explicito al respecto. Incluso, se atreven a incluir en el compacto una pista multimedia con el videoclip del tema central del lp, "Tiempos felices". Vuelven con más fuerza que nunca, con más caña. Y ya no se nota tanto su preferencia por la música arábiga, sino que ponen de manifiesto su tendencia a un rock más alegre y duro. Precisamente, es en este disco cuando nos damos cuenta de que los componentes Medina Azahara pasan de ser cinco a ser cuatro. Alfonso Ortega abandona el grupo, y aún se desconocen las causas. Como consecuencia de esta extraña salida, Manuel Ibáñez es quien se encarga de los teclados a partir de entonces, pero sin figurar como un componente más, sino como un colaborador.

Y tan sólo un año más tarde, editan , "Tierra de libertad". Con el tema central que lleva ese mismo título, y en el que se pone de manifiesto el problema actual de la inmigración en nuestro país, Medina se hace eco. En este trabajo bajan un poco el listón, y se nota como la veteranía es un grado, tanto en sus letras como en la música. Además, este último trabajo incorpora una intro totalmente instrumental: "Insomnia", una peazo de introducción para un peazo de disco.

En el 2003 editan Aixa y recientemente han editado su ultimo trabajo hasta el momento La estacion de los sueños, otro buen disco de estos bien llamados califas del rock.

MIGUEL RIOS

Nacido en el barrio de La Cartuja de Granada el fue el menor de los siete hijos de una familia humilde, con lo cual nada más acabar los estudios ya tuvo que ponerse a trabajar. Lo hizo a los 15 años y de dependiente en un bar. Después fue empleado de unos almacenes. Sin embargo, a Miguel no pudieron impedirle seguir con su sueño de ser cantante de rock and roll. Se presentó en un concurso de radio Granada, Cenicienta 60, acompañado de un grupo de amigos, y cantando una canción de Paul Anka, Tu eres mi destino, se llevó la victoria. Con permiso materno (su padre había muerto meses antes), un cazatalentos se lo llevó a Madrid con solo 16 años. Tras superar problemas como la falta de dinero o la de su carné de músico, el 2 de abril de 1961 grabó sus cuatro primeras canciones con destino a un EP. Para entonces el Rock and Roll (se decía) había muerto y lo que triunfaba era el twist. No tuvo, pues, nada de extraño que Miguel fuera bautizado como Mike Rios, el rey del del Twist. Lo importante era grabar.

Mike Rios se hizo popular en televisión junto a Raphael durante la primera mitad de los años 60 (fue habitual de un concurso presentado por Joaquín Soler Serrano). En 1964 recuperó su nombre, olvidándose de lo de Mike, perdió a su grupo de acompañamiento, Los Relámpagos, e hizo su primera incursión en el cine, Dos chicas locas, locas lo que le asentó entre los cantantes mas populares. Pero la búsqueda de su verdadera identidad fue lo que le llevó a sufrir diversos altibajos hasta que un cambio de compañía discográfica le colocó en la verdadera línea. A partir de 1967 llegaron Vuelvo a Granada, El río, Contra el cristal, El cartel y Mira hacia ti. Pero fue en 1970 cuando Miguel pasó de ser estrella en España a megaestrella mundial. Y no fue con el rock. Himno de la alegría (extracto del último movimiento de la novena sinfonía de Beethoven) amaneció en plena era del rock sinfónico, vendió tres millones de copias en todo el mundo y fue nº 1 en infinidad de países.

A partir de aquí la carrera de Miguel volvió a pasar del éxito al anonimato a lo largo de una década. Fue detenido y encarcelado por posesión de hierba poco después de sus Conciertos de Rock y Amor, reemergió una vez más y entró en su etapa más concienciada con albunes como Unidos, Memorias de un ser humano, La huerta atómica o Al-Andalus, menos rockeros y más líricos, alejados de su primer espíritu, hasta que Los viejos rockeros nunca mueren le devolvió al camino. Sin embargo, entre finales de los 70 y comienzos de los 80 nada hacía predecir que Miguel volvería a ser el Nº1. Primero fue con Santa Lucía y después en 1982, con la gran joya del rock ibérico de los 80: Rock and Rios, doble álbum grabado en Madrid el 5 y 6 de marzo, siendo este su album mas exitoso.

A lo largo de los siguientes años la línea argumental de su vida se repetiría una vez más, pero siempre mostrándose en la brecha.

http://www.votolatino.com.ar/2003/fo...iguelrios1.jpg

Saludos

Una de las bandas de hard rock más importantes y comerciales de los años 70 y 80 fue Scorpions, grupo que desde Alemania conquistó el mundo con su combinación de exaltadas baladas y fibrosas canciones rock de opulentos alardes guitarreros e intensa factura vocal.
El inicio de Scorpions empieza en la ciudad germana de Hannover, cuando en 1969 el cantante y guitarrista rítmico Rudolf Schenker, el guitarra líder Karl-Heinz Follmer, el bajista Lothar Heimberg y el batería Wolfgang Dziony decidieron unir fuerzas y talento musical para formar un conjunto con reminiscencias de Yardbirds, Deep Purple, Spooky Tooth, Cream, Jimi Hendrix o Rolling Stones.

En 1971 y entusiasmados con los sonidos que están desarrollando bandas como Led Zeppelin o Black Sabbath se integran en la formación el hermano menor de Rudolf, Michael Schenker, quien sustituye a Follmer y Klaus Meine, cantante y compañero de Michael en el grupo The Copernicus.
En 1972 y tras ser descubiertos por el productor Conny Plank, grabaron el Lp "Lonesome Crow" (1972), proyectado como banda sonora de una película, era un estupendo e infravalorado debut rock con elementos blues y jazz en canciones de gran talla como "Action", "It all depends" o "Lonesome crow", temas que ponían principalmente de manifiesto las habilidades en las seis cuerdas de Michael Schenker, quien dejaría Scorpions tras la grabación de este disco para integrarse en UFO, banda británica que ya había conquistado el éxito y que tentó al joven instrumentista cuando la banda de Hannover estaba girando con ellos como teloneros.
Su sustituto sería Uli Jon Roth, un guitarrista muy influenciado por Hendrix con el que grabaron "Fly to the rainbow" (1974). En este disco, producido por Frank Bornemann (miembro del grupo Eloy), también intervenían el bajista Francis Buchholz y el batería Jurgen Rosenthal, quienes reemplazaron a Heimberg y Dziony, tras el abandono de éstos. "Speedy's coming", "Drifting sun" o "They need a million" son algunos de los mejores pasajes de este segundo disco grande de la banda alemana, que desarrollaba su hard rock de alto voltaje melódico.

Para la grabación de "In trance" (1975), el primer disco producido por Dieter Dierks, pieza clave en el éxito mundial del grupo, se produjo un nuevo cambio en la formación, ocupando el puesto en las baquetas Rudy Lenners.
El Lp es uno de los mejores esfuerzos de Scorpions, con fenomenales temas enérgicos como "Robot Man" o espléndidas baladas como la que da título al album. "Virgin Killer" (1976), con temas como "Catch your train" o "Backstage Queen", confirmó el poderío comercial de Scorpions en Europa y sobre todo en Japón.
"Taken by force" (1977) presentaba al nuevo batería Herman Rarebell y canciones estupendas como "We'll burn the sky" o "I've got to be free".
El disco fue muy bien acogido entre sus fans pero a Roth no le entusiasmaba los derroteros sonoros de la banda, y tras la gira japonesa de 1978 abandonó el grupo para formar Electric Sun. Su capacidad en la guitarra se puede apreciar en el esencial directo "Tokyo Tapes" (1978).
Michael Schenker, por su parte, debido a su carácter conflictivo, que le provocaba reyertas con Phil Mogg (vocalista de UFO) y su exceso en el consumo de alcohol, abandonó la banda inglesa y regresó a Scorpions para colaborar en "Lovedrive" (1979), Lp en el cual también tocaba el reemplazo de Roth, Matthias Jabs.
El sonido rockero de Scorpions se volvió más melódico con Jabs y con ello la futura conquista del jugoso mercado estadounidense, que censuró la portada original del disco. En ese año giraron por primera vez por el país norteamericano, tocando junto a AC/DC o Ted Nugent.
Tras la marcha de Michael Schenker para formar The Michael Schenker Group, Scorpions grabaron "Animal Magnetism" (1980), el primer disco con ventas significativas en los Estados Unidos, que incluía las sensacionales "The Zoo" y "Make it real".
Estos buenos resultados comerciales fueron superados con creces por "Blackout" (1982), un disco histórico para la banda publicado tras la operación en las cuerdas vocales de Klaus Meine, quien había perdido la voz tras un importante tour de conciertos.
Este Lp supuso la entrada definitiva de Scorpions en el mainstream estadounidense gracias a temas como "No one like you", "Dynamite" o "Blackout".
"Love at first sting" (1984) consiguió convertir al grupo germano en una de las bandas más populares del hard rock. Temas como "Rock you like a hurricane"o la recordada balada "Still loving you" sonaron incansablemente en las emisoras radiofónicas de todo el planeta.
Junto a esos clásicos, otras vibrantes canciones como "Bad boys running wild" o "Big city nights" formaban parte de uno de los mejores discos de su carrera. Junto a su trabajo en estudio, sus actuaciones en vivo eran multitudinariamente seguidas, lo que les llevó a publicar su segundo doble en directo, titulado "World wide live" (1985).
Tras un período de retiro en estudio, regresarían con "Savage Amusement" (1988), disco que incluía la balada "Rhythm of love".
Este trabajo obtendría un buen rendimiento comercial pero palidecía en comparación con sus obras anteriores. El mismo año de la publicación del album, actuarían con gran éxito en la URSS, siendo la primera banda de rock occidental en tocar en tierra soviética.
En 1989 caería el muro de Berlín y en 1990 Scorpions publicarían el Lp "Crazy World" (1990), un disco co-producido por Keith Olsen (colaborador de Whitesnake, The Babys, Pat Benatar, Foreigner o Fleetwood Mac) que incluía uno de sus grandes éxitos, la balada con comentario político-social "Wind of change". El single alcanzaría el número 1 en todo el mundo.
Posteriormente publicarían trabajos menores como "Face the heat" (1993), un Lp en el cual ya no estaba el el bajista Francis Buchholz, que sería reemplazado por Ralph Riekermann, el directo "Live bites" (1995), "Pure Instinct" (1996) y "Eye to eye" (1999), últimos dos discos que ya no contaban con la presencia del batería Herman Rarebell (sustituido por Curt Cress y James Kottak) ni con el palpitante sonido de sus mejores trabajos en pretéritas décadas.

Saludos desde el sur

Efebo

Nacido en Belfast el 4 de abril de 1952, Gary Moore, como mínimo, pasará a la historia por ser uno de los mejores guitarristas de hard rock del mundo debido a su paso por Thin Lizzy.

Después de tocar con un grupo llamado The Boys, Moore decide formar una nueva banda, Skid Row, junto al bajista Brendan Shields, el baterista Noel Bridgeman, y el cantante Phil Lynott, el cual formaría Thin Lizzy mientras que Moore grababa un disco junto al guitarrista de los Fleetwood Mac, Peter Green.

Skid Row grabó tres álbumes en su historia antes de que Moore comenzara su carrera en solitario. El primero de ellos sería “Grinding Stone”, de 1973. Lynott por aquel entonces ya había invitado a Moore a tomar parte en el proyecto Thin Lizzy como reemplazo de Eric Bell; Moore pasó a formar parte del grupo durante un corto periodo de tiempo, el suficiente como para realizar su proyecto personal. En 1975 se crea Colosseum II, a la vez que Gary se reengancha a Thin Lizzy pero como miembro de pleno, el primer álbum que graba como tal es “Black Rose” de 1979. A mediados de ese mismo año Durante la gira americana. Moore deja Thin Lizzy para formar G-Force; su single "Parisienne Walkways" del Lp “Back on the Streets”, llegaría a ser top ten de la listas U.K.

Moore graba una serie de álbumes tranquilos, más pop, durante los 80´ consiguiendo uan gran popularidad en U.K. con "Empty Rooms" en 1985 y colabora con Lynot en "Out in the Fields".

En 1989 “After the War” demuestra la influencia celta innata en Moore pero su retorno a las listas de éxito vino de la mano de “Still Got the Blues”. Dejando aparcado el hard rock del que Moore había hacho gala, su vuelve más intimista y comienza su paso por los sonidos tradicionales del blues, dándoles un tono más instrumental y con grandes arreglos vocales. La mayor sorpresa de Moore llegaría con “After Hours”, en el cual tendría la colaboración de B.B. King y Albert Collins, solidificando así la reputación de gran bluesman de Moore.

Saludos desde el sur

Efebo

Mago de Oz

El Mago de Oz comenzó su andadura en 1989, cuando el batería Txus contactó con otros músicos para formar una banda. Tras varios años rotando músicos en la banda, consiguen una formación estable y comienza a tocar en pequeños locales de Madrid, donde su estilo empieza a hacerse notar (sobre todo, la introducción de un violín, lo que permite mezclar sonidos celtas y heavys).

Mago de Oz: Mago de Oz En 1992 el grupo queda finalista del concurso de Rock "Villa de Madrid". Dos años más tarde, en 1994, aparece el primer álbum del grupo, con el título de 'Mago de Oz'. Se trata de un disco autoproducido por los miembros de la banda, y les permite darse a conocer y realizar una gira por todo el país, ganándose el título de grupo revelación de 1995.

Mago de Oz: Jesus de Chamberi En 1996 publican su segundo trabajo, una opera rock titulada 'Jesús de Chamberi', en la que narran la vuelta del hijo de Dios a la tierra en el Madrid de finales de siglo XX. La gira promocional del disco se llamó "Via Crucis Tour" y les sirvió para recabar un enorme éxito en todos sus conciertos, afianzándose como uno de los grupos emblemáticos del rock en nuestro país.

Mago de Oz: La leyenda de la Mancha En 1998 graban 'La Leyenda de la Mancha', ambientación musical de la obre El Quijote, de Miguel de Cervantes. Se trata de su mejor disco, con canciones como "maritormes" o "molinos de viento" que apasionaron a su público. La gira de este disco es la más extensa que Mago de Oz ha realizado hasta la fecha.

Uno de los detalles que hacen de su directo todo un espectáculo es sin duda el gran uso de artefactos pirotécnicos.

En septiembre de 1.999, se reedita su permer álbum, dándole el título de "1º". Para la nueva edición se remasteriza su sonido, pero manteniendo la misma portada y libreto original.

Mago de Oz: Finisterra En el 2000 aparece su siguiente disco, titulado "FinisTerra". Se trata de un doble álbum que trata sobre la historia de un peregrino que recorre el Camino de Santiago en el siglo XVII, pero visto desde la perspectiva de un hombre que encuentra un CD-ROM en el año 2199 en el que se narran las peripecias de este peregrino.

Mago de Oz: Gaia En el 2002 publican "Fölktergeist", un doble álbum en directo con sus mejores temas. En 2003 publican "Gaia", un disco que trata de cómo el hombre destruye el planeta en el que vive.

Tras la publicación del disco "FinisTerra", Mago de Oz recibió numerosas críticas de sus fans más heavys, acusándoles de haberse vuelto muy comerciales y haber abandonado la senda heavy. Lo cierto es que el grupo mantiene su propia forma de hacer la música, mezclando diferentes estilos y heciendo una música más folk.

http://www.todomusica.org/mago_de_oz...de_oz_foto.jpg

Saludos

BON JOVI:

Jon Francis Bongiovi, más conocido como Jon Bon Jovi, nace en 1962 en Perth Amboy, New Jersey. Es hijo de Frank Bongiovi (ex-marine) y de Carol Sharkey (ex-miss). Precisamente es a través de su madre por quien Jon comienza a interesarse por el mundo de la música. En un principio se interesó por la guitarra, y llegó un momento en el que decidió dejar sus estudios definitivamente para ganarse la vida con lo que de verdad le apasionaba: la música.

Junto con un amigo de la escuela, David Bryan Rashbaum, formó la banda "Atlantic City Expressway" que aunque no tenian ninguna canción propia, obtuvieron bastante éxito en los clubes de la zona. Más tarde se cambiarían el nombre por "The Rest", y durante un concierto, acude a verlos el primo de Jon, Tony Bongiovi, que tenía un estudio de grabación de bastante fama, "Power Station", en el que ya habían grabado ilustres grupos y cantantes. Era finales de los 80 y a Jon no acababa de convencerle su situación musical, así que decide irse a vivir con su primo a Nueva York durante un par de años.

No fue una época fácil, ya que en un principio le tocó ser el chico de los recados, pero allí conoció a grandes grupos y cantantes como Queen, David Bowie, Talking Heads, Rolling Stones, the Ramones,.... De todos ellos Jon aprendió mucho en lo que se refiere a composición, producción y todo lo relacionado con la elaboración de grandes éxitos. Fue durante su estancia en Nueva York donde Jon comienza a escribir sus propios temas, de entre los cuales se hallaba "Runaway", en el que Jon aplicó todo lo que habia aprendido y en el que depositó mayores esperanzas.

Consiguió grabarla en los ratos en que nadie hacia uso del estudio, y envió la cinta a varias compañias. Consiguió citar a las que aceptaron verle en un concierto, pero fue allí donde se llevo su primer chasco, ya que resultó ser un completo fracaso debido a que la composición del grupo era de lo más mediocre. Sin embargo no se dió por vencido y llevó una cinta de "Runaway" a la estación WAPP FM, que la incluyó en un disco de nuevos grupos.

Su tema fue muy bien acogido por el público y obtuvo varias ofertas de compañias discográficas. Finalmente, en julio de 1983, firma un contrato con Polygram, quien le da libertad para contratar a los músicos que considere necesarios para la creación de su nueva banda, "Bon Jovi". Jon recluta a su amigo David Bryan y al bajista Alec John Such. A instancia de éste último, contrataron al bateria Hector "Tico" Torres, completando la banda con el guitarrista Richie Sambora.

Su primer disco salió el 21 de enero de 1984 y se llamó "Bon Jovi". En él apareció el tema "Runaway", y fue todo un éxito como grupo de rock duro. Actuaron como teloneros de Kiss, Scorpions o ZZ Top (con ZZ Top actuaron en el Madison Square Garden de Nueva York). Cuando apareció el disco, fue acogido con entusiasmo por los críticos aunque hubo algunos que ya les criticaron el aspecto de brillantina de la banda.

En 1985 publican "7800 Degrees Farhenheit", en el que caben destacar los singles "Only Lonely" y "In And Out Of Love". El disco no obtiene el suficiente éxito y la banda decide ponerse a trabajar en el decisivo tercer albúm.

Participaron en el festival Monsters of Rock el mismo año pero no fue suficiente para dar el salto a la fama con todas las letras. Entre muchas otras cosas, aquel año Jon Bon Jovi descubrió a "Cinderella" e hicieron una gira juntos.

Para su tercer proyecto contratan al productor Bruce Fairbairn, y en el verano de 1986 aparece "Slippery When Wet".

A los habituales compositores del grupo, Jon y Richie, se les unió esta vez Desmond Child. Juntos emprendieron un nuevo estilo de composición. Además, antes de editar el disco, al seleccionar las canciones, Bon Jovi invitó a algunos fans al estudio y les pidieron que pronunciaran su veredicto espontáneo sobre las canciones grabadas.

El trabajo se coloca nada más salir en el nº 45 de las listas mundiales del Billboard. Aguanta en el Top 5 durante 38 semanas y más de 46 en el top 10. Solamente hay en la historia dos que lo habían conseguido antes: Michael Jackson y Bruce Springsteen. En octubre, el disco llega a nº1 en USA y así siguió durante 8 semanas, mientras que "You give love a bad name" ocupa el liderato en las listas de singles. El éxito fue total: 10 veces platino en Canadá, dos en UK, oro en Alemania, España, Italia, Finlandia, Suecia y Japón. La fama llegó a tal punto que Jon firmaba en los hoteles donde se alojaban como 'Harry Callahan' (personaje de Harry el sucio interpretado por Clint Eastwood) para pasar desapercibido.

Los siguientes singles "Wanted Dead or alive", "Livin' on a prayer", y "Never say goodbye", convierten al quinteto de New Jersey en una banda para llenar estadios. Los diez meses de gira programados se amplian a quince. En 1987, Bon Jovi recibieron un American Music Award como mejor banda del año y MTV les premió como mejor banda del año en directo.

"Slippery when wet" está entre los 100 albums más vendidos de la historia en EEUU y es Disco de Diamante (más de 10 millones vendidos).

En agosto de 1988 sacaron a la venta "New Jersey". Un disco cargado de sentimiento en el que se refleja una mayor madurez del grupo, probando nuevos estilos. Originariamente, el disco fue pensado como un doble álbum para el que se disponía de 22 canciones, pero la idea fue rechazada por la discográfica.

La gira que siguió al disco fue tan larga (237 conciertos) que acabó deteriorando físicamente a la banda y la relación entre ellos empeoró por la tensión y el cansancio acumulado durante tanto tiempo.

Entonces circularon rumores de que la banda se habia separado debido a la larga inactividad del grupo, pero en 1992 se volvieron a unir para grabar "Keep The Faith". Supuso una renovación en el estilo del grupo al que algunos llegaron a acusarle de haberse vuelto comercial. Pero lo cierto es que con esta renovación se incrementaron los fans de la banda, llegando a vender diez millones de copias del disco. En Alemania se vendieron 250 mil copias en una sola semana, disco de oro más rápido de la década. En directo llenaron más que nunca en Europa.

En 1995 sale a la luz el recopilatorio "Cross Road" en el que graban dos temas nuevos "Someday I´ll Be Saturday Night" y la balada "Always" que de nuevo les encumbra a lo más alto de las listas. En solo cinco semanas llegaron a vender cinco millones de copias. En esta época Alec deja el grupo y contrata al bajista Huey McDonald para ocupar su lugar.

La culminación definitiva se produce en el mítico estadio Wembley de Londres, donde Bon Jovi reune tres días seguidos a 72 mil personas cada concierto, con localidades agotadas en los tres. Ninguna banda de rock lo había hecho hasta el momento.

El viernes 31 de marzo de 1995 acabó la grabación del sexto álbum de Bon Jovi "These days", aunque el disco no saldría hasta el verano. Hay sensaciones al escuchar un disco y una de las más fuertes fue el inicio de "Hey God" y "I need something to believe in", obra maestra que muestra todo lo que es capaz de dar Bon Jovi hoy día.

En mayo de 2000 y tras 4 años de sequía, lanzan "Crush" con un single que arrasa en todas partes "It´s My Life". El single consigue unas grandes ventas, no así los restantes: "Say it isn't so", "Thank you for loving me" y "One wild night", canción que se aprovecha para lanzar el primer disco en directo del grupo en casi 20 años de carrera. Lo que queda palpable es que la madurez compositiva del grupo aumenta con temas tan diferentes en su repertorio como "Next 100 hundred years", "Two story town", "Older", "She's a mistery", "Save the world", etc.

Las giras en este período son más cortas y hay países, como España, por el cuál se deciden a no pasar.

En el 2002 están inmersos en la promoción de su nuevo disco "Bounce".

Tras la recreación en clave acústica de sus viejos éxitos, This left feels right (2003), Bon Jovi vuelve a enchufar sus guitarras y a deleitar a sus incondicionales con el rock marca de la casa de Have a nice day.

Este trabajo sera el noveno de estudio en la carrera del grupo. Serán doce las canciones que Bon Jovi incluya en este álbum y el primer material nuevo de la banda desde Bounce (2002).

Tras la edición de Have a nice day, Bon Jovi se embarcará en una nueva gira mundial, aunque aún no se han cerrado las fechas de la misma.

Y la Polla Records??
 

Q me decis del mejor exponente del punk rock radikal vasco?? Aupa Evaristoooooooooo!!!

Pos que tienes toda la razon Audimaster, aqui falta La Polla Record

LA POLLA RECORDS:

Todo empieza en 1979 en un pueblo llamado Agurain en Euskadi (o País Vasco), donde un grupo de pibes decide armar un conjunto para poder pasar el rato y así no tener que soportar mas el aburrimiento que los rodeaba por aquellos días. Y como a ellos los influenciaban las revistas y en alguna habían leído que existía un tipo de música que no era necesario saber tocar, se tiraron de cabeza. Al grupo lo llamaron *LA POLLA RECORDS* y lo formaban Evaristo en la voz, Fernandito en la batería, Maleguin en el bajo, Txarly en una guitarra y Sume en la otra guitarra. Si le preguntas a Evaristo de donde salió el nombre del grupo, te dice: "salió porke decíamos mucho "me cagon la polla" y records no sabíamos ke keria decir disco en ingles, ya ke no sabíamos, sino ke se lo pusimos en el sentido de los records de atletismo". Pero ese nombre es el que en España se da a cierto órgano masculino que sirve para orinar o tener relaciones sexuales, y este es el primer ataque a la paquetería. Empiezan a tocar, practican, arman algunos temas, tocan en su pueblo, y en 1981 sacan una maqueta que la presentan en una discográfica, pero no pasa nada, al final no consiguen editarla. En 1983 si consiguen editar con la discográfica Oihuka un EP que se llamo "Y ahora que?" el cual estaba formado solo por cuatro temas. Pero en 1984 sacan su primer LP que se llamo "Salve", con 19 temas que eran una patada en los huevos para el poder, el fascismo, la represión, la hipocresía, la alienación, el autoritarismo, la moda, el consumo y todos los pilares en que se asienta esta maravilla de sistema en el que vivimos. Y seguro que mas de uno se habrá enojado o se habrá sentido ofendido al ver esa tapa con un cura quemando una cruz, que lleva una tijera colgando del cuello para cortarte la pistola por si se te ocurre meterla donde no debes. Después vino "Revolución" (en el cual La Polla tuvo el primer cambio, salió Maleguin y entro Abel al bajo), "No somos nada", "Donde se habla" y "En directo" que lo grabaron en Lakuntza. Siguiendo vinieron discos bárbaros como "Ellos dicen mierda nosotros amen", "Los jubilados", "Barman", "Negro" y "Hoy es el futuro". Acá es donde la cosa se complica ya que desde 1991 una sentencia judicial les estaba prohibiendo terminantemente seguir utilizando el nombre La Polla Records para seguir adelante con el grupo, pero ellos lo siguieron utilizando. Fue Angel, un ex sonidista del grupo quien llevo adelante el juicio. Y cuando la ley falla en contra de ellos, se cagan, y con los huevos bien puestos sacan un ultimo disco mas con el nombre La Polla Records. A este le pusieron "Bajo presión" por la situación en la que los tenían metidos. Después de esto hubo que sacar los discos con el nombre LA POLLA, pero para nosotros sigue siendo LA POLLA RECORDS. Siguió "Carne para la picadora" y vino otro directo "La Polla enturecto". En el 99 festejaron los 20 años con "Toda la puta vida igual..." y su ultimo disco fue "Bocas", en el cual Txarly deja el grupo por razones no muy conocidas, y se incorpora en su lugar Jokin de los M.C.D. Y de hacer el grupo para pasar el aburrimiento hasta acá van 24 años, y siguen igual que siempre protestando contra el capitalismo, el comunismo, las monarquía, Estados Unidos, el Opus Dei, el patriotismo, el machismo, la homofobia, la xenofobia, cierto tipo de sindicalismo, el catolicismo, los militares, algunos punkies y alguna que otra cosa mas. Cuando todo parecía estar en orden el grupo esta pasando por su peor momento, ya que el 3 de Septiembre de 2002 fallecía en su casa Fernandito de un paro cardíaco. La Polla Records suspendió todos sus conciertos que tenia programados para este año, y no se sabe que es lo que va a pasar con el grupo. Si no siguen ya esta bien, nos dejaron bastantes recitales, bastantes discos, y bastantes canciones que nos van a acompañar para siempre. Pero estamos muy atentos esperando a ver que pasa, porque sabemos que aunque Fernandito sea una baja importantísima quizás La Polla pueda seguir y en cualquier momento haya alguna noticia.

Discografía:
Y ahora qué? (1983), Salve (1984), Revolución (1985), No somos nada (1987), Donde se habla (1988), En directo (1988), Ellos dicen mierda nosotros amén (1989), Los Jubilados (1990), Barman (1990), Negro (1992), Hoy es el futuro (1993), Bajo presión (1994), Carne para la picadora (1996), En tu recto (1998), Toda la puta vida igual (2000), Bocas (2002), El ultimo de la Polla (2003)

Gracias yono, eres muy atento.

Aunque luego Evaristo ha seguido, formando tres grupos diferentes con gente de otros grupos (R.i.p), y ha sacado un disco con cada uno de ellos.

The kagas
The Meas
Gatillazo

La verdad, no tienen desperdicio, y aun tocan en directo, y no paran.

Saludos

Será posible que se me halla pasao este hilo sin verlo... soy una pena. Es buenísimo.

Por cierto, un poco tarde, pero me permito añadir unas cositas en la bio de Metallica:

*Jason sustituye a Cliff dejando el liderato del grupo Flotsam and Jetsam.

*Después del accidente de James, durante su convalecencia, en alguna actuación, detrás del escenario, su roadier tocaba por él. De ahí que Hetfield en una entrevista, ante la pregunta: ¿Una de tus frustraciones?, él respondió: "Mi roadier".

*Dave Mustaine (Megadeth) fue guitarra y cantante de Metallica. Fue sustituido por Hammet por su problemas adictivos. Hoy todavía les reclama derechos de autor, de hecho en el primer album Kill'em All, algunos temas están firmados por él. Y el primer GARAGE que grabaron Dave era el cantante.

*La primera actuación de Metallica en España fue en 1987, con el Master, teloneados por Metal Church.


Saludos compis.

TRIANA


El embrión de Triana debe buscarse en Tabaca, formación surgida en 1973 como refugio de músicos curtidos en mil y una aventuras musicales anteriores con desigual fortuna, y creado sin una orientación musical clara. Era fundamentalmente un grupo de supervivencia, y desapareció en el 74 tras algunos singles fracasados.

En sus últimos meses Tabaca, afincados en Barajas, fueron Emilio Souto, Eduardo Rodríguez y Jesús de la Rosa. Los tres cantaban y además los dos primeros tocaban la guitarra. En principio pretendían ser un grupo de armonías vocales estilo Crosby, Stills, Nash & Young, pero sus intereses chocaban con los proyectos de la CBS, que pedían temas tipo "canción del verano".

A falta del hit que les lanzase en el mercado masivo de ventas, se veían obligados a sobrevivir como músicos de estudio, coros en otros discos, etc. A Emilio Souto le surgió la oportunidad de integrarse en el estrafalario proyecto "Desde Santurce a Bilbao blues band" y no lo dudó. Eduardo y Jesús, ambos sevillanos, decidieron volver a Sevilla a intentar una nueva aventura.

Para entender la idea que Jesús tenía para el nuevo grupo es necesario analizar la realidad musical de España en aquella época. En la industria discográfica se concebían como compartimentos estancos el mundo del flamenco (con el respeto unánime y casi reverencial de los músicos españoles y sobre todo andaluces a Mairena y luego al Camarón), el pop español (entonces "música ye-yé", a la búsqueda del hit rápido, como el María Isabel de los Payos, donde había participado Eduardo), y la eterna búsqueda del nuevo Black is black (la canción española de mayor repercusión mundial antes de La Macarena), cantando en inglés y con instrumentación copiada al movimiento beat.

El mismo Jesús había sido cantante en una versión de supervivencia de los Bravos, y no llegó a cuajar porque no sabía prescindir de su deje aflamencado. Y el proyecto para Triana era cantar como él sabía (en Triana me olvidé de aprender a ser cantante y me puse a cantar, declararía años después), y tocar el órgano como él sabía, y que Eduardo tocase la guitarra como él sabía. Y necesitaban un batería que no tuviera que aprender a acoplarse a su música, sino con un aprendizaje previo que le permitiera también hacer lo que ya sabía.

El candidato ideal era Tele, otro sevillano veterano forjado en una larga trayectoria de grupos y estilos, que había coincidido con Eduardo en Los Payos, y que compartía con ambos el gusto por lo flamenco y por lo progresivo. E incluso en principio contaban con los entonces semidesconocidos Lole y Manuel, con los que Tele había empezado a diseñar un proyecto similar.

Según Tele, el espíritu musical de Triana quedaba plasmado en una conversación telefónica "fundacional" con Eduardo, y se resumía en "El Manuel Molina y tú tocáis la guitarra, el Jesús, los teclados y canta, yo a la batería y la Lole de vez en cuando zapateando."

El "rock andaluz" no es por tanto el objetivo inicial. El objetivo es "hacer lo que sabemos" (música callejera sevillana, diría Jesús) pero de los teclados de Jesús y la batería de Tele tenía que salir música progresiva, y con la guitarra española de Eduardo, la voz de Jesús y, en principio, Lole y Manuel, el aire flamenco estaba asegurado.
Lo de Lole y Manuel fracasó tras algunos ensayos. La alternativa fue Manolo Rosa, que si bien no quiso integrarse de pleno en la aventura fue durante casi toda la carrera del grupo el bajista y cuarto Triana a la sombra.

Constituido el grupo como terceto, surgió el nombre a propuesta de Tele ("Chicago son de Chicago y se llaman Chicago, pues yo soy de Triana") y volvieron a Madrid, donde podían sobrevivir con lo justo tocando por muy poco dinero en el Picadilly y algunos locales más.

Pese a las penurias económicas (menos acusadas en el caso de Eduardo, que contaba con los beneficios de su éxito con Los Payos) decidieron financiarse un disco, que grabarían en verano de 1974, con la ayuda de Teddy Bautista, en los estudios Kirios. La aportación de Teddy fue fundamental en los primeros tiempos de Triana. Él los introdujo en Kirios, les prestó el entonces avanzado equipo de teclados y sonidos sintéticos de Ciclos, e incluso les diseñó algunos sonidos de melotrón.

En aquel single (Bulerías 5x8 - Luminosa mañana) quedan definidas las pautas musicales del sonido que caracterizó a Triana: Canción andaluza con guitarra española, voces flamencas y palmas, envueltas en teclados y efectos propios del sonido progresivo a la moda en Inglaterra (Triana, sobre todo Tele, nunca ocultaron su devoción por Pink Floyd). Era un sonido en el que nadie creía (el single fue rechazado por EMI, CBS, RCA, ...) y que encontró refugio en el sello experimental Gong que dirigía Gonzalo Garcíapelayo para Movieplay.

Gonzalo Garcíapelayo sería otro de los nombre clave para Triana. En su avidez por los sonidos nuevos (aceptaba casi todo el material que le llegaba) se animó a producirles un disco de larga duración sin esperar a comprobar el fracaso del single. El resultado es Triana, disco que con el paso del tiempo es rebautizado como El Patio, pues así fue conocido popularmente, debido a la portada dibujada por Máximo Moreno.

El disco ha quedado como una de las grandes obras del pop español, pero su éxito fue un proceso lento. La falta de promoción en los medios hizo que pasara desapercibido. Triana sobrevivieron a base de mucha actuación en directo y alguna esporádica participación como músicos de estudio (a destacar la contribución al primer disco de Benito Moreno, sobre todo en aquella canción censurada sobre la huida del Lute, donde el trabajo es sobrio, sin alardes, pero excelente).

La salida del anonimato se fue produciendo por sí misma. Fue un caso de promoción callejera espontánea. Los que veían a Triana en alguna de las muchas actuaciones de 1975 hablaban unos con otros de "un grupo flamenco que suena como King Crimson". Los singles podían escucharse en los bares y pubs (una maniobra comercial usual era regalar singles a los propietarios de establecimientos con sinfonolas "de un duro", y hasta el tercer disco puede decirse que éste fue el único apoyo promocional que recibieron de la compañía); y las ventas fueron creciendo de forma moderada pero sorprendente.

1976 comenzó con la presentación de Triana en Madrid, con llenos en las discotecas MM y Argentina, habituadas a actuaciones de rock duro. El "mito" Triana comenzaba a adquirir entidad, aunque de momento sólo a nivel marginal. Y las ventas del disco seguían, muy lentamente, creciendo. El año transcurrió entre mucha actuación, trabajo como músicos de estudio, y la preparación del que habría de ser en 1977 su segundo larga duración.

Éste se titulará Hijos del Agobio. Otra gran obra que, además, cuida mejor los aspectos comerciales que El patio. La canción elegida como single (Rumor) resulta de fácil escucha y temática muy actual en el fin del franquismo ("la guitarra a la mañana le habló de libertad"), y pese a no ser radiada, pronto se convirtió en una de las canciones habituales de las sinfonolas. El L.P. se vendió mejor que el anterior, y arrastró a éste en las ventas, pasando a ser ambos los más vendidos y quizá los únicos rentables de la serie Gong.

1978 sería un año clave, no ya para Triana, sino para todo el movimiento emergente de rock español. Si bien la serie Gong era comercialmente un fracaso, algunas compañías apreciaron posibilidades de futuro a la música hecha en España, con grupos españoles, y algunas discográficas repitieron la experiencia de Movieplay, creando catálogos subsidiarios para editar a los nuevos grupos bajo sello claramente diferenciado del principal.

La cabeza visible del movimiento fue Vicente Romero, que hizo en el sello Chapa de Zafiro, y con más fortuna, lo que Gonzalo Garcíapelayo había hecho tres años atrás con Gong en Movieplay. El mercado se llenó de discos de rock español, y nombres como Asfalto, Bloque, Leño, Cucharada, Coz, ... empezaron a hacerse un hueco en el mercado.

Unos y otros (los de Gong y los de Chapa), con ilustres nombres añadidos, como Miguel Ríos, se embarcaron en una exitosa gira promocionada por la marca de vaqueros Red box (Las "noches rojas"). La marca de vaqueros exigía la presencia de Triana, con libertad para el resto de nombres.

Era el momento de apostar por la promoción masiva con ciertas garantías de éxito. Para el tercer disco la compañía se volcó: Jingles en la radio, anuncios en periódicos y revistas, actuaciones en Aplauso, Pop-grama, El gran musical... , y un single "promocional - prohibida su venta" para regalar por todas partes.

Aquel single fue un pleno acierto. Recuerdo aquellas mañanas del verano de 1979, después de jugar al tenis con mi hermano, subíamos a la cafetería de la ciudad deportiva a cumplir con el ritual: refresco y un duro a la sinfonola a escuchar "Una historia". Después, buscando el single por todas las tiendas, sin saber que no estaba comercializado. Terminé haciéndome con el L.P. Sombra y luz.

Sombra y luz fue la primera explosión comercial de un disco español. Trescientas mil copias vendidas aquel verano, y un fuerte impulso a los anteriores, hicieron de Triana el grupo español por excelencia. La apoteosis fue el 30 de septiembre. Tras una semana siendo machacados por la SER con aquello de "Domingo por la mañana... Triana" para promocionar el acto de entrega de los tres discos de platino en el Parque de atracciones, nos juntamos allí más de treinta mil personas abarrotando el auditorio, los tejados, los árboles... y una actuación para la historia. La anécdota de la jornada la protagonizaron Leño, invitados a recoger un premio, a los que se preguntó por el mejor grupo español del momento. Todos entendimos que el guión estaba preparado y la respuesta "Triana" era obligada; y Rosendo y sus muchachos respondieron: "Tal vez Cucharada" (aprovecho estas lineas para recordar aquel magnífico "El limpiabotas que quería ser torero", y alegrarme de que 13 años después Manolo Tena tuviera por fin el éxito que merecía con el disco Sangre española.)

Los años siguientes Triana se dedicaron a aprovechar el momento. De sacar un disco cada dos años, nos encontramos con tres (y uno de ellos doble) entre 1980 y 1981. Descuidan los aspectos más artísticos, prescindiendo del productor, del portadista, ... y hacen una música más "blanda" y asequible, con temas estrella como "Tu frialdad" o "Una noche de amor desesperada" concebidos para sonar por la radio y vender. Pese a las masivas ventas todo el mundo está de acuerdo en que Un encuentro (1980), con algunas magníficas canciones, tiene demasiadas que suenan a relleno. Y el de 1981, titulado simplemente Triana, es lo peor grabado por el grupo. Entre medias, la recopilación "Quinto aniversario" cumple la función de todas las recopilaciones sin aportar nada nuevo.

1982 fue un año en blanco. Más preocupados por sus pequeñas fortunas que por su música, Triana dejaron que otras propuestas musicales se adueñaron del mercado. En el 83 hubo un tímido intento de renacer, pero que solamente nos convenció a medias a los fans, que vimos con satisfacción como en el disco Llegó el día se recuperaba algo la inspiración con respecto al anterior (lo cual tampoco tiene excesivo mérito). El gran público, más objetivo, simplemente lo ignoró.

Nunca sabremos si Triana se habría recuperado. Tampoco si Jesús de la Rosa habría tenido éxito en su proyectada carrera en solitario (posibilidades tenía, pues los mejores momentos de sus últimos discos se deben sobre todo a su magnífica voz y su cadencia al cantar). Un accidente de tráfico el 13 de octubre de 1983 acabó con la vida de Jesús, y con él se enterró aquel magnífico movimiento musical, ya en crisis, que vino a llamarse rock andaluz (y que renacería a lo largo de los 90 con la magnífica "segunda carrera" de Medina Azahara)

A partir de aquí, una historia que se repite en todos los casos similares: Necrofilia; intentos de vender todo lo vendible; disputas por el reparto del legado. Un curioso disco póstumo (Tengo que marchar) con instrumentación añadida a una grabación casera de la voz de Jesús de antes de El patio, hubo de ser retirado del mercado por problemas legales (algunas canciones eran esbozos de otras posteriores sobre las que los derechos los tenía Movieplay). De una grabación privada con sonido infame de un concierto de 1981 salieron dos versiones distintas de un disco en directo con fotos del parque de atracciones en la carpeta.

Movieplay (hoy Fonomusic) siguió con reediciones y recopilaciones periódicas. Al mes de morir Jesús se publicó una caja con los cinco primeros discos. Esta colección se reeditó en 1988 a la vez que vieron la luz los seis discos agrupados de dos en dos en tres CD. En 1991 salió otro doble recopilatorio titulado "Triana 92 - 18 años de música", que se vio seguido por "18 años de música Vol. II" en plena fiebre Sevilla 92. En 1995, la sorpresa: Una nueva recopilación, ésta vez en formato de doble CD. Titulada como aquel single promocional mítico: "Una historia", vendió más de cien mil copias. La selección de temas resulta muy adecuada, y además la tecnología digital obligaba a los nostálgicos (que somos muchos) a renovar los viejos vinilos destrozados por las agujas. Algo parecido puede decirse de la recopilación de finales de 1997 "Una historia de la luz y de la sombra", concebida como complemento de la anterior (entre ambas cubren todos los temas de Triana salvo 8 muy poco representativos) y orientada para ser uno de los regalos de moda el día de San José para los seguidores de Triana, convertidos en respetables padres de familia veinte años después.

No puedo terminar estas líneas sin una breve referencia a la aventura musical de Tele, el batería, que en 1994 decide juntar a un puñado de eficientes músicos, y embarcarse en una gira con el nombre Triana, repasando el repertorio clásico del grupo y añadiendo alguna canción nueva. Si bien los fans hubiéramos preferido que eligiera otro nombre, lo cierto es que sonaron muy bien, y como al parecer Tele tiene derecho legal a usar el nombre, parece lógico que, medio arruinado y con más de cincuenta años, decida beneficiarse del mito que ayudó a crear.

El resultado discográfico de la aventura es "Un jardín eléctrico" (1997). Es un disco curioso, en el que, más que a Triana, se parecen a aquellos grupos sinfónicos de los primeros 70 que les inspiraron. En el 98 repetiría con "En Libertad", que recoge algunos temas del anterior añadiendo otros nuevos, y se acompaña por "Jesús de la Rosa. Grabaciones inéditas", una remezcla de 7 de los 8 temas de aquel polémico disco póstumo "Tengo que marchar". No obstante, parece justo no considerar ni "Un jardín eléctrico" ni "En Libertad" discos oficiales de Triana, sino de la discografía de Tele.

Esta es, resumida, la historia de uno de los grupos musicales decisivos a la hora de hablar de rock español. Un grupo que no puede volver, pero cuyos "Abre la puerta", "En el lago", "Rumor", "Quiero contarte", "Una historia"... pueden seguirse escuchando.

[B]Texto tomado del número seis de la Revista Almiar[/B]


[B]ALGUNOS COMENTARIOS[/B]:


EDUARDO LÓPEZ GARCÍA - HISTORIA DEL ROCK - EL PAÍS SEMANAL
Triana no hizo una música bailable ni divertida, pero fue el acompañante ideal para ese hippismo retardado que se desarrolló con fervor en España desde la mitad de los setenta hasta los primeros ochenta, al que se apuntaron muchos jóvenes de todos los rincones de España. Los temas de búsqueda, ilusiones, sueños, libertad, Sol y amor, entonaban perfectamente con una cultura colectiva e idealista, que contaba también con el porro, la absenta y el saco de dormir como complementos. Pero fueron también algo más, y lograron -especialmente en sus primeras obras- unos resultados convincentes en los seculares intentos de fusión del pop y el rock con los ritmos hispanos.



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JOAQUÍN LUQUI - CARPETA DE LA RECOPILACIÓN UNA HISTORIA
Triana fueron pioneros y maestros de ese movimiento que hizo posible, con la música, el salto de una etapa represiva a una nueva realidad donde los problemas existían pero era más importante la ilusión de un naciente espíritu democrático. Y las canciones de Triana reflejaban ese ambiente interno y exterior como nunca hasta entonces había logrado ningún otro grupo español.
Hoy, ahora, aquel sonido de Triana sigue manteniendo la chispa y la magia de una época imborrable para millones de españoles. Pero, en los noventa, su importancia es aún mayor porque la feliz nostalgia de una época de libertad, ilusión e imaginación se completa con la certeza de que aquellas canciones no han sido superadas. Y siguen siendo válidas para aquella generación y los nuevos oídos ansiosos de aquel delirante derroche de emoción ...



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ÁNGEL VÁZQUEZ - DIARIO DE CÓRDOBA - 1995
Triana puso en pie un estilo que derrochaba calidad artística, tomando como influencia simplemente las calles de Andalucía. Con estos postulados se convirtieron en un mito fundamentado en la perfecta fusión entre el rock progresivo y las raíces andaluzas.



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ÁNGEL GUILLÉN DEU - EN ALGÚN LUGAR DE INTERNET
Sin duda la muerte de Jesús de la Rosa, dejó huérfanos del todo a un movimiento tan original como estupendo de música hecha en España.



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LUIS MARTÍN BARRIGA - POPULAR 1 - 1979
Triana, uno de los grandes del pop español, es el único grupo que ha conseguido canalizar las inquietudes del pueblo andaluz y a su vez hacer algo tan difícil como la transacción y adecuación del flamenco al rock. Sólo nos queda esperar que, paralelamente a la evolución de su música, en sus presentaciones en directo Triana, o más bien su cantante, no tenga necesidad de leer las letras de las canciones. Que eso está muy feo ¡Leñe!



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EL GRAN MUSICAL - ABRIL DE 1979
Fue algo alucinante, tremendo, porque el Parque de atracciones tuvo el mayor, sí, el mayor lleno de su historia. El mayor lleno en toda la historia del parque con chavales, sobre todo, que tuvieron que colocarse en los lugares más inverosímiles, en los tejados, incluso en los árboles, allá donde podía encontrarse un hueco desde donde ver la actuación ...



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JORDI TARDÁ - POPULAR 1 - 1979
Triana no es un grupo. Es un timo que no se aguanta ni en sus discos ni en sus actuaciones, auténticos fiascos ...

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JOSÉ MARÍA SAGRISTA (GUITARRISTA DE APOYO DE TRIANA EN DIRECTO)
Triana es el grupo con el que he visto más comunicación con el público en mi vida. También se me viene el haberme recorrido toda España con Jesús en el coche, que era el conductor más malo que yo he visto en mi vida.

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LUIS MARTÍNEZ - EL PAÍS DE LAS TENTACIONES - 1995
Lo suyo era música callejera del barrio que vio nacer a Juan Belmonte. De paseo por su patio levantaron tal polvareda que desde entonces quedó inaugurado el rock andaluz o con raíces.



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JOSÉ MANUEL COSTA - EL PAÍS (el día después del fallecimiento de Jesús de la Rosa)
Durante años fueron los únicos, y todos los que vinieron después no hicieron sino desarrollar a su modo esa fórmula básica.

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EMILIO SOUTO - (EX-COMPAÑERO DE JESÚS Y EDUARDO EN TABACA)
Nada. Absolutamente nada. Importancia musical, cero. Importancia de sus textos, cero. El asunto fue sociológico. Triana tuvieron la suerte de caer en un momento dado ahí, igual que podían haber caído en la guerra de Bosnia.

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MANGLIS (GUITARRISTA DE GUADALQUIVIR Y COLABORADOR DE TRIANA)
Eran tres sevillanos con mucha guasa encima, mucho golferío y mucha escuela. Mucha maestría, muchos golpes, muchos chistes. Muchos...

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LUIS TROQUEL - ROCK DE LUX - 1990
A pocos se les escapa la influencia de Triana sobre la fórmula triunfadora de El último de la fila, y si bien éstos han limado muchos de sus errores, también es verdad que Triana alcanzaron cotas de inspiración todavía mayores, y además, fueron efectivamente los primeros.

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XAVIER CERVANTES - ROCK DE LUX - 1995
Talentos como el de Jesús de la rosa ha habido muy pocos. ÉL creó a partir de discursos musicales pretenciosos, oscuros y malolientes, pero los transformó en una fuente luminosa cubierta por una enredadera que nunca sabemos hasta donde pudo trepar.

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KIKO VENENO
El primer disco fue impactante. Me impactó como metían la batería y el órgano por esos aires flamencos. Los demás no me gustaron.

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MÁXIMO MORENO (PORTADISTA DE LOS PRIMEROS DISCOS DE TRIANA)
El nombre de Triana me sugiere una época un poco truculenta. Pirá en algunas cosas... a mí es que me han pasado muchas cosas y Triana significaba parte. Al principio sí, estábamos casi todos los días juntos. Estuve en la grabación de los tres primeros discos. Hace poco estuve en Chiclana y había un bar que lo tenía puesto todo el día, y ahora me entristece escucharlos. Esa voz de Jesús, esa evidencia musical y esa cadencia que tenía Triana me deja un poco melancólico. Es lo que siempre pasa. Es como el Betis, que puede ser pero a última hora siempre pasa algo.

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PEPÍN FERNÁNDEZ (TÉCNICO DE SONIDO)
Eran unos tíos superrarísimos en todos los sentidos. Musicalmente eran muy diferentes a todo lo que se hacía. El trato con ellos, el lenguaje que traían: "Oye tío". La primera vez que oí la palabra "tío" fue con ellos. Eso estaba muy bien

M A R E A

El principio

Corría el invierno del 97 cuando un servidor, Kutxi Romero, después de haber pasado los últimos cinco años cantando en bandas de Berriozar como los punkis A. T. Z o los trashers Kintal y harto de darme cabezazos contra todo, decido montarme mi propia pelicula, una banda acorde a mis gustos con gente que le guste el rokanrolillo de siempre, el de tó la vida, sin ansias de innovar y pasando de las nuevas tendencias que por esos días inundan el paisaje musical de Iruña.


Para ese fin decido llamar a Alen Ayerdi, ex batería de Begira que, aunque ya está embarcado en un proyecto llamado El Nido Del Cuervo , no duda en unirse a mi dado el buen rollo existente entre nosotros y la similitud en los gustos. Seguidamente me pongo en contacto con Edu Beaumont, conocido por estos lares como El Piñas, un macarrilla que había conocido hacía un año y que, a pesar de no haber tocado anteriormente en ningún grupo, mi amistad con él me hace insistirle en que toque el bajo conmigo, al final accede y es quien me pone en contacto con César Ramallo, un coleguilla suyo con el que no tengo mucho trato pero que me cae bien a la primera y su ilusión por entrar en la banda hace que lo trinquemos de guitarra.

Con la banda casi formada, decido que tenemos que coger a otro guitarra, pero no un cualquiera, sino alguien que tocara de verdad, que se encargara de la parte solista y que le diera brillo a los temas, vamos, un fierilla, y para eso hablo con David Díaz, alias el Kolibrí, prestigioso guitarrista con el que ya había tocado anteriormente y que sabía que era el refuerzo perfecto para nosotros cuatro, que, aunque rabiosos y con ganas, nuestros conocimientos musicales distaban mucho de los suyos. Al Kolibrí, aunque en esos días anda como loco con su banda de Soul, The Forrest Band , y liado con mil grupos y proyectos, le gusta la idea y el 24 de Diciembre de ese mismo año, a la par del nacimiento del hijo de un Dios que nos cae un poco lejos, nace La Patera.

Lo de siempre
Si titulo a esta parte 'Lo de siempre' es porque lo que sucedió en los siguientes meses es lo de siempre, osease, muchos ensayos, hacer temas, muchas risas, días guapos de colegueo y de hacer que aquella historia sonara,compaginar los ensayos con el curro, conversaciones llenas de sueños e ilusiones sobre lo que podría pasar, etc.., pero con la diferencia de que, modestias aparte, no sé, aquellas canciones hechas con la fuerza de lo veinteañeros que somos, pasadas por la criba de los detalles de Kolibrí y las potentes bases ritmicas con las que contábamos rezumaban fuerza y feeling, eran distintas a todos los rokanroles, más rapidas,las letras, yo que sé, pero yo cada día me lo creía mas y los demás también. En Junio del 98, y con media docena de canciones, ya nos pica el gusanillo de tocar por ahí y empezamos a dar una serie de conciertos por la zona que hacen que poquito a poco se nos vayan uniendo más adeptos y que pensemos seriamente en hacer una grabación. Así que la primera semana de Febrero del 99, con ocho canciones, cuatro pelas, mogollón de curro en los temas y más cara que espalda nos metemos en los estudios Sonido XXI de Esparza de Galar (Navarra), dispuestos a grabar en cinco días nuestro primer disco ante el estupor de los técnicos del estudio, los hermanos San Martín, que se hartan de decirnos que eso no es un disco, que es una maqueta y que con eso no vamos a ningún lado, que nos lo quitemos de la cabeza, que eso no es un disco, que está grabado en muy poco tiempo,que si patatín, que si patatán, pero nosotros, todo cabezones,supecontentos con el sonido y la calidad de la grabación, lo autoeditamos en una pequeña tirada de 500 copias decididos a darle la brasa a todas las discográficas, ya tenemos nuestro primer disco, lo titulamos ***.

Se lía parda
Con el disco en la mano decidimos ponerlo a rular por los satelcenters de Iruña y a venderlo de mano en mano y, Alén, tirando del Internet del vecino,consigue las direcciones de un montón de discográficas a las que se lo hacemos llegar con la esperanza de que alguien nos haga caso. Los resultados no tardan en llegar, el baranda de BMG, una multi, me pega un toque diciéndome que si el disco le ha molao mogollón, que está de puta madre y que nos quiere hacer un contrato lo antes posible, total, que a los dos días se presentan dos tíos de Madrid con unos contratos para cinco discos dispuestos a que los firmáramos ese mismo día.

Nosotros estábamos giñaos y escépticos a la vez, por todo eso que se oye que las multinacionales son todos unos hijos de puta, que como les firméis os pueden arruinar la vida, que andaos al loro que eso es un mundo de lobos, así que cogemos el contrato y se lo llevamos al jefe de otra compañía de discos que también estaba interesada en nosotros y, con cara de lo que somos, unos pardillos, le suplicamos ayuda, que qué hacíamos. Este señor, que tranquilamente nos podría haber mandado a la mierda, se deshizo en atenciones y se miró los contratos de pé a pá, alentándonos a que lo firmáramos y a tirar palante, que coño, que somos jovenes, joder, y si acabamos a navajazos con todos, pues mira.

El 22 de mayo del 99 firmábamos un contrato con BMG/RCA para un porrón de discos, nosotros, los kinkis de Berriozar, tócate los cojones.

Con la compañía
La compañía quiere editar a nivel estatal el disco que hemos grabado tal como está, sin remasterizarlo ni tocarlo ni tonterías de esas, lo cual a nosotros nos parece de puta madre, pero nos comentan que, si no tenemos el nombre registrado, que lo registremos, no vaya a ser que tengamos algún problema, que nos podemos meter en algún berenjenal, pues nada, cual es nuestra sorpresa cuando, al ir a registrar el nombre, nos enteramos que ya hay un grupo en Melilla que se llama La Patera. Localizamos al susodicho grupo y nos enteramos de que no son un grupo muy estable, que lo hacen por juntarse y eso, pasar el rato, así que les pedimos a ver si nos pueden ceder el nombre. Nanai. El nombre es suyo y que nos busquemos la vida. Joder que putada. Pues nada, nos cambiamos el nombre, si el disco se titulaba *** ahora se titularía La Patera, y si antes nos llamábamos La Patera, ahora nos llamaríamos ***, y *** se quedó, por eso del mareo de nombres.
Total, que con el disquillo en la calle, nombre nuevo y todas las ganas del mundo se nos ofrece la posibilidad de hacer una minigira con los sevillanos Reincidentes, con los que haríamos ocho conciertos a nivel estatal en el mes de Septiembre y en los que conoceríamos a gente como los Narco o los Porretas .
Cuando terminan los bolos con los Reincidentes volvemos al norte y nos liamos a tocar por todos los sitios de Euskal Herria que nos llaman, con mogollón de conjuntos de aquí como Buitaker, Etsaiak, Soziedad Alkoholika, La Polla y otros muchos grupos que no ponemos porque no nos cabrían todos.


Las relaciones con la multinacional de los cojones no van ni medio bien, así que en Abril del 2000 deciden que sobramos en el panorama de Joaquines Sabinas y Niñas Pastoris y directamente nos mandan a tomar por culo, sin palmadita en la espalda ni ná, de puta madre, se acabó la tontería.A la semana siguiente firmamos con GOR, una compañía de Iruña que siempre nos ha tratao bien. Así que a últimos de Julio nos metemos a grabar nuestro segundo disco, al que titulamos Revolcón.

El Revolcón
El día 15 de Septiembre de 2000 sale a la calle Revolcón, después de que durante unas semanas previas estuviera sonando en la radio el single Barniz, que tuvo una gran aceptación y creó tal expectación que a la firma de discos que hicimos el día de salida acudieron casi oscientas personas. La verdad es que GOR estaba haciendo una campaña de promoción muy buena y nosotros nos estábamos pateando todas las radios y fanzines habidos y por haber vendiendo la moto.

Enseguida nos liamos a hacer una gira estatal con Flitter que se salda con casi setenta conciertos por todo el estado, ochenta mil kilómetros de furgoneta y una cosecha de seguidores que se va incrementando en cada concierto. Estamos contentos y ufanos, así que cogemos todos los convencionalismos que conlleva el tener un trabajo que por estas fechas no hace más que molestarnos y los tiramos a tomar por culo. Ahora, cuando las familias nos preguntan a ver donde estamos currando les decimos que somos músicos, que queda mejor que decir que estamos en paro y que sacamos dos mil duros cada uno por bolo.
Más vale comer poco y cagarlo a gusto.

Se jodió lo de GOR
Con todo el follón farandulístico que hemos tenido durante todo el 2001 no le hemos hecho mucho caso a la compañía, así que nos damos cuenta de que llevamos unos cuantos meses sin saber de ellos, no tenemos ni idea de cómo han ido las ventas y cuando llamamos nos responden con evasivas así que nos empezamos a oler que nos están tangando otra vez.

Hacemos una reunión con GOR en la que nos liquidan cuatro perras de royalties y de la que salimos con ganas de pegarle fuego a todas las compañías de discos y a su puta madre. Así que decidimos cambiar de casa de discos. Vamos barajando la posibilidad de grabar con DRO, que aunque a sabiendas de que nos van a volver a torear, por lo menos nos da unos adelantos con los que poder pasar el invierno mientras preparamos lo que será el tercer disco.

A Madrí
Así que durante los meses de Octubre y Noviembre de 2001 vamos negociando un contrato de un par de discos con DRO, todo mediante abogao y papeles, nada de tratos personales que lo único que nos han reportado ha sido cara de **********. Todo muy burocrático y muy asqueroso, pero visto lo visto no hay otra.El romanticismo en el rokanrol ha muerto hace tiempo, y nosotros sin enterarnos, me cago en dios.
Llegamos a un acuerdo y, en Febrero de 2002, a las órdenes de Iñaki "Uoho" Antón, guitarra de extremoduro y Platero y Tú, nos metemos a grabar nuestro tercer disco, al que titularíamos Besos de Perro. Durante dos meses estuvimos encerrados en casa del Uoho haciéndole madrugar, cosa a la que no estaba muy acostumbrado, y se involucró de tal manera en el disco que el resultado es inmejorable.
Iñaki nos hizo cumplir con su trabajo un sueño que para nosotros ya es inolvidable. Nos enseñó que había puertas a las que sólo hay que empujar un poco para que se abran. Aprendimos más con él en dos meses que lo que habríamos aprendido estudiando libros de rokanrol en toda la puta vida. Iñaki fue un miembro más del grupo durante la grabación. El también fue un ***. Se le puso cara hasta de albañil. Así que su rúbrica, además de en los créditos y en el sonido del disco, también estará en nuestros corazones para siempre. Además, se arrimaron para colaborar el Robe y el Fito, Martín Romero, (cantante de Bathoo, que ya había colaborado en el de La Patera), Arantza Mendoza y un montón de ompadres, haciendo de Besos de Perro el disco más completo de los que teníamos hasta la fecha. El copón.El disco salió a la calle el día 22 de Abril del 2002, día que empalmamos con una gira de ocho meses en la que hicimos ochenta y un conciertos por todo el estado. Además fuimos a Mallorca, tú, siendo la primera vez que nos montábamos en un avión para ir a tocar. Joder, como los Roling, compadre.Sin darnos cuenta se nos iba acumulando un cansancio mental que no nos hacía disfrutar de nuestra posición privilegiada de comer del guitarreo. Nos estábamos cansando de tocar. Peligro. Demasiados conciertos. Demasiados kilómetros. Nos dimos cuenta de que en cinco años no habíamos parado, que habíamos actuado más de doscientas veces y de que era hora de hacer un punto y aparte. Era hora de parar un poco. De pensar a ver que íbamos a hacer. Decidimos que el día 28 de Diciembre del 2002 haríamos el último concierto de la gira 2002 días de perros Tour. Ese día, junto a Silencio Absoluto, Fito Cabrales, Uoho, Alfredo Piedrafita, el Drogas, Martín Romero, Iker Dikers y ochocientas personas que llenaron la sala Artsaia, nos despedíamos de los escenarios. Lo que no sabíamos era hasta cuando.

Las riadas del invierno nos inundaron el local de ensayo, así que con la guita que habíamos ahorrado durante la gira decidimos fabricarnos uno propio y dejarnos de alquileres y de ostias. Venga, de perdidos al río. Y nunca mejor dicho. Nos hicimos un local elegante, compadres, cambiamos durante cuatro meses las guitarras y la batería por una hormigonera, ladrillos, escombro y un montón de horas de doblar la chepa. A la vez no parábamos de componer. Venga a hacer canciones. Pero ésta vez sin la presión de ensayar los temas viejos ya que no pensábamos tocar en directo hasta que hubiéramos hecho un disco nuevo. Un disco guapo. Nosotros, en contra de lo que pueda pensar la gente, somos bastante ceporros, así que nos costó casi todo el año 2003 hacer una docena de canciones que nos convencieran. Pero las hicimos, vaya que sí. En Octubre de ese año ya teníamos acabado el disco y el local de ensayo. Además de los riñones hechos un cristo, claro.
Al Kolibrí el asunto de la producción de discos siempre le había gustado. De hecho, todas las maketas y preproducciones las habíamos hecho en su miniestudio casero. Un día, en el ensayo, se puso muy serio y nos dijo que el disco nuevo se lo quería producir él mismo. Pues olé tus huevos pelonchos, le dijimos. Y el día nueve de Diciembre del 2003, bajo su batuta y con la ayuda de la sonrisa y el buen hacer de Aitor Ariño, empezamos a grabar, en los Estudios Lorentzo Records de Berriz nuestro ¡cuarto disco!, joder como pasa el tiempo.

BAD RELIGION

La historia de Bad Religion se remonta a finales de los 70, con el traslado de la familia de Gregory Walter Graffin a Los Angeles. En un año ya era parte del nuevo movimiento Punk, conoció a los otros miembros del grupo y grabaron su primer EP Bad Religion, que salió a la venta en 1981 bajo su nueva propia casa discográfica Epitaph records. El grupo en ese momento lo componían Greg Graffin (voz), Jay Ziskrout (bateria), Brett Gurewitz (guitarra) y Jay Bentley (bajo). No tardaron en grabar su primer LP How could hell be any worse, lo hicieron en 1982 gracias al dinero del padre de Brett. Vendieron más de 10000 copias, convirtiéndose en todo un clásico en la escena punk de Los Angeles. De él han salido grandes clásicos como "We're only gonna die" o "Fuck Armageddon…this is hell". En la batería Pete Finestone sustituyó a Jay Ziskrout y Greg Hetson de los Circle Jerks entró como segundo guitarrista tras grabar el disco. 1983 no fue un buen año para la banda, empezaron a jugar con los nuevos sintetizadores. De ese juego salió Into the Unknown, el peor disco de Bad Religion, no era un disco de punk-rock, con él perdieron a sus seguidores y provocó la separación del grupo. Greg Graffin continuó sus estudios, que posteriormente le llevarían a conseguir un master en geología y el doctorado en biología evolutiva. En 1984 Hetson propuso a Graffin poner en marcha el grupo otra vez, y éste accedió. Con Hetson, Finestone y un nuevo bajista, Tim Gallegos, grabaron un nuevo EP Back to the known, en el que volvía el sonido que Bad Religion ofrecieron antes de Into the unknown. A destacar de ese EP la magnífica "along the way". Brett se estaba dedicando a trabajar en Epitaph, y vio a Bad Religion como la mejor manera de lanzar el sello al éxito. Entonces en 1985 Jay Bentley y él mismo volvieron al grupo, preparando así su próximo álbum. Se puede considerar a Suffer (1988) como su primer gran lanzamiento. El primero en el que ya se aprecia el llamado 'Bad Religion beat', punk de alta velocidad con melodía. La diferencia con respecto a sus anteriores lanzamientos es notable; hay clásicos irrepetibles como "Do what you want" o "Suffer". En 1989 llegó No Control y en 1990 Against the grain. Junto a Suffer, completaron una trilogía inigualable. Estamos en 1998 y todavía nadie ha conseguido combinar tan bien punk y melodía. Hay grupos más punk, más rápidos, más potentes, más cool, más famosos, más payasos,… que Bad Religion, pero nunca nadie compondrá melodías como lo han venido haciendo Graffin y Mr.Brett en los últimos 18 años.
En 1992 apareció Generator, de la aparente simpleza del sonido Bad Religion (punk + melodía) empezó a evolucionar un sonido personal. Eran canciones más largas, más trabajadas pero con la brillantez habitual. Hubo un pequeño cambio en la bateria, Bobby Schayer sustituyó a Pete Finestone. La popularidad de la banda estaba creciendo rápidamente gracias a bombazos como "Generator" o "Atomic Garden". Recipe for hate (1993) fue, en mi opinion, una obra inferior a Generator, pero gracias al hit "American Jesus" y unas cuantas buenas canciones en las que colaboró Eddie Vedder de Pearl Jam, continuaron con su marcha imparable.
Y llegó la polémica. Epitaph utilizaba todos sus limitados recursos en Bad Religion y no prestaba la suficiente atención a otras bandas que tenía contratadas (Nofx, Rancid, Offspring, Pennywise,…). Los miembros de Bad Religion (incluido Brett), decidieron marcharse a otro sello. Acabaron en Atlantic (Sony en Europa), siendo acusados de vendidos, por el simple hecho de marcharse a un sello que les garantizara una buena distribución ya que en Epitaph no daban a basto. No hay duda de que hoy en día Bad Religion podrían grabar en Epitaph, pero en 1993 el sello de Brett no era el imperio que es ahora. Con la marcha de Bad Religion Epitaph explotó sobre todo gracias al Smash de Offspring y otros grupos como NOFX o Rancid (gracias a grandes discos, todo hay que decirlo) empezaron a vender discos como churros. De los éxitos de estas bandas han surgido nuevos sellos que dominan el mercado del punk actual. Por ejemplo tenemos a Fat Wreck Chords de Fat Mike (NOFX) que ya es casi tan grande como Epitaph, gracias a buenos grupos como Snuff, Lagwagon, No use for a name, Strung out, etc…
Mientras Bad Religion no pudieron responder mejor a la estúpida polémica, Stranger than fiction (1994) uno de sus mejores discos. Mr.Brett anunció su marcha del grupo para dedicarse únicamentea Epitaph, y se despidió a lo grande. Un disco que ha sido el disco más vendido de Bad Religion y no es de extrañar ya que aunque las canciones de Brett en este disco son inmejorables, Graffin tampoco se quedó atrás y juntos hicieron esta obra de arte del hardcore melódico. Qitando alguna canción como "televisión" . Tras girar con el grupo durante 1994, Mr.Brett se despidió y el grupo contrató a Brian Baker. Uno de los guitarristas más legendarios del punk americano (Minor Threat, Dag Nasty, Junkyard, Meatmen, etc…). Bad Religion había perdido un gran compositor. Toda la responsabilidad de las composiciones cayó sobre Greg Graffin. En 1995 Epitaph publicó por su cuenta el recopilatorio All Ages, que provocó el primer enfado entre Brett y sus ex-compañeros. En 1996 apareció the Gray Race, bajo la sospecha de que Graffin no podría escribir el álbum entero. Pues lo consiguió, creo que el disco no llegaba al nivel de su predecesor pero era otra maravilla. Nunca Bad Religion había sonando tan bien en estudio. El álbum no vendió lo esperado, aunque tenía buenos singles como "Punk Rock Song" o "A Walk" junto a otras notables composiciones como "Come join us" o "Cease". Las menores ventas se compensaron con una gran gira en la que arrasaron medio mundo, incluyendo una doble gira europea, que lamentablemente sólo tuvo una fecha por estas tierras en el Doctor Music 96. El resultado de esa gira fue Tested (1997), el primer disco en directo de Bad Religion. Demuestra la fuerza y la calidad del sonido Bad Religion en directo. Junto a sus más aclamados temas como "Generator" o "American Jesus" se pueden encontrar algunas viejas joyas como "Part III" o "Operation Rescue" que suenan mucho mejor que en los los discos correspondientes. 27 temas entre los que se incluyen 3 nuevos temas de estudio, entre los que destaca "Tested".
1998 Dio lugar a No Substance, un disco criticado y considerado Su peor obra ,en mi opinión es un disco excelente no tan "cool" como
Otros pero contiene grandes canciones como "in so many ways" y otras No tanto como " Raise your voice". En el 2000 editan otro gran disco The new america para mi inferior a No Substance pero con grandes momentos de punk-rock como "the fast life" "whisper in time"....pero que denotaban una sobreproduccion en el disco.
El 2001 sera recordado como el año en el que Bad religión regresa a Su casa Epitaph records ,la retirada de su bateria Bobby Schayer por una lesion que lo apartaria definitivamente de la musica,la incorporación del joven prodigio Brooks wackerman ( the vandals , Suicidal tendencies) a la bateria y la vuelta a la banda del artífice de las mejores Canciones de B.R. Mr. Brett,el cual recuperado de su adiccion a las drogas vuelve con su característico sonido de guitarra,sus composiciones y su excelente manera de producir discos eso si Siempre en compañia de Graffin.El resultado de esta union es suUltimo disco The process of belief , publicado en febrero de 2002 aunque la mayoria de los fans ya lo hubiera bajado de internet en octubre del 2001, cosa que no le importo lo mas minimo a la banda. Desde su publicacion la prensa lo destaca como disco punk rock del año y como uno de los mejores de toda la discografia de BR, La critica es unanime : el disco recupera el sonido "Bad Religion " de antaño, donde la velocidad vuelve a aparecer como en sus mejores tiempos ( Supersonic, Can´t stop it , Prove It ) pero si renegar de los maravillosos medios tiempos ( Sorrow, Broken,Epiphany...). El año 2002 los lleva por una extensa gira por Europa,Asia y Norte America , quedando fuera Sudamerica :-( , The process Of belief sigue cosechando exitos y elegido en muchas paginas especializadas como el album de Punk Rock del año . A comienzos de 2003 cada uno de los componentes de las bandas se toman un merecido descanso asi Greg Graffin continua su Doctonado en Zoologia Evolutiva en la Universidad de Cornell , Greg Hetson hace unos conciertos con su banda paralela , los miticos " Circle Jerks " , y Brooks Wackerman tambien hace unos cuantos Bolos con su banda de toda la vida Hot Potty . En Septiembre del mismo año se embarcan en una minigira californiana q les llevara a ciudades como San FRancisco o San Diego, ademas Graffin termina su Doctorado " EVOLUCION Y RELIGION " presentando mediante una pagina web y una video entrevista . En el Mes de Octubre Comienzan la Grabacion del Nuevo disco apareciendo las primeras copia en Internet dos meses antes lo que benefició a los miles de fans que disfrutaron de la exitosa gira Europea ( Abril y Mayo ) donde presentaron las ultimas canciones . El 8 de Junio " The Empire Strikes First " ya esta en todas la tiendas con unas reseñas excelentes por parte de la critica y Fans. En los meses de Verano ( agosto-septiembre ) participan en el Warped Tour junto decenas de Bandas presentado " TESF " Le segue una Gira Norteamerican junto " Rise Against " por NorteAmerica , a finales del 2004 pasan " rozando "Sudamerica al solo visitar Brasil para dar 2 fechas junto a Pennywise .
Graffin anuncia un nuevo album para finales del 2006 y otro disco en solitario producido por MR Brett.
En el 2005 siguen dando minigiras por USA y en Verano vuelven a Presentar " The Empire Strikes First " en Europa pasando por España,Italia, Alemana , Holanda .........

SEX PISTOLS

Originalmente, la banda se formó cuando Steve Jones y Paul Cook, junto a Warwick Nightingale formaron The Strand. De los instrumentos y los equipos se encargaba Jones, quien, provisto de un maravilloso sentido práctico, simplemente los robaba.

Jones solía pasar sus fines de semana en la tienda de Malcom McLaren. Trabajando junto a los New York Dolls, McLaren había comprendido que en una banda lo que más importaba era la actitud. "Creo que la única razón de ser es incitar a todos esos chicos a crear más aventura en sus vidas," decía en 1977, "y apoyarlos para que digan lo que piensan, esa es la única razón de ser del rock'n'roll".
Pronto Glen Matlock se unió a la banda como bajista. Sin embargo, la prioridad, según McLaren, era encontrar un vocalista. Cook y Jones ya lo habían intentado, y la búsqueda de nueva sangre llevó a la partida de Nightingale. McLaren conocía a un visitante regular de su tienda: un John Lydon adolescente, con el pelo teñido de verde. Lydon hizo la prueba para la banda acompañando a Alice Cooper en el jukebox de la tienda: fue aprobado inmediatamente. Como resultado de los constantes comentarios de Jones acerca del estado de los dientes de Lydon, éste se convirtió en Johnny Rotten (es decir, "Johnny Podrido"). McLaren tomó prestado un slogan y llamó a la banda "Sex Pistols". Al principio trabajaron sobre discos de los '60; pero pronto comenzaron a escribir su propio material.

Su primer show fue en noviembre de 1975, y no fue ningún éxito. Sin embargo, siguieron tocando, y lentamente lograron algunos seguidores. El 8 de octubre de 1976 firmaron contrato con EMI, y grabaron su single debut, "Anarquía en el Reino Unido".

La televisión se encargó de promover lo que hasta el momento era conocido solamente dentro del ghetto punk. El primero de diciembre, la banda apareció como reemplazo de último momento en un programa de TV. Llegaron cinco minutos antes de salir al aire; fueron entrevistados en vivo por Bill Grundy, quien procedió a provocar a la banda pidiéndoles que dijeran "algo loco". Para Steve Jones en particular era una invitación abierta y contestó con una serie de "maldiciones" que escandalizaron a la audiencia de las cinco de la tarde. Johnny Rotten tampoco se quedó atrás, y dijo por primera vez en la historia de la televisión "fuck off" en cámara. Al día siguiente las portadas de los periódicos estaban repletas de fotos de la banda. Mejor golpe de marketing, imposible. EMI les devolvió el contrato.

En febrero de 1977, Glen Matlock dejó el grupo. Su reemplazo fue Sid Vicious, que no sabía tocar el bajo. Como escribió un periodista: "Todo el mundo debe admirarlo porque ha logrado ser un ídolo de la forma más difícil posible: sin saber hacer ni una maldita cosa." Tampoco a Sid se le escapaba ese detalle; cuando le preguntaron si era cierto que los Pistols pensaban despedir a McLaren, Sid respondió dulcemente: "Deberían deshacerse de mí primero. Soy totalmente inútil. No puedo hacer nada."

En marzo de 1977 los Pistols firmaron un nuevo contrato discográfico con A&M Records. Su primer simple sería "God Save The Queen". Sin embargo, unos pocos días después A&M expulsó a la banda del sello debido a una serie de escándalos, pagándoles una jugosa indemnización. La estrategia de provocación de McLaren estaba dando resultado.


En mayo, el grupo firmó su tercer y último contrato, esta vez con Virgin, y pronto fue editado "God Save The Queen", cuya máxima reza: "No hay futuro en Inglaterra". El diseño de tapa mostraba la cara de la reina con un alfiler de gancho atravesándole la nariz en perfecta tradición punk y no sorprendió a nadie que fuera prohibido ampliamente. El disco alcanzó la tercera posición en el ranking británico, mientras la banda preparaba su esperado LP, lanzado finalmente el 12 de noviembre: Nevermind The Bollocks, Here's The Sex Pistols. De pronto, Inglaterra les quedó chica.

El grupo viajó a los Estados Unidos en enero de 1978: la gira marcaría el fin de su inestable carrera. En la última fecha, en el Winterland Ballroom de San Francisco, Rotten gritó "¿Alguna vez tienen la sensación de que han sido engañados?", una apreciación hoy célebre que marcó su partida del grupo al día siguiente. Siete días más tarde, Cook y Jones viajaron a Río con McLaren para grabar junto a Ronnie Biggs, el conocido ladrón de trenes. Los Sex Pistols se habían acabado.

En 1996, la banda se reunió para una serie de recitales. La gira se llamó, para que nadie tuviera dudas, "Lucro indecente". Los Sex Pistols no se proponían engañar a nadie, pero aún así, la reunión dejó un gusto amargo en la boca de los admiradores. Sin embargo, Johhny Rotten tiene la buena costumbre de decir la verdad él primero: "El punk siempre fue decepcionante. Y siempre lo será, siempre. Encontramos una causa común para volver, el dinero", explicaba entonces, "no lo necesito realmente, pero un poco más, ¿por qué no? Es un asalto a plena luz del día. Cada vez que alguien dice que alguna cosa es sagrada y no debe ser tocada, yo quiero tocarla. [...] Los Pistols no terminaron adecuadamente. Tanta gente ha copiado, imitado y arruinado lo que era puro y perfecto, que era tiempo de que fuese retomado. No me importa si no viene nadie a vernos en ningún lugar del mundo, francamente me beneficiaría. Esto es para que nos despidamos adecuadamente como banda.1976 la sociedad entera daba asco. Era necesario decirlo. Los Sex Pistols no fueron los primeros en hacerlo, pero sí eran lo suficientemente gritones e inteligentes como para lograr la atención de una enorme cantidad de personas en una carrera meteórica.” Su grito rabioso sigue vivo y todavía conmueve.

"No necesito un Rolls Royce, no necesito una casa en el campo, no necesito vivir en Francia. No tengo héroes en el rock'n'roll; son todos inútiles. Los Stones y los Who ya no significan nada; están establecidos. Los Stones son más un negocio que una banda". Así hablaba el bocón de Johnny Rotten en 1976.
La estrategia de provocación era clara, el olfato comercial de McLaren dominaba las acciones de la banda. Y, sin embargo, los Pistols decían la verdad. Unos perfectos inútiles revolucionaron el mundo del rock. Rabia, energía, desfachatez y valor: no hace falta ser un genio musical para conmover a generaciones, a veces basta con decir la verdad, y decirla bien fuerte.

Joder, casi na los Pistols!!! juas, Jonny Rotten y Sid Vicious, vaya par de dos!!!

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Habeis visto algun concierto en video de ellos?? es ...buf, no se lo que es!!!


Bueno, nos atrevemos con Kaotiko??? Antes Kaos Etiliko?

Saludos Yono y cia.

Audimaster veo que te gustan los grupos estilo Amo a Laura :D, venga a peticion tuya

KAOTICO

KAOTIKO se formó en julio del 2.000 a raíz de la marcha del cantante y el batería del grupo Kaos Etíliko, quedando los otros 3 miembros originales de la banda como vulgarmente se dice, "compuestos y sin novia".

Fonta (bajo), Aguayo y Aguayiko (guitarras), fueron los tres componentes que decidieron continuar su aventura dentro de la música, manteniendo la misma línea de trabajo llevada a cabo en Kaos Etíliko e intentando encontrar, en un primer lugar a dos "personas" y en segundo a dos "músicos" con las mismas inquietudes, gustos y ganas que ellos.

En esta búsqueda se toparon con Jony (voz) y Xabi (batería) que, con los mencionados anteriormente forman KAOTIKO.

Como nueva formación graban su primer disco "Mundo Kaotiko" en los Estudios Garate (Andoain) en abril y mayo del 2.001 que refleja los problemas de la sociedad de un modo rápido y agresivo.

La edición corre a cargo de OIHUKA.

Su segundo disco, "Raska y Pierde" es grabado en los estudios Elkar (San Sebastián) a primeros del año 2.003, superando tanto en calidad, sonido y ventas al anterior.

Asimismo se edita con el sello OIHIUKA.

Su historia, gracias al lugar de residencia, es más cercana a Euskal Herria, llegando a vender una media de 10.000 discos de cada ejemplar solamente en este territorio, aunque a base de girar y tocar con diferentes bandas, abarcan todo el estado.

El directo de estos jóvenes de edades entre 23 y 32 años es simplemente, DEMOLEDOR. Un concierto sin respiración en el que desde la intro están dando "kaña".

Las canciones son pegadizas y expresivas, tanto, que son coreadas en todos los festivales.

Y fruto de todo esto y atendiendo a la gran demanda que observan en todos y cada uno de sus conciertos, se deciden a grabar en "Vivo", tanto un DVD como un CD, en la sala Azkena de Gasteiz (Vitoria ) el 17 de abril de 2.004.

Después de varias vueltas, comidas de tarro, propuestas inconcretas, contactan con Jesús ( ANDA YA! Produc. Artísticas ), al cual ya conocían Aguayo, Aguayiko y el Fonta, de la época anterior de Kaos Etiliko, coincidiendo que este llevaba a sus paisanos de LA POLLA y les solía llevar a varios de sus bolos como teloneros.

A parte de empezar a llevar el "management" del grupo, a través de él se reúnen con GOR, compañía con la que algunos componentes del grupo ya habían tenido relación profesional anterior.

Después de poner las "cartas" sobre la mesa tanto unos como otros, se llega a un acuerdo.

GOR apostará por el grupo y eso es lo que convence a KAOTIKO, ya que lo que realmente buscan es alguien que confíe en el grupo y haga un trabajo de promoción acorde con ellos.

Más de una hora de actuación en la que se repasa la trayectoria de KAOTIKO, incluyendo la canción "Y Ahora ke? ( LA POLLA ), la cual grabaron para el recopilatorio de sus paisanos y algún corte de los escindidos KAOS ETILIKO (canciones en propiedad de 3 de los componentes de KAOTIKO ).

En el DVD, se puede asimismo contemplar una galería de fotos, trozos de grabaciones "caseras" y alguna que otra cosita más.

Todo esto ve la luz el 14 de marzo de 2.005, editado en un solo formato.

El grupo presenta su trabajo en una extensa gira durante todo el año 2.005, dando 53 conciertos en 9 meses, destacando en cada una de sus apariciones, tanto en grandes festivales, ALFAROCK, BAITUROCK, CALAKORIKOS, TINTOROCK, como en actuaciones en solitario. Cabe destacar dos de sus actuaciones más apoteósicas y multitudinarias: Martes 23 de Agosto en el recinto de Txoznas de Bilbao con un espacio abarrotado con más de 10.000 personas y el Domingo 2 de Octubre en Aretxabaleta ( Guipúzcoa ) dentro del KILOMETROAK 2005, ante más de 20.000 personas, superando todas las previsiones más optimistas, incluso teniendo que parar en varias ocasiones de tocar debido al caos formado debido a la aglomeración del personal.

Por todo lo anterior, por las ganas y buen hacer de la banda, es por lo cual la potente multinacional UNIVERSAL MUSIC, se ha fijado en ellos y será la encargada de editar sus siguientes trabajos.

El primero de ellos se ha grabado en los estudios KATARAIN entre los meses de Diciembre 2.005 y Enero 2006. Serán 14 cortes y verá la luz el 13 de marzo de 2.006.

Con el potencial ya conocido que posee UNIVERSAL MUSIC a nivel de promoción, publicidad y distribución el disco de KAOTIKO llegará a todos los seguidores de la banda que lo demandan en toda la geografía nacional y en todos los países de Sudamérica.

DESTINO ESCRITO es el titulo elegido del disco y será presentado a lo largo de todo el año 2.006 en prácticamente todas las provincias del estado y a nivel internacional.

-MARILLION

Marillion apareció por primera vez como tal a principios de 1982, cuando la formación compuesta por Fish (voz), Steve Rothery (guitarra), Mark Kelly (teclados) y Mick Pointer (batería) empezó a hacer una gira intensiva en los alrededores de Aylesbury y por la zona de Londres. La combinación de una música imaginativa y cautivadora, junto con unas letras cargadas de imágenes, pronto se ganó el favor de sus fans en continúa expansión, y de los periodistas que estaban cansados de algunas de las músicas de radio fórmula que ocupaban la escena de la época. Varias noches colgando el cartel de "no hay billetes" en el legendario club Marquee, forzaron a las compañías discográficas a reconocer el impacto de su música y así firmaron rápidamente un acuerdo con EMI.

La aparición de álbumes clásicos como "Script For A Jester ´s Tear" (1983) y "Fugazi" (1984) aumentó su reputación, y la formación se reforzó cuando el batería Ian Mosley sustituyó a Pointer en 1984. En 1985 apareció "Misplaced Childhood" (que incluía los hits "Kayleigh" y "Lavender") y en seguida consiguió colarse en los codiciados primeros puestos de las listas. Pero, después de la gira del "Clutching At Straws" en 1987, Fish dejó de repente y de forma inesperada la banda para seguir su carrera en solitario. Fue sustituído por la figura igualmente imponente de Steve Hogarth, cuya aportación ayudó a refrescar y hacer progresar su sonido.

Los álbumes siguientes ("Season´s End" (1989), "Holidays In Eden" (1991), "Brave" (1994), "Afraid Of Sunlight" (1995), "This Strange Engine" (1997) y "Radiation" (1998)), probaron la continua determinación de Marillion para producir música emocional e inventiva, con independecia de si su música era puesta en las emisoras de radio o tenía una repercusión en las listas de éxitos.

Alrededor de 1997 Marillion se dio cuenta de que Internet proporcionaba la oportunidad ideal para cultivar un contacto más directo con sus fans, a la vez que la persistente campaña de un fan en su lista de correo reunió dinero suficiente para que la banda pudiera viajar a los Estados Unidos. La aparición del álbum "Marillion.com" en 1999 abanderó su recién estrenada página web y su también recién estrenado sello discográfico, pero fue el concepto revolucionario de pedir a los fans que encargaran y pagaran por adelantado los costes de grabación de un álbum, más o menos 12 meses antes de su publicación, lo que fue noticia en el 2001. Increíblemente, más de 12000 fans pidieron el álbum con anticipación y se cerró un acuerdo adicional con EMI para lanzar al mercado "Anoraknophobia", el álbum resultante. Se utilizó una campaña similar para conseguir dinero para el último álbum de la banda, "Marbles", pero esta vez el dinero conseguido fue destinado a una campaña para promocionar el álbum. En lo que respecta a la lealtad de sus fans, se puede decir que Marillion tiene una sólida base internacional de seguidores con la que competir con el público mayoritario.

-STRYPER

El impacto mundial que produjo este grupo de rock comenzó a gestarse en los Estados Unidos durante el año 1981, en un barrio acomodado de Los Angeles de California llamado Orange County.
Las fracasadas iniciativas de formar un grupo que repetidamente tendría Robert Sweet (Lynwood, CA, 21/3) -futuro batería- a la edad de dieciocho años le obligan a optar por contar con la ayuda de un hermano tres años más pequeño que él, Michael Sweet (Whittier, CA, 4/7) -para la voz-, y más tarde con la de un amigo de la coolegio llamado Richard Martínez (Whittier, 18/7) -para la guitarra-.
Richard Martínez, que como buen americano comenzaba a querer olvidar el vergonzoso idioma de sus padres, adoptaría el alias de Oz Fox que había recibido en el colegio por las ya populares imitaciones que hacía de su venerado Ozzy Osbourne (Black Sabbath), a quien homenageaba como podía enaquella época en su propio grupo local Rest in Peace.
De manera que los dos hermanos, habiando tonteado con sus instrumentos durante unos años, con el Whittier´s Pioneer High School en común, forman Firestorm, y finalmnente -con la ayuda de Oz Fox, Roxx, que luego -para evitar confusiones con otra banda, acabó en Roxx Regime.
Los padres de los hermanos Sweet, que se habían aficionado a tocar en una banda de música country, habían fomentado tambien en casa la afición a la música regalándole a Robert una batería a los ocho años y a Michael una guitarra a los doce. No es de extrañar que Janice y Lisa, respectivamente madre y hermana de los Sweet, ocuparan con el tiempo el lugar de Management y Direccción del Club de Fans del grupo. "Ellos glorifican a Dios" -declaraba algunos años después la religiosa Mama Sweet ante un medio tan poco propio para semajantes declaraciones como Rolling Stone.
Robert Sweet, sin embargo, que siempre fue el motor de grupo -a pesar de que su hermano era responsable de buena parte del mejores canciones compuestas en nombre de Stryper- lejos de estar interesado en bandas de música cristiana, estudiaba la imagen de grupos de culto como Kiss y Led Zeppelin. No en vano, años después de la disolución de su grupo, Robert Sweet tenía que reconocer que "mayor que la música de Stryper, era el impacto que el grupo tuvo". Como en el caso de Kiss, en Stryper todo estaba estudiado al mínimo detalle para funcionar como un espectáculo de masas. Robert Sweet -the visual timekeeper, que era como quería darse a conocerse- era conciente de que utilizar el cristianismo en ese intento no tenía porque ser un impedimento cuando declaraba que también Iron Maiden utilizaba con éxito el 666 entre un público que no era necesariamente satanista "les gusta la música, así es que van de todas formas".
El guitarrista Richard Oderbagen, que en los últimos días de Stryper volvió a colaborar con el grupo componiendo en "Can´t Stop The Rock", fue uno de esos miembros que se descuelgan casi antes de que empieze el grupo. Se comenta que el mismísimo C.C. Deville, de Poison, fracasó en su intento de encajar en Roxx Regime.No le ocurriría lo mismo al bajista Timothy Gaines (Portland, Oregón, 15/12). El último en completar el proyecto de Robert Sweet sería el que más experiencia habría tenido antes de unirse al grupo
El haber tenido un padre pastor presbiteriano no había impedido que dejase la escuela para dedicarle ocho horas diarias a su bajo eléctrico y tocar en numerosas bandas locales como White Lace, Afton Kid o Stormer. Stormer llevaba ya 10 años tocando con bandas de los 70 tan grandes como Van Halen pero estaba pasando por una etapa de decadencia. Junto a ellos, eso sí, actuaría encabezando cartel junto a grupos recien formados como Bon Jovi, Motley Crue, Ratt e incluso Roxx Regime, y se vería envuenlto en asuntos de drogas que dos años y medio después le llevarían a dejar la música uno una temporada.
Robert Sweet, interesado por la notoria desaparición de Tim Gaines, averigüo por el vocalista de estos que Tim Gaines había abondonado la banda a raiz de una conversión al cristianismo. De hecho Tim Gaines se había apartado de la escena, se había cortado el pelo y sólo tocaba en la iglesia así es que Oz Fox y Robert Sweet -que ya tenían en ese momento contacto con Enigma y andaban buscando un bajista cristiano- tuvieron que insistirle para que finalmente, en agosto de 1983, completase la última y definitiva formación. Formación que a pesar de ir al 25% en muchos de los ingresos, mantuvo a los hermanos Sweet siempre como líderes indiscutibles cuando era necesario tomar decisiones de cualquier tipo.
Con el nombre de Roxx Regime -y un presupuesto incial de 100.000 dólares donados cuiriosamente por una religiosa y antigua opositora del grupo- comienzan primeramente a actuar en los clubs de los alrededores de Hollywood, compitiendo con toda esa saga de bandas como Bon Jovi, Poison, Quiet Riot, Motley Crue, Ratt o incluso Metallica -con su formación Burton/Mustaine. "Estubimos haciendo algunas maquetas en unos estuidos de Fullerton llamados Casbah Studios -contaría muchos años después Tim Gaines- y el dueño había estado haciendo algunos encargos para Greenworld Distribution. Greenworld estaba sacando el primer disco de todas las grandes bandas de la zona de Hollywood. Distribuían a Ratt y a Motley Crue, y a Berlin, creo, y algunos grupos más. De cualquier forma, Greenworld acabó siendo Enigma...". Con su primer disco Stryper no sería menos para su discográfica y se convertiría en el debut con las ventas más rápidas en toda la historia de la empresa.
Desde que los Imperials, un ocasional grupo acompañante de Elvis Presley, mezclaron para escándalo del Rey el rock con el cristianismo, cientos de grupos norteamericanos habían tenido esa misma idea. Larry Norman había frecuentado incluso la escena Californiana junto a bandas como The Doors, Janis Joplin o Grateful Dead años antes que ellos y un grupo afincado en Chicago como Rez Band ya lo había mezclado con un hard rock a lo AC/DC. No obstante Robert Sweet parece que desconocía la existencia de todas estas bandas. Se consideraba a si mismo un pionero y en cierto modo lo era pues nadie parecía haberla llevado a cabo entre esa especie de nueva ola de heavy metal californiano. Y en cualquier caso ninguna de estas bandas estaba tan inmersa en los circuitos normales de la música rock pues la mayor parte de las bandas de rock cristiano en esta época competía basicamente entre sí dentro de los círculos de las iglesias. En realidad no fue hasta la recomendación de un amigo, Kenny Metcalf -teclista en la gira americana 85/86-, que aprovechando un reciente despertar espiritual de Robert Sweet, la banda comienza a componer canciones con letras con transfondo cristiano. Kenny Metcalf había conocido a los hermanos Sweet en 1975, cuando compitió con ellos en un concurso de talentos donde tocaron Johny B Good como Robert Sweet and the Firestorm band. De hecho, por su condición de vecinos, sus vidas se cruzaron en numerosas ocasiones. No obstante, aquel señalado día, les dijo "que eran una buena banda y que la gente iría a verles y dirían 'Son buenos', pero que cuando se fuesen serían una banda más y la gente seguiría siendo la misma, pero que si pedían a Jesús que fuese Señor de sus vidas, y su banda, la gente seguiría viniendo a los conciertos admirando su música pero también cambiados por el Espiritu Santo". Robert Sweet encontró estas palabras sumamente interesantes y las puso en práctica. "Quiero hacer algo diferente en mi vida -se diría asi mismo-. Quiero hacer algo diferente con mi música. Ojalá algun día pueda hacer una música con un mensage tan totalmente diferente de todo lo demás".
El hecho de que el factor estético, que en aquella época era especialmente glamouroso, tuviese tanta importancia en el grupo -el famoso periodista catalán Jordi Sierra i Fabra les definió como de "pura bisutería"- hizo que para muchos Stryper no fuese más que "el grupo de heavy metal cristiano más famoso, y también el más ridículo" -como les define la guía 'The Best of Metal'. "Si tuvieses que adivinarles por su nombre pensarías en los Devil´s Disciples o los Beelzebubs. O quizá en las Abejas Asesinas, que es lo que los cuatro jóvenes parecen en el escenario vestidos de cuero ajustado, a chillonas rallas negras y amarillas. Toneladas de maquillajes, peinados de volumen y suficientes cadenas para atar a la mitad de los elefantes de Africa completan la imagen de este actual grupo de heavy metal. Incluso la música, el sonido de un enjanbre de enfadados insectos electrónicamente amplificado, se ajusta a la imagen" -escribiría en Marzo de 1985 el popular Time. No obstante, en los 80, nada podía haber tenido mejor aceptación.
Por otro lado constituyeron una inigualable influencia para toda esa multitud de otras bandas de músicos que siendo cristianos seguirían sus pasos y acabarían dando lugar a una nueva etiqueta que en ocasiones la prensa denominaba 'white metal' y en otras simplemente 'rock cristiano'. "Un par de cosas que realmente me impresionaron de Stryper - declaraba el bajista de una de estas bandas de white metal, Barren Cross- ocurrieron en el primer concierto de Barren Cross. Michael y Bobby (Sweet) vinieron a nuestro concierto, a los camerinos, y oraron con nosotros, y nos apoyaron. A través de Stryper y, creo que, a raíz de los que ellos hicieron empezó Sanctuary (una comunidad cristiana para aficionados al heavy metal). Ellos estuvieron envueltos en esta iglesia al principio y nos ayudaron un poco... Lo que ocurrió con Stryper es algo que no se repetirá. No sé si viviremos en nuestras vidas algo tan único y poderoso como lo que ellos empezaron durante aquellos años.

-MANOWAR

Manowar nació a finales de 1980 en Auburn, Nueva York. Los miembros originales de la formación fueron Eric Adams, el cantante, nacido en Nueva York.

Él y Joey DeMaio eran amigos desde que iban al colegio, y Eric empezó a cantar pronto, a los 10 años, siendo considerado actualmente como uno de los cantantes de heavy del panorama actual con la voz más poderosa y armónica.

Joey DeMaio empezó a tocar el bajo en el colegio, y su primera banda de éxito fue Manowar. Joey estaba trabajando como luthier de bajo para Black Sabbath en la gira de Heaven and Hell. Cuando Sabbath dio un show en el Newcastle City Hall, Inglaterra, conoció al que sería el guitarrista original de Manowar, un australiano llamado Ross “the Boss” Friedman.

Ross se había trasladado hacía tiempo a Nueva York, y allí tocó la guitarra durante un tiempo en el grupo “The Dictators”, a partir de 1975. Después se trasladó a Francia y estuvo durante un año en la banda “Shaking Street”, con la que fue telonero de Black Sabbath en el anteriormente citado concierto, en el que conoció a Joey.

Como ambos compartían una ferviente admiración hacia el “in_your_face_metal” no pasó mucho tiempo hasta que decidieron crear el concepto de Manowar.

Con la ayuda de Eric Adams a la voz, empezó el desfile de baterías por el grupo hasta la definitiva incorporación de Scott Columbus.

En efecto, el primer batería de Manowar fue Karl Kennedy, que ingresó en la banda a través de un anuncio insertado en un periódico y la dejó enseguida, ocupando su lugar un batería de origen polaco, Donnie Hamzik, que sólo estuvo un par de años, concretamente hasta 1983, permaneciendo en la banda el tiempo suficiente para grabar el primer disco de Manowar, “Battle Hymns”.

El nuevo batería fue Scott Columbus, que trabajaba en una tienda de fontanería en una pequeña ciudad del Estado de Nueva York.

Desgraciadamente, en 1991 tuvo que abandonar la banda debido a una grave enfermedad de su hijo, incorporándose tiempo después, siendo sustituido entre tanto por Rhino.

Durante la historia de Manowar también ha habido cambios en los hachas del grupo, puesto que en 1988 Ross dejó la banda, y fue sustituido por Dave Shankle, anteriormente integrante del grupo “Vengeance” y que fue elegido entre 150 guitarristas para sustituir a Ross. Eric y Joey lo conocieron en Chicago durante la grabación de “Kings of Metal”. Sin embargo Dave dejó la banda en 1994, año en el que entró Karl Logan para sustituirlo, quedando así establecido el definitivo line up de Manowar

Eric Adams - Voz
Karl Logan - Guitara
Joey DeMaio - Bajo
Scott Columbus - Batería

Anteriores componentes:
Karl Kennedy (batería en la primera demo)
Donnie Hamzik (batería en Battle Hymns)
Ross the Boss (guitara en Battle Hymns to Kings Of Metal)
David Shankle (guitara en The Triumph Of Steel)
Rhino, aka Kenny Earl Edwards (batería en The Triumph Of Steel)

Discografia Manowar

• Battle Hymns (1982)
• Into Glory Ride (1983)
• Sign Of The Hammer (1984)
• Hail To England (1984)
• Fighting The World (1987)
• Kings Of Metal (1988)
• The Triumph Of Steel (1992)
• Louder Than Hell (1996)
• Hell On Wheels Live (1997)
• Warriors Of The World (2002)
• The Dawn Of Battle (2002)

no podian faltar los Aerosmith
 

Aerosmith



Una de las bandas de hard rock más populares de los setenta y renaciendo en los ochenta, Aerosmith ha entrado en la historia del rock combinando el blues rock, con la imagen de chicos malos de Rolling Stones y con el metal de Kiss, creando el estallido del metal de los años ochenta.

Aerosmith se formó como un grupo de jóvenes que intentaban imitar a sus grupos preferidos. Sus comienzos fueron en los 70 y a mediados de estos ya eran considerados como uno de los mejores grupos de Estados Unidos, en la mitad de los 80 el grupo parecía desaparecido e incluso extinguido, hasta finales de la década comienzos de la siguiente que renacen, siendo el único grupo que ha alcanzado la cima en dos ocasiones, la ultima de estas a más de 20 años después de haberse creado. Además de por su música Aerosmith es considerado una leyenda y sin que ningún integrante tuviera que morir.

Aerosmith se formó en Boston, Massachusetts, donde vivían sus integrantes: el vocalista Steven Tallarico ( que luego paso a ser Tyler ), los guitarristas Joseph Perry y Brad Whitford, el bajista Tom Hamilton y el baterista Joey Kramer, cosechando seguidores gracias a múltiples giras por todo Estados Unidos.

En verano de 1970, Tyler conoce a Perry, para ese entonces Tyler había trabajado en tres bandas y con la última Chain Reaction, había grabado un disco. Esto impresionó a Perry y a su amigo Tom Hamilton que tocaban en un bar local con su banda Jam Band, por lo que le invitaron a oírlos tocar, Steven no quedó muy impresionado con la calidad de la música pero supo que se podría crear algo grande.

Tyler comenzó siendo vocalista y baterista al mismo tiempo pero para dedicarse solamente a cantar contrataron a Joey Kramer y a Ray Tabano ( guitarrista ), dos conocidos de Tyler. El grupo se fue a vivir a Boston y con el tiempo Tabano fue remplazado por Bradley Ernest Whitford.

El nombre Aerosmith surgió por parte de Kramer, todos vivían bajo el mismo techo, trabajaban en empleos corrientes. Tyler en una panadería, Perry era conserje en una sinagoga, se pasaban el día comiendo arroz y verduras y viendo "Los tres chiflados" mientras escuchaban a Jeff Beck, Cream y Deep Purple.

Querían serla versión americana de Led Zeppelin u otros grupos británicos que no tenían equivalente en America, sus influencias siempre fueron claras, cuando empezaron sus conciertos cantaban canciones de sus idolos hasta que encontraron su propio estilo. Los requisitos para su contratación no eran muchos, por $300 dólares y una caja de milk balls, ellos hacían su show. En realidad siempre fueron un grupo que se concentró en conciertos, nunca quisieron ser una banda de bares.

Una vez que empezaron a escribir sus propias canciones , renunciaron a sus empleos, viéndose en serias dificultades financieras porque no tenían donde ensayar. Para su fortuna, John O"Toole quien administraba el Fenway Theatre en Boston, les permitió ensayar en el teatro cuando no estuviera ocupado y les presento a Frank Connelly, quien los llevaría a su primer contrato con sus futuros managers: Steve Leber y David Krebs. Estos les pusieron en contacto con Columbia (Atlantic pensó que todavía eran muy inmaduros para lanzarlos... craso error) y así obtuvieron su primer contrato, firmado en el verano de 1972.

En 1973 lanzan su primer disco titulado "Aerosmith", una mezcla de blues y rock duro, de este álbum se pueden destacar “Mama Kin” y el clásico “Dream On”, aunque todavía no sería reconocido como tal. Tyler realizaba la mayor parte de la composición de las canciones por no decir su totalidad.

Los críticos no fueron muy objetivos ni tolerantes con la banda en ese entonces, por lo que su popularidad no era mucha fuera de Boston, único lugar donde ya se habían dado a conocer. Los clasificaban como copia barata de los Rolling Stones, por el tamaño de las bocas de ambos cantantes. En realidad ni la prensa ni la radio fueron grandes puntos de apoyo para el gran éxito que tuvo el grupo. Prueba de ello es que “Dream On” alcanzó solo la posición 59 en el billboard. La estrategia que Krebs siguió entonces fue la de realizar giras por todo Estados Unidos promocionando el material.

En 1974 lanzan su segundo disco" Get your Wings ". Esta vez bajo el productor Bob Ezrin, que les presenta a Jack Douglas, quien sería su productor posteriormente. Con Douglas existía una gran confianza. En este álbum realizó su primera aparición el logotipo de Aerosmith. Se destacan canciones como “Seasons of Wither”, “Train Kkept a Rollin”,“Same Old Song and Dance”, Lord of the Thighs, y “Pandora’s Box”.


Una vez más, realizaron giras por todo Estados Unidos para promocionar “Get Your Wings”, acompañando a grupos como Black Sabbath y Deep Purple. A pesar de no haber sido apoyados por los medios una vez más, este álbum demostró que Aerosmith no era un grupo más, sino que iban a dar batalla y que habían llegado para quedarse.

Su tercera producción, “Toys in the Attic” (1975), es una de las mejores discos de su historia. Es donde se ven consumados todos sus esfuerzos, donde se muestran como una banda más organizada, más sólida, pero con la autenticidad que siempre los había caracterizado. Con canciones como “Walk this way”, “Sweet Emotion” y “Toys in the attic”, que hoy son clásicos de Aerosmith, conquistan el éxito. Las letras realistas, crudas, sexys, y originales de sus canciones y la voz de Tyler, les consiguieron un disco de platino. Además, junto con las giras de sus discos anteriores y la nueva producción, Aerosmith y “Get your wings” consiguen varios oro para final de año. Fue entonces cuando la radio se interesó en la banda, tocando “Walk this way” y reviviendo “Dream On”.

Su cuarta producción, “Rocks” (1976), retiró temporalmente a la banda de las giras para su realización. El dúo Aerosmith-Douglas alcanza su clímax, y lanzan la colección más pura en el estilo de Aerosmith, el mismo tiempo sofisticada y brutal, siendo todos y cada uno de los temas un éxito. En estos momentos, los integrantes del grupo pasaban la mayor parte del tiempo colgados de las drogas, siendo esta la razón por la que su quinto álbum, “Draw The Line” (1977), no fuera digno sucesor a “Toys in the Attic” y “Rocks”. Aún así, se pueden rescatar canciones como “Draw the line” y “Kings and Queens”.

Llegaron al punto donde podían mantenerse sus vicios, lo que los llevó a una vida autodestructiva. Tyler y Perry empezaron a tener problemas y se empezaron a alejar, dejando a los continuamente subestimados Hamilton, Kramer y Whitford con bastante tiempo libre para practicar y experimentar. Éstos últimos todavía se encontraban conscientes de lo que sucedía, aunque compartían las mismas adicciones que Tyler y Perry, aunque en menor medida.

Aun así, seguían siendo uno de los grupos más taquilleros del momento. El álbum dobleLive! Bootleg” retrataba perfectamente la calidad del grupo en concierto.

Los tiempos cambiaron, el punk, disco y new wave se apoderaron del escenario; nuevos grupos como Van Halen tomaron el mando, y Aerosmith siguió hundiéndose en su depresión psicotrópica - musical. Esto se demuestra en “A Night in the Ruts” (1979), punto en el que el grupo se empezó a desmoronar. Se destacan solamente “Three mile smile” y “No surprize”. El álbum simplemente no recaudó lo esperado y en un intento por recuperar el dinero perdido, realizaron una gira más.

Fue ahí donde Perry (quien debía más de 100.000 dólares a la banda) se hartó de la situación y anuncia que realizaría un álbum en solitario. El resto de la banda siguió en la gira, hasta que Tyler se desmaya en el escenario debido a las drogas. Poco después, sufre un accidente en motocicleta que lo hospitaliza la mayor parte de ese año.

Mientras los integrantes restantes preparaban el siguiente álbum, se lanzó la colección de éxitos “Greatest Hits”, que aún hoy en día sigue siendo un éxito en ventas. Perry seguía tomando drogas, tantas, que no se enteró del lanzamiento de la última colección hasta que un fan se le pasó una copia para que se la autografiara. Whitford, harto de ser subestimado y de la situación en general, se va para realizar un álbum con Derek St. Holmes (ex- guitarrista de Ted Nugent). Los tres restantes, Tyler, Hamilton y Kramer, decidieron seguir y lograron la realización de “Rock in a Hard Place” (1982), que fue un disco bastante decente considerando la situación del grupo. Fue el último álbum que realizaron para Columbia Records.

Tyler, drogadicto aún, decidió vivir en un hotel de Manhattan que tenía un fácil acceso a los traficantes de heroína; y Perry, en bancarrota, acabó viviendo en un albergue en Boston. Durante su crisis, nunca se puso en duda el talento de Aerosmith, su habilidad para crear buena música siempre fue evidente, simplemente no había un grupo sólido que la respaldara.

Con un nuevo manager, Tim Collins, Aerosmith no sólo logró reunirse, sino alcanzar la cima nuevamente. Tuvieron que empezar desde abajo, con nuevo sello, Geffen, y sin drogas. Rehabilitados, y demostrando que tenían lo que se necesitaba para conquistar el mundo, lanzan al mercado “Permanent Vacation” (1987), “Pump” (1989).

“Get a Grip” sale a la venta en 1993 con temas como “Crin”, “Eat the rich”, “Livin’ on the edge” y “Amazing” captando con este disco la atención de un público cuyo gusto no es que fuera el rock precisamente.

“Big Ones” representa una serie de exitos de Aerosmith que incluye los temas destacados del CD anterior y de otros más antiguos como “Pump”. “Nine Lives” en 1997 representa otro éxito.

En 1998 se edita “A Little South of Sanity”, un doble álbum donde se encuentran los mejores temas de la banda en vivo.

Su último trabajo hasta la fecha se edita en 2001, "Just Push Play", primer álbum en estudio del legendario grupo en cuatro años, tras su éxito multi-platino "Nive Lives" (1997). "Just Push Play"es, además, el primer álbum de Aerosmith que ha sido producido por los miembros de la banda, Steven Tyler y Joe Perry (junto con Mark Hudson y Marti Frederiksen).

Habiendo vendido aproximadamente 100 millones de discos en todo el mundo a lo largo de una impresionante carrera, Aerosmith no sólo han sobrevivido y crecido sino que han rebasado las tendencias, modas y locuras de su época para convertirse en una de las fuerzas más duraderas y perpetuamente emocionantes de la música popular.

el genio de Alice Cooper
 

Alice Cooper

Pionera banda de shock rock, que destacaba por presentar en un contexto sonoro de hard-rock un espectacular sentido teatral del concierto musical, con maquillajes de aspecto siniestro y provocativas representaciones que abarcaban ejecuciones con guillotina y sillas eléctricas o actos con enormes serpientes.
Esta característica escénica influenciaría notablemente a grupos como Kiss, White Zombie, Mötley Crüe, Twisted Sister o Marilyn Manson.
Gustoso de la música de los Rolling Stones, MC5, los Doors, los Stooges o los Beatles, Vincent Damon Furnier (nacido el 4 de febrero de 1948 en Detroit) formó una banda en Phoenix, localidad de Arizona a la que se había mudado con su familia cuando todavía era un niño.
El grupo se llamó en principio The Earwigs, aunque poco después y cuando Furnier contaba con 17 años se rebautizó como The Spiders y posteriormente como The Nazz.
Su habilidad en la composición y sus actuaciones en vivo hicieron de la banda una de las más populares de la zona de Phoenix.
La aparición del grupo de Todd Rundgren The Nazz provocó un nuevo cambio de apelativo para el conjunto de Arizona, que en esos momentos estaba compuesto además de por Vincent Furnier como cantante, por el bajista Dennis Dunaway, el batería Neal Smith (anteriormente estuvo John Spear) y los guitarristas Mike Bruce y Glen Buxton.
Un buen día, Vincent les comentó a sus compañeros que practicando con la ouija, había contactado con el espíritu de una hechicera del siglo XIX llamada Alice Cooper.
Según parece, la bruja le dijo que él era su reencarnación y el bueno del cantante de Detroit asumió el hecho y propuso a los ex Nazz convertirse en The Alice Cooper Band, adoptando Furnier el nombre artístico de su reveladora.
Trasladados a California en la época del hippismo y el acid-rock, las actuaciones del grupo llamaron la atención de Frank Zappa, que los incorporó a su sello Straight Records.
Allí publicarían dos estimables e infravalorados Lps titulados "Pretties for you" (1969) y "Easy Action" (1970), con sonidos que viajaban desde el rock, la psicodelia hasta el garaje y el pop.
Los discos no tuvieron demasiado éxito y en la costa oeste no fueron tomados demasiado en serio, lo que provocó que Alice Cooper se trasladaran a Detroit, en donde serían mejor recibidas sus altisonantes posturas teatrales.
El contacto con el productor Bob Ezrin aceró su sonido hasta posiciones más hard-rockeras, aunque sin perder una pegadiza espontaneidad melódica arropada por directos riffs. Para la Warner grabaron "Love it to death" (1971), un excelente album que los elevó a la fama, especialmente gracias al tema "Eighteen", todo un himno generacional.
Este fue el inicio de una etapa de esplendor para la banda en la cual publicaron sus discos mejor acabados. "Killer" (1971), con canciones como "Killer", "Desperado", "Under my wheels" o "Be my lover", "School's out" (1972), que contenía temas importantes como el clásico "School's out" (número 1 en Gran Bretaña) o "Public Animal #9" y "Billion Dollar Babies" (1973), un disco que les catapultó al número 1 en las listas de Lps de medio mundo.
El Lp incluía el conocido single "No more Mr. Nice Guy" y otras piezas destacadas como "Hello, Hooray", "I love the dead" o "Elected".
"Muscle of love" (1973), un trabajo muy comercial que no fue tan bien recibido por la crítica como sus pretéritos esfuerzos, supuso el final de la Alice Cooper Band como grupo, comenzando Vincent Furnier una exitosa carrera en solitario.
Conservando el nombre de Alice Cooper presentó el album "Welcome to my nightmare" (1975), otro gran éxito para su carrera que también fue producido por Bob Ezrin. En el disco aparecía la voz de Vincent Price, uno de sus mejores amigos junto al mítico Groucho Marx.
Mientras Alice Cooper proseguía su carrera con "Alice Cooper Goes to Hell" (1976) los demás componentes del grupo formaron The Billian Dollar Babies, un grupo que no obtuvo el triunfo comercial de su ex compañero.
A finales de los 70 y durante buena parte de la década de los 80, Alice menguó su poderío artístico, en especial a causa de problemas con el alcohol y a su vida de estrella.
Los problemas etílicos los superaría en 1978, año en el cual publicó un documento sobre su antigua adicción titulado "From the inside" (1978). En el disco y en las letras participaba Bernie Taupin, el colaborador habitual de Elton John.
"Constrictor" (1986) y sobre todo "Trash" (1989), un trabajo producido por Desmond Child que contenía el sencillo "Poison" le elevó de nuevo a los primeros puestos de las listas americanas.
Discos grandes posteriores como "Hey Stoopid" (1991), "The last temptation" (1994), "Brutal planet" (2000) o "Dragontown" (2001) confirmaron, a pesar de no estar a la altura de sus mejores momentos en los 70, la incombustibilidad de Alice Cooper.

Biografía de Platero y Tu
 

Biografía de Platero Y Tu
Platero y tú es un grupo español de rock, activo desde finales de los 80 hasta 2001.

Sus letras se caracterizan por hablar de la vida habitual de los letristas (habitualmente Fito y Uoho), y destacan los temas de bares, alcohol, drogas, amor, problemas o simplemente festivas. A diferencia de otros grupos de su época y lugar, en sus canciones no se protesta políticamente, ni se muestra claramente una ideología.

Platero y tú surge en Bilbao, cuando Adolfo Cabrales ("Fito"), se incorpora al grupo del que previamente formaban parte Iñaki Antón ("Uoho"), Juantxu Olano ("Mongol") y Jesús García ("Maguila"). El nombre de la banda se origina espontáneamente en una conversación entre los miembros, y proviene de la obra "Platero y yo", del poeta español Juan Ramón Jiménez.

Tras unos inicios en los que se planteaban la música como un hobby, graban una maqueta y comienzan a actuar en directo en bares de la zona de Bilbao y alrededores, y en 1991 sale su primer disco, Voy a acabar borracho, al firmar un contrato con la discográfica catalana Wellcome Records. La experiencia con la discográfica resultó negativa, y posteriormente firman con DRO, la cual acompaña a la banda hasta su final. Con ella graban un nuevo disco en 1992, Muy deficiente y reeditan la maqueta con el nombre de Burrock'n'roll.

Tan sólo un año después, en 1993, vuelven a lanzar un disco, Vamos Tirando, que les consolida en el panorama musical en todos los aspectos. Tampoco habría que esperar mucho para el siguiente, ya que en 1994 se edita Hay poco rock & roll, un nuevo trabajo en el que Uoho ya es artífice de la producción y cuenta con colaboraciones notorias como Evaristo, de La Polla Records, o Robe, de Extremoduro. Es precisamente con Extremoduro con quien la banda entabla una gran amistad, dentro y fuera de los escenarios, que se culmina con las giras conjuntas de ambos grupos, y proyectos como Extrechinato y tú, entre otros.

Tras cinco discos, aparece en 1996 un directo titulado A pelo, grabado principalmente en el Kafe Antzokia de Bilbao que recopila todos los grandes éxitos grabados hasta el momento en el ambiente que solían dar a sus canciones en vivo, y que se edita en formato de 2 CDS y en un VHS. En estos momentos la banda vivía un ascenso, que aprovecharon con la edición de 7 en 1997, un nuevo trabajo en el que es notorio la mejoría en el sonido y en los medios, así como se empieza a forjar un cambio de estilo, tanto en la música como en las letras, que confirma la evolución del grupo.

Esta evolución, confirmada con Correos en 2000, consta de un alejamiento de las raíces musicales del grupo, un cambio de tema en las letras y un estilo menos agresivo. La opinión se divide entre los que valoran positivamente el cambio, como parte de la evolución del grupo y especialmente de Fito como letrista; y los que lo valoran negativamente, como un distanciamiento del rock que tanto marcó al grupo en sus inicios.

Fue entonces cuando en la banda, que vivía su cénit en cuanto a éxito, se produjo un desencanto entre los miembros, y comenzó su oscura desaparición, dando sus últimos conciertos en Octubre de 2001 en el local La Riviera de Madrid. Fito siguió con un nuevo grupo, Fito y los Fitipaldis, Uoho se incorporó al cien por cien a Extremoduro y Mongol y Maguila pasaron a formar parte de La Gripe.

Ya disueltos, el grupo editó la primera parte de un recopilatorio que pretendía reunir las canciones más significativas de su trayectoria, unas regrabadas y otras remezcladas, que vio luz en 2002 bajo el nombre de Hay mucho rock'n roll. Volumen I., acompañado de un DVD con los videoclips. Este proyecto se culminó en 2005 con la edición de "Hay mucho rock´n roll. Volumen II.", en el que se incluyen otras tantas canciones también en parte regrabadas y/o remezcladas, así como un DVD con un directo del grupo.

Componentes

Adolfo Cabrales, Fito - vocalista, guitarra
Iñaki Antón, Uoho - guitarra
Juantxu Olano, Mongol - bajo
Jesús García, Maguila - batería

Soziedad Alkoholika
 

Biografía de Soziedad Alkoholika

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No es fácil clasificar a Soziedad Alkoholika dentro de un único estilo musical. Trash, Hardcore, Metal, Punk... Lo único cierto es que sus fundamentos básicos siempre han sido la potencia y la velocidad, mostrando en sus composiciones un amplio y variado abanico de influencias marcadas por su particular estilo. En lo que respecta a sus textos, siempre se han mantenido en una línea acorde con la música. Letras corrosivas y explicitas, repletas de compromiso social y denuncia directa han sido una de sus principales características. Esta irreverente actitud les ha acarreado no pocos problemas con la justicia, promovidos desde los sectores mas conservadores.

Desde el comienzo de su formación como banda, no han dejado indiferente a nadie. Arrasaron con su primera demo "Intoxikazión Etílica" en la que combinaban una fuerza y velocidad inusuales hasta entonces. Pero fue en 1991 con su primer LP "Soziedad Alkoholika" cuando logran sorprender a la crítica especializada y atraen a una gran cantidad de adeptos de todo tipo de músicas duras. Su primer trabajo oficial rompía las barreras que muchos creían insalvables entre estilos tan definidos como el Punk y el Metal, lo cual supuso un auténtico revulsivo para la escena. En poco tiempo se convirtieron en referente para un buen numero de bandas dentro y fuera del estado. Como no podía ser de otra manera, su primer LP se convirtió casi al instante en todo un clásico del crossover.

Al cabo de pocos años, sin dejar de ofrecer conciertos y tras publicar dos EP´s y su segundo LP, crean en 1995 su propio sello discográfico independiente, Mil A Gritos Records. La primera referencia que editan ese mismo año es su tercer larga duración "Ratas", logrando de nuevo sorprender a todos con un cuidado sonido pero mostrándose mas contundentes que nunca. A partir de entonces editan casi todo su material a través de su sello, además de dedicarlo para la producción de otras bandas.

Desde sus inicios, Soziedad Alkoholika, no ha parado ni un momento de actuar por toda España, América, Europa, Japón, etc. Con 8 LPs a sus espaldas y mas de 350.000 discos vendidos en el estado español, es uno de los grupos independientes más reconocido y que más poder de convocatoria tiene en sus directos. Su sólida formación no ha variado apenas desde sus orígenes manteniendo intacta toda su esencia original tanto en sus grabaciones como en sus arrolladores directos.

Soziedad Alkoholika, fuerza y actitud


Juan: Voz
Jimmy y Jabi: Guitarras
Pirulo: Bajo
Roberto: Batería

Discografia

-INTOXIKAZION ETILIKA (1990, DDT)
-SOZIEDAD ALKOHOLIKA (1991, OVERDRIVE)
-Y ESE KE TANTO HABLA... (1993, OIHUKA)
-RATAS (1995, MIL A GRITOS)
-DIVERSIONES (1996, MIL A GRITOS)
-NO INTENTE HACER ESTO EN SU CASA (1997, MIL A GRITOS)
-DIRECTO (1999, MIL A GRITOS)
-POLVO EN LOS OJOS (2000, MIL A GRITOS)
-TIEMPOS OSCUROS (2003, LOCOMOTIVE)

RAGE AGAINST THE MACHINE....CASI NA!!!
 

Zack de la Rocha penso en el nombre “Rage Against the Machine” antes de que la banda se hubiese formado, mientras estaba en una banda hardcore de California llamada Inside Out. Inside Out tenía una canción llamada “Rage Against The Machine”, que también iba ser el título de su segundo disco. En vez de eso, se disolvieron. Así que cuando Zack se encontró con Tom Morello y formó un nuevo grupo, “Rage Against the Machine” parecía ser el nombre más apropiado, por la música y las ideas que eran transmitidas. Tom Morello describe exactamente cual es la “máquina” contra la que están enfurecidos: “La máquina puede ser cualquier cosa desde la policía en las calles de Los Angeles quienes pueden sacar automovilistas fuera de sus autos y golpearlos hasta reducirlos a pulpa y salirse con la suya, hasta la maquinaria capitalista del estado internacional global que trata de convertirte en un engranaje sin mente, para no pensar críticamente y nunca confrontar al sistema, y no sólo lo que sería comportarse y esperar el fin de semana y el siguiente pack de cerveza.” La música, conocida como la etapa mas popular entre el rock y rap, brota del interés de Zack en bandas de hip-hop como Public Enemy, y KRS-One, tanto como de sus raíces en el hardcore. El aprecio de Tom Morello por el hard rock y el punk como Black Sabbath y Sex Pistols responde al sonido tan bien formado de la banda, mientras que el interés en el jazz de Tim Commerford y el ritmo único que va del hip-hop al punk de Brad Wilk lo redondean.
“Rage Against the Machine” empieza cuando Zack de la Rocha y Tim Commerford estaban en la escuela primaria. Se conocieron cuando Zack le enseño a Tim como robar comida de la cafetería de la escuela, comenzando así la amistad entre ambos. Zack tenía un claro interés por la música, asi que como dice el refrán “dime con quien vas...”, inculcó a su amigo el mismo interes. Es aquí cuando Tim comienza a tocar el bajo. A su vez, Zack estaba involucrado en la escena hardcore en Huntington Beach y tocaba la guitarra para una banda llamada Hardstance, y eventualmente en una banda hardcore llamada Inside Out que pasó a ser popular en EE.UU. Mientras tanto, Tom Morello estaba en Libertyville, Illinois, practicando con la guitarra y tocando en bandas de garage de secundaria, como Electric Sheep la cual fundó con el guitarrista de Tool, Adam Jones. Tom se había mudado a Los Angeles desde Illinois bajo la impresión de que L.A. era la Meca para hacer funcionar una verdadera banda de rock. Tom vio por primera vez a Zack rapeando con unos amigos en un club, pero el sistema de altavoces era tan malo que no pudo entender del todo la magnitud de porqué Zack estaba tan enojado. Más tarde cuando Tom le dio un vistazo al cuaderno donde Zack escribía sus letras, se dio cuenta de lo que él era. Tom conoció a Brad Wilk anteriormente, porque Brad había respondido a un anuncio que buscaba baterista. Zack trajo a Tim y las cosas comenzaron a ponerse en marcha.
La primera presentación de la banda fue en el hall de unos de los amigos de Tim en Huntington Beach, California en 1991. La banda tocó cinco temas completos y medio que tenían compuesto. Al público le gusto tanto, que hicieron que los repitieran. Tras varias presentaciones, se dieron cuenta que tenían algo, así que decidieron poner las 12 canciones que habían compuesto en un cassette producido por ellos mismos que grabaron en un estudio local. Empezaron a tocar para públicos más grandes por el área de Los Angeles y llegaron a vender 5000 copias de la cinta.
Empezaron a ganarse la atención de la escena musical, y fueron suficientemente afortunados como para firmar para Porno For Pyros en su primera actuación de importancia. Llegaron al segundo escenario del Lollapalooza II, donde una discográfica se puso en contactó con ellos. Firmaron con Epic, e iniciaron una gira mientras comenzaban a grabar “Rage Against the Machine” que fue lanzado por Epic y permaneció en el top 200 del Billboard por 89 semanas. Siguieron de gira y participaron en varios conciertos benéficos: por Mumia Abu-Jamal, Leonard Peltier, la Liga Anti-Nazi y Rock for Choice. En 1993, aparecieron en Lollapalooza de nuevo y en Filadelfia elevaron su notoriedad mucho más, cuando hicieron una protesta contra la censura y el PMRC (organización de padres que pretende censurar las letras del rock y el rap), quedándose parados en el escenario completamente desnudos durante algo menos de 15 minutos, con acoples de bajo y guitarra zumbando. Pusieron cinta adhesiva sobre sus bocas, y letras, “P” “M” “R” “C” escritas en el pecho de los cuatro miembros de la banda. Tom dijo que “Fue para mostrar que si los fans no actuaban por su cuenta, no podrían ver bandas como nosotros”. Fue para despertar a la gente y mostrarle cual es la realidad que persigue a la comunidad artística.
En Diciembre del 1993, lanzaron el video de Freedom para apoyar a Leonard Peltier. El video se transformó en el número uno en EE.UU. Continuaron de gira durante todo 1993 y 1994. Esparciendo su mensaje. En enero de 1994, el interés de Zack miró hacia la sublevación indígena en el sur de México. La banda se encontraba en Atlanta para hacer un nuevo álbum, pero las cosas comenzaron a ser más complicadas de lo que ellos pensaron. La banda había firmado y comenzado la gira tan pronto que realmente no tuvieron tiempo suficiente para conocerse. Mientras estaban en Atlanta, intentaron trabajar juntos, pero no funcionó. Zack se iría sin avisar durante varias semanas a Chiapas, mientras los otros miembros de la banda hacían lo suyo.
Finalmente decidieron ponerse las pilas y trabajar. Alquilaron la habitación de enfrente de uno de sus apartamentos en Los Angeles, y con los cables corriendo por los pasillos, empezaron a hacer su segundo álbum, “Evil Empire”. A principios de 1996, RATM toco en el Big Day Out en Australia y aparecen en el programa Saturday Night Live de NBC donde su actuación fue interrumpida después de su primer canción cuando el productor Brendan O’brien trató de colgar una bandera estadounidense al revés en los amplificadores para protestar por tener al candidato presidencial Steve Forbes como anfitrión invitado en el programa esa noche. Al día siguiente, el video de Bulls on Parade fue lanzado en MTV. Dos días después de eso, es lanzado Evil Empire, el segundo álbum de RATM, el disco entró en el top 200 en el puesto número uno, ganándole a “Jagged Little Pill” de Alanis Morisette. RATM encabezó su propia gira en EE.UU. en la primavera y el verano del 1996, y el video de “People of The Sun” fue lanzado, y censurado en MTV por contenido violento (la realidad). En la primavera RATM salió nuevamente de gira, siendo banda soporte de U2 en su gira PopMart. Todas las ganancias de estos conciertos fueron directo al apoyo de organizaciones políticas y sociales.
En el verano de 1997, Rage Against the Machine y Wu-Tang Clan salen de gira juntos, volviéndose la atracción más importante de ese verano, superando festivales como Warped Tour, H.O.R.D.E., y Lilith Fair. Zack se manifiesta contra la masacre en Acteal (Chiapas, México) donde 45 niños, mujeres y hombres eran asesinados. En 1998 Tom Morello es llamado para una colaboración con Perry Farrell, sin mencionar muchas otras colaboraciones para artistas como: Liam Howlett de Prodigy, Henry Rollins, Bone Thugz N’ Harmony, Cypress Hill, e Indigo Girls, mientras que con el resto de la banda colabora con artistas Snoop Doggy Dogg, y Zack con KRS-One y Last Emperor.
En octubre de 1999 sale a la venta el single de "Guerrilla Radio", que sería parte del tercer álbum de la banda. "The Battle of Los Angeles" es lanzado el 2 de noviembre y alcanza el puesto número uno del top 200 del Billboard. RATM aparece en Late Night With David Leterman de la CBS tocando el vivo desde las calles de Manhattan. En diciembre realizan una gira por EE.UU. y a principios de 2000 realizan un tour por Europa junto a los ingleses de Asian Dub Foundation.

Discografia:

1992-Rage Against the Machine
1996-Evil Empire
1999-Battle of Los angeles
2000-Renegades

Discografia corta pero hiper contundente, recomiendo efusivamente a quien no los haya escuchado que los pruebe......no podra dejarlos...

Saludos

Black Sabbath
 

Biografía de Black Sabbath

Black Sabbath, probablemente sean una de las bandas más influyentes de todos los tiempos. Su música, su imagen oscura y su estética satánica han sido fuente de inspiración para multitud de grupos. Olvidados y maltratados por la crítica durante buena parte de la década de los 80 y principios de los 90 a causa de los altibajos en su carrera, por fin ahora parecen obtener el reconocimiento y respeto que merecen.

Sus orígenes se remontan a 1967, en Inglaterra, cuando Ozzy Osbourne (voz), Tony Iommi (guitarra), Geezer Butler (bajo) y Bill Ward (batería) tras una corta experiencia en un grupo llamado Polka Turk deciden cambiar el nombre por el de Earth. En poco mas de un año consiguieron una buena reputacion como banda de directo, y entre su repertorio, un tema llamado Black Sabbath compuesto por Butler, era el que conseguía una mayor aceptación entre el público cada vez más numeroso que iba a sus actuaciones. Poco despues se ven obligados a cambiar de nombre porque Earth ya esta siendo utilizado por otra banda y deciden adoptar el nombre de Black Sabbath para que se les pueda identificar con la canción.

Ya como Black Sabbath siguen haciendo actuaciones y provocando escándalos por su actitud en escena y sus pintas extrañas. Estamos en 1969 y un promotor de conciertos llamado Jim Simpson decide confiar en ellos y les financia la grabación de su primer álbum, titulado como el grupo y grabado en tan solo 48 horas y con muy pocos medios.

Una vez con el master en su poder, Jim Simpson se dedica a recorrer todas las discograficas para conseguir un contrato, finalmente fichan por Vertigo y en febrero de 1970 Black Sabbath sale a la venta.

El disco es una declaración de principios que 30 años después sigue siendo considerado como uno de los mas innovadores e influyentes de la historia del rock. Guitarras duras, atmósferas oscuras y tenebrosas, una base rítmica impecable, la caracteristica voz de Ozzy, canciones sobre satanismo, rituales e invocaciones, y por si fuera poco, la portada es una de las mas enigmáticas de la historia del rock: la foto que la ilustra muestra un viejo caserío a la orilla de un río, y en primer plano entre la maleza aparece el cuerpo fantasmal de una mujer pálida y vestida de negro, una imagen tétrica que unos periodistas y la propia banda se encargaron de convertir en leyenda al afirmar que en el momento de tomar la foto no había persona alguna allí. Para acabar de dejar claro cual iba a ser su estilo, la contraportada muestra una cruz invertida.

A pesar de la poca promoción y de que la crítica trató al disco con desprecio, entre el publico funcionó bien y llegó a ocupar el número 4 en las listas de ventas. La compañía de discos, satisfecha con el resultado, vuelve a confiar en ellos, y en sólo una tarde de grabación terminan Paranoid, su segundo disco que tuvo un éxito superior al primero llegando a ocupar el numero 1 en las listas de ventas. Con él hicieron su primera gira americana, y en sus actuaciones empiezan a desatar la histeria del público, que acudía con parafernalia religiosa a sus conciertos.

En 1971 editan su tercer disco, Masters Of Reality, y su fama de satanistas sigue en aumento, la iglesia contribuyó a ello al declarar la cancion After Forever como blasfema.

En 1972 aparece Vol. 4 y con el vuelven a girar por los Estados Unidos. El éxito del grupo no deja de crecer y siguen provocando altercados por allí donde pasan. Son infinitas las historias de borracheras, abusos de drogas, problemas con la ley, noches en prisión, y escándalos públicos. En 1973 publican Sabbath Bloody Sabbath y por primera vez hacen uso de los teclados en su música. A este disco le sigue Sabotage, un disco brillante al igual que todos los anteriores.

En 1975 editan We Sell Our Soul For Rock'n'Roll, un recopilatorio que contiene canciones de los seis primeros discos. Pero empiezan a aparecer diferencias entre los miembros del grupo, y su siguiente disco, Technical Ecstasy no alcanza el nivel de los anteriores. Ozzy Osbourne cae en una espiral autodestructiva por el abuso de drogas y alcohol y en 1977 anuncia su marcha del grupo.

El puesto de vocalista pasa a ser ocupado por Dave Walker y con él empiezan las sesiones de grabacion de Never Say Die, pero el nuevo cantante no convence a nadie y tras tres meses en el grupo y sin haber finalizado el disco le despiden. Ozzy Osbourne, en plena decadencia, vuelve a Black Sabbath para terminar la grabacion pero sus diferencias con Iommy no dejan de crecer y tras la gira en la que se muestra torpe como nunca, abandona el grupo definitivamente.

Se cierra así la etapa de Black Sabbath con Ozzy Osbourne. Su legado son unos seis primeros discos que no deberían faltar en la discografía de cualquier amante del rock, uno aceptable (Technical Ecstasy) y un mediocre ultimo disco (Never Say Die).

Ante el incierto futuro de la banda, la discográfica decide lanzar sin el consentimiento del grupo Live At Last, un directo grabado durante la última gira. Un disco totalmente prescindible, tanto por la pésima calidad de sonido como por la precipitación de su lanzamiento, que pasó prácticamente desapercibido entre los fans.

Para cubrir la baja de Ozzy, Iommy -que ya se había convertido en el líder indiscutible del grupo- decide llamar a Ronnie James Dio que había estado en Rainbow, y también incorporan a Geoff Nichols como teclista. Con ellos graban Heaven And Hell, otro disco brillante que contenté a los viejos seguidores de la banda y al mismo tiempo atrajo hacia Black Sabbath a una nueva generación de jóvenes que empezaban a descubrir el Heavy Metal.

Gracias al estilo y personalidad de Dio, muy diferente a Ozzy, consiguieron revitalizar al grupo creando un sonido mucho más fresco. Al disco le siguió una gira triunfal y multitudinaria donde se combinan las nuevas canciones con los temas clásicos de Black Sabbath. Pero a media gira vuelven los problemas. Bill Ward decide abandonar el grupo, y para sustituirle incorporan a Vinnie Apice. Tras la gira graban Mob Rules, otro gran disco con Ronnie James Dio al frente, que seguía consolidando el proceso de evolución de Black Sabbath.

Recuperar el éxito perdido no solucionó los problemas internos que estaban provocando la división del grupo. En 1982 sale a la venta Live Evil, un aplastante doble disco en directo grabado durante la gira Norteamericana. Pero este disco tambien significó el final de Dio y Apice como miembros de Black Sabbath. Otra vez los problemas internos dejaban al grupo al borde de la desaparición. El sustituto de Ronnie James Dio fue Ian Gillian (ex Deep Purple), y con él y la vuelta de Bill Ward al grupo se inicia una nueva etapa marcada por los altibajos donde los cambios de formación son constantes.

Born Again, en 1983, fue un disco que no terminó de convencer a nadie. Bill Ward vuelve a abandonar el grupo, y Bev Bevan pasa a ocupar el puesto de batería. La gira de presentación, que les trajo por primera vez a España, fue decepcionante. Ian Gillian se negó a interpretar temas de la etapa con Dio y en ningún momento consiguió responder a las expectativas. Tras la marcha de Gillian, Bevan y Geezer todo parecía apuntar que el final del grupo estaba próximo. En 1985, en un festival benéfico se produjo la reaparición de Black Sabbath con la formación original, interpretaron sólo tres temas y dejaron claro que fue sólo algo puntual. El futuro seguía siendo incierto.

En 1986, lo que originalmente tenía que ser el proyecto en solitario de Tony Iommi se convierte, por el temor de la compañía discográfica al fracaso comercial, en el nuevo disco de Sabbath, titulado Seventh Star. Esta vez con Glenn Hughes -tambien ex Deep Purple- como vocalista. Eric Singer (ex Kiss) a la batería y Dave Spitz al bajo. Un disco correcto con el que iniciaron una nueva gira, pero tras sólo 4 conciertos Glenn Hughes fue expulsado de la banda y fue sustituido por Ray Gillen.

En 1987 graban The Eternal Idol, que para variar provocó más cambios en la formacion, Eric Singer fue sustituido por Terry Chimes, Ray Gillen dejó su puesto de cantante a Tony Martin, y el bajista Dave Spitz tambien abandonó el grupo para ser sustituido por Bob Daisley. La banda atravesaba uno de sus peores momentos, los constantes cambios de formación estaban provocando un gran desconcierto entre los seguidores del grupo y Eternal Idol es un reflejo de todo eso, pasó totalmente desapercibido y es con diferencia el disco más flojo de Black Sabbath, sólo recomendable para fans completistas que deseen tenerlo todo.

La misma línea siguen Headless Cross y Tyr, siguientes discos donde tampoco faltaron los correspondientes cambios de formación. Black Sabbath, en plena decadencia, se estaban convirtiendo en una sombra de sí mismos, no quedaba practicamente ni rastro de la originalidad y brillantez que habían caracterizado al grupo en sus orígenes y de hecho muchos fans consideraban que todo lo que había hecho Iommi sin Ozzy o Dio no debía ser considerado como discos de Black Sabbath.

Para la grabación de Dehumanizer Iommi se propuso volver a juntar a la formación original. El primero en aceptar fue Geezer, pero ante la negativa de Ozzy, Ronnie James Dio se convirtió de nuevo en el vocalista de Black Sabbath, mientras que Vinny Apice se ocupó de la bateria. Por tanto Black Sabbath volvía a la formación que grabó Mob Rules y Live Evil.

En 1992 salió a la venta el disco, que no respondió a las expectativas y tuvo una floja acogida. Dio dejó de nuevo el grupo, esta vez por negarse a actuar como telonero de Ozzy Osbourne durante dos fechas de la gira Americana. Su sustituto para esos dos conciertos fue nada mas y nada menos que Rob Halford de Judas Priest. Algunos rumores apuntaban a su posible incorporación como cantante, pero finalmente no hubo nada de eso y fue Tony Martin quien volvio al grupo. Bobby Rondinelli fue quien cubrió la baja de Apice para grabar Cross Purposes en 1994.

Más cambios de formación para la grabación de Forbidden, seguía el desconcierto, y tras la gira Black Sabbath entró en un periodo de incertidumbre donde se sucedían los rumores de todo tipo. En 1997, se empieza a hablar de una posible reunión de la formación original, que finalmente se llevaría a cabo -a excepción de Bill Ward- en la gira del Ozzfest. Tras esa gira Ozzy volvió a su carrera en solitario y cuando parecía que el retorno había sido sólo un hecho esporádico, se produjo una nueva reunión -esta vez sí estuvo Bill Ward- para dos memorables conciertos que fueron grabados para la posterior edición del disco Reunion (1998) que contenía también dos temas nuevos grabados en estudio. Durante 1999 estuvieron girando por Europa para satisfaccion de los fans del grupo.

Motorhead
 

Biografia de Motorhead

Surgidos a mediados de los años 70, Motörhead, liderados por su frontman y bajita Lemmy Kilmister, fan de los Beatles, roadie de Jimi Hendrix y miembro de Hawkwind, fue uno de los nombres claves en el hard rock acelerado, iterativo y potente, una banda británica significativa dentro del heavy metal de los 80, que retomaba con amplificación sonora y sudoración escénica las constantes más básicas del rock’n’roll, ejecutadas con rapidez, redundancia abrasiva, destreza e indocilidad sónica.
Lemmy, de nombre real Ian Fraiser Kilmister, nació el 24 de diciembre de 1945 en Stoke-On-Trent, Staffordshire (Inglaterra), hijo de un sacerdote que abandonó a su madre cuando el pequeño Ian solamente contaba con unos pocos meses de edad. Desde su adolescencia se sintió inclinado a la formación de un grupo de rock. El primer disco que compró en su vida fue el “Knee deep in blues” de Tommy Steele.

En su juventud Lemmy admiraba a gente como Chuck Berry, Little Richard, Elvis Presley, The Who o The Vétales, banda a la que contempló con asiduidad en The Cavern. Paradójicamente, Lemmy siempre afirma que los Beatles son una de las grandes bandas de la historia por su diversidad, característica poco alejada en Motörhead, recayendo sus sonidos en la potencia de su instrumentación y en la agresividad de su característica vocalidad, vinculada a su pronunciada personalidad, una de las más carismáticas en el mundo del rock.
A mediados de los años 60 comenzó a sentirse protagonista de la explosión musical del momento, formando parte de un buen número de conjuntos, como The Rockin’ Vicars, Sam Gopal u Opal Butterfly, grupos con los que llegó a publicar singles, entre ellos y con los Rockin’ Vicars, una versión de “Zing! Went the strings of my heart”, tema de Judy Garland que había versionado los Move.
En la segunda mitad de la década, y por un período de ocho meses, también trabajó como roadie de Jimi Hendrix, mientras ensanchaba influencias de otra de sus bandas favoritas, MC5.

A comienzos de los años 70 Lemmy se integró en Hawkwind, ocupando el bajo en 1971 tras la marcha de Dave Anderson de la banda psico-progresiva de Dave Brock. Con Hawkwind, importante banda de space rock, Lemmy grabó, tocando bajo y guitarra, los LPs de nombre “Doremi Fasol Latido” (1972), “Space Ritual” (1973), “Hall of the mountain grill” (1973) y “Warrior of the edge of time” (1975). También fue vocalista de uno de los temas más exitosos del grupo, “Silver Machine” (número 3 en el Reino Unido).
En 1974 también colaboró en el disco de Roger Calvert “Captain Lockheed and The Starfighters”.
Un año después. Lemmy fue expulsado de Hawkwind tras ser detenido en Canadá por posesión de drogas. Pasó unos cuantos días en la cárcel y tras salir decidió formar un grupo al que quería denominar Bastard. El nombrecito, poco comercial, no convencía al manager y terminaron llamándose Motörhead, un grupo con el que Lemmy se despojó del space y del progresivo para tocar simplemente rock, enérgico, sucio, básico, rápido y ruidoso. El nombre derivaba de una canción escrita para el disco de Hawkwind “Warrior of the edge of time”.

Lemmy, con su bajo Rickenbacker, se alió con el guitarrista Larry Wallis (ex componente de Pink Fairies y de la banda de Steve ) y con el batería Lucas Fox para comenzar su nuevo proyecto, el cual iba a debutar con un LP producido por Dave Edmundo para United Artits. Las broncas entre Lemmy Edmunds terminaron con la suspensión de la publicación y la marcha de Lucas Fox, quien fue sustituido por Philthy Animal. También en ese momento se incorporó al grupo un segundo guitarrista, “Fast” Eddie Clarke.

Tocaron durante un período como cuarteto hasta que Wallis desertó del grupo antes de la grabación de su álbum debut, “Motörhead” (1977), un disco aparecido en el sello Chiswick. El LP, junto a su vibrante directo, lleno de energía, la banda fue consiguiendo ensanchar cada día su creciente número de seguidores. El álbum, con producción de John “Speedy” Keen (líder del grupo 60’s Thunderclap Newman, los de “Something in the air”) y con temas como “Motörhead” o “Iron Horse/Born to lose”, fue publicado en plena era punk, artistas con los que Lemmy mantuvo, por lo general, un ameno contacto, en especial con The Damned, con quienes llegó a tocar en algún single, o The Adverts. No en vano la velocidad de ejecución vinculaba mucho su sonido a la urgencia punk.

Para la grabación de su segundo disco grande, Motörhead abandonaron Chiswick para firmar con Bronze Records, en donde apareció “Overkill” (1979), uno de sus discos más celebrados con cortes como “Damage Case”, “Metropolis”, “Overkill”, “No Class” o “Stay Clean”. La producción corrió a cargo nada más y nada menos que de Jimmy Miller, el productor de los Rolling Stones o Traffic.

Las ventas de “Overkill” fueron excelentes, al igual que el de su siguiente LP del año, “Bomber” (1979), de nuevo con Miller en los mandos del estudio. Además del fantástico y pegadizo tema homónimo, el álbum deparaba piezas como “Dead man tell no tales”, “Sharpshooter”, “All the aces” o “Stone dead forever”.

Este triunfo sirvió para que la avispada gente de United Artits desempolvara las cintas grabadas, tras romper con Edmunds, con Fritz Fryer, miembro del grupo de beat Four Pennies, y sacaran a la venta aquel primer disco de 1975, cuando todavía estaban en el grupo Larry Wallis y Lucas Fox, “On Parole” (1979). Este álbum volvió a vender en cantidades astronomicas por toda Europa.

Los años 80 encumbraron a Motörhead como una de las bandas más poderosas del planeta y uno de los nombres clave de la new wave británica de heavy metal, apuntaladores del speed metal o el thrash metal, especialmente tras “Ace of Spades” (1980), un cardinal LP de hard rock poderoso con arrogante expresión vocal y el terceto posando en plan revolucionarios mexicanos, producido por Vic Maile, quien había producido previamente a Brinsley Schwarz o a Dr. Feelgood, el cual incluía temas como “Love me like a reptile”, “Shoot you in the back”, “(We are) The Road Crew”, “The Chase is Better Than The Catch”, “The Hammer” y por supuesto el clásico corte homónimo, todo un himno en los conciertos de la banda.
El fenomenal directo “No Sleep ‘Til Hammersmith” (1981) les llevaría al número 1 en las listas del Reino Unido.
Después de que grabaran con Girlschool y como Headgirl el EP “The Saint Valentine’s Day Massacre” (1981), apareció en el mercado “Iron Fist” (1982), co-producido por ellos mismos (por primera vez en su carrera) junto a Evil Red Neck y Will Reid, fue el último álbum grabado por la formación clásica de Motörhead. En esta época “Fast” Eddie no soportaba a Lemmy y Lemmy no soportaba a “Fast” Eddie, hecho que provocó la salida de este último tras la grabación de Lemmy y Wendy O. Williams (Plasmatics) del single “Stand by your man”.

El guitarrista Brian “Robbo” Robertson (ex componente de Thin Lizzy) se incorporó al grupo para grabar “Another Perfect Day” (1983), un disco producido por Tony Platt (ingeniero de Mott The Hoople o AC/DC) que no cumplió las expectativas comerciales del grupo a pesar de concomitar en sus mejores esencias. A partir de aquí los cambios en la formación, siempre con Lemmy presente, fueron bastante constantes.

Robertson, nunca bien aceptado por los fans más cerrados del grupo, terminó dejando la banda después del disco, al igual que Philty, uniéndose a Motörhead tres nuevos componentes, los guitarristas Wurzel y Phil Campbell, y el batería Pete Gill, ex miembro de Saxon, con los que Lemmy grabó “Killed by death”. En 1984 publicaron un recopilatorio titulado “No Remorse” (1984).

Al siguiente año no apareció ningún disco de Motörhead a causa del conflicto legal mantenido con Bronze Records tras su marcha de la compañía. Su vuelta al estudio, tras aprovechar la temporada con una buena serie de conciertos por todo el mundo, sería en el sello GWR y con el LP “Orgasmatron” (1986), un disco bien recibido que fue producido por Bill Laswell y que contenía temas ya clásicos en su repertorio como “Orgasmatron”, “Riding with the driver” o “Deaf forever”. Durante los años 80 y con escasas variaciones en su rocoso sonido apareció “Rock ‘n’ Roll” (1987), álbum co-producido por Guy Bidmead con un título que definía bien su fundamento sonoro y con Philthy de nuevo en las baquetas. Un año después publicaron el disco en directo “No Sleep at all” (1988).

En este decenio Lemmy también hizo sus primeros pinitos como actor, escribió con Lita Ford el tema “Can’t catch me” y colaboró con Nina Hagen. Durante 1989 y 1990 Motörhead volvieron a tener problemas con su sello discográfico, pleiteando en tribunales ahora con GWR.

En 1991 aparece “1916” (1991), disco publicado en WTG/Sony que contiene un homenaje a los Ramones en “R.A.M.O.N.E.S.”, con un sonido cercano a la banda de Queens, y consigue una nominación a los premios Grammy. El mismo año giran con Judas Priest y Alice Cooper y al siguiente publican “March or Die” (1992), primer trabajo en el cual aparece en la batería Mikkey Dee.

Tras este álbum y de manera sorprendente tras la buena acogida comercial y crítica de los LPs, el grupo es expulsado de WTG. Ellos responden con “Bastards” (1993), disco aparecido en su propio sello Motörhead. A mediados de la década Lemmy toca con las japonesas Shonen Knife y graba con Motörhead en el sello CMC buenos discos como “Sacrifice” (1995) u “Overnight Sensation” (1996). El disco en vivo “King Biscuit Flower Hour” (1997), que recupera un directo con Robertson a la guitarra, “Snake bite love” (1998), otro disco en vivo, “Everything louder than everyone else” (1999), y la compilación “Jailbait” (1999), cierran su discografía en los años 90.
Posteriormente y siempre con sus conocidas e invariables pautas, Motorhëad publicaría discos potentes para el seguro disfrute en vivo pero formulistas a nivel compositivo dentro de los cánones de alborotador y vital rock’n’roll (como un Chuck Berry hipervitaminado y de voz exacerbada), del estilo de “We are Motörhead” (2000), con una estupenda versión de Sex Pistols, “God save the queen”, “Hammered” (2002) o “Inferno” (2004), álbum que incluye la colaboración de Steve Vai.
En 2005 sale a la venta “BBC Live & In-Session”, una recopilación de sus mejores temas, que sirven para preparar lo que hasta ahora es su nuevo trabajo del 2006 de nombre Kiss of Death (2006).

Meat Loaf
 

Biografía de Meat Loaf

Meat Loaf Sobrenombre de Marvin Lee Aday, legalmente se cambió el nombre al de Michael Lee Aday

Nació en Dallas (Texas) el 27 de septiembre de 1947

Según él mismo refirió en alguna ocasión, fue su propio padre quien le puso el apodo de meat loaf (pedazo de carne), por su obesidad, desde muy pequeño.

En 1958 su madre es diagnosticada de cáncer de pulmón.

En 1968, cursa estudios en el colegio "Norte de Texas". Muere su madre. Se separa de su padre, que tenía problemas de alcoholismo.

Comienza su carrera musical con 20 años, en Los Ángeles, con la banda "Meat Loaf Soul", siendo teloneros de The Who, The Stooges y Ted Nugent.

Tras trabajar un tiempo como aparcacoches en el Beacon Theather, es contratado en la ópera-rock Hair, de estilo hippy, con la que se va de gira por EE.UU.

Grabó un disco en Detroit, con una cantante llamada Stoney (compañera de reparto en Hair). Siendo los primeros blancos que graban para la Motown.

Trabajó en las obras musicales "Rainbow in New York" y "More Than You Deserve", esta última escrita por Jim Steinman. Participó en la versión cinematrográfica de la obra musical The Rocky Horror Show.

En 1971 decide asociarse con el compositor y pianista Jim Steinman. Dos años después deciden ir a Los Ángeles para presentar su disco, pero es rechazado en todas las discográficas. Deciden financiar el disco por sus propios medios.

En 1976, en un concierto en Woodstock (Nueva York), conoce a su mujer, Leslie Edmond, que trabajaba en para el manager de Bod Dylan y Janis Joplin.

Tras grabar ellos mismos el disco "Bat out of Hell", siguen sin conseguir apoyo de ninguna discográfica. Pero si el apoyo de Todd Rundgren que produce el disco.

En 1977, tras aceptarlo EPIC, comienza a comercializarse con éxito en Cleveland y en algunos países de Europa. Inician a lo largo de 1987 una gira para darse a conocer por EE.UU., con gran éxito: Boston (Massachusets), Phoenix (Arizona), Arlington (Virginia), Minneapolis (Minnesota).

Su mujer queda embarazada de su hija Amanda. Según algunas versiones, deciden tomarse un tiempo de descanso que la discográfica no acepta, porque quiere sacar un segundo disco ("Bad for Good"). Al parecer, Meat Loaf comenzó con una afección en las cuerdas vocales, que tras descartarse organicidad tenía un origen psicológico. Este problema le hizo abandonar. Lo cierto es que el disco salió como una obra solista de Steinman.

En 1981 se encontraba en graves dificultades económicas, y su trabajo como actor, así como su disco "Dead Ringer" no tuvieron el éxito esperado. El disco de Jim Steinman y el del propio Meat Loaf competían en las tiendas y en las campañas de marketing, pues el disco de Jim Steinman llevaba la leyenda del "creador de Bat Out Of Hell".

En 1983 triunfa en una gira por Europa. Pero sus problemas económicos se agravan debido a demandas judiciales desde su primera discográfica, por lo que acaba arruinado. Pese a ello consigue grabar "Midnight At The Lost And Found" que pasa sin pena ni gloria.

En 1984 cambia de compañía y se va a Arista Records -que previamente había rechazado el Bat Out Of Hell- para grabar "Bad Attitude" y "Blind Before I Stop".

Apenas consigue mantener cierto éxito a costa de mantener una gira constante de conciertos, hasta que en 1989 vuelve a asociarse a Steinman, editando "Bat Out Of Hell II", que sale al mercado en 1993, siendo número uno en ventas en todo el mundo. El single I'd Do Anything For Love (But I Won't Do That) se convierte en todo un número 1 y pese a su extensión es radiado y el vídeo clip dirigido por Michael Bay es emitido en todo el mundo. Consigue -de nuevo- el reconocimiento internacional siendo galadornado con un grammy.

Tras el rotundo éxito de la segunda parte del Bat y su correspondiente gira mundial se embarca en un nuevo disco, que saldría en 1995 "Welcome To The Neighbourhood", pero no cosecha el éxito esperado y se vuelca en faceta de actor, sin dejar de dar conciertos y hacer giras aunque sin discos. En este periodo de tiempo se le puede ver en "Locos En Alabama" (Antonio Banderas) o "En El Club de la Lucha" (David Fincher).

En 2003 saca un nuevo disco titulado "Couldn't Have Said It Better (Myself)" que concluye con una versión del clásico de Bod Dylan "Forever Young" como despedida de todos sus fans.

En 2006 se vuelve unir a Jim Steinman para crear la tercera parte de la saga. Esta no va a estar completamente escrita por Jim Steinman lo que creó polémica. El disco saldrá a la luz el 31 de octubre de 2006 bajo el nombre de Bat Out Of Hell III: The Monster Is Loose.

Su faceta con actor se salda con multitud de pequeños papeles. Siendo el más representativo en el clásico The Rocky Horror Picture Show -ya intervenío en la versión treatal.

Reincidentes
 

Hubo un tiempo en que en los países de habla hispana, la música era un vehículo de la política, y la poesía y la protesta social eran una misma cosa. En España, desde mediados de los años setenta, esta combinación quedó relegada a los cantautores y desconectada de la evolución de la música electrificada, del pop y del rock de influencia europea.

En el rock duro español se consolidó desde luego una vena social, una épica y lírica de la conciencia juvenil, pero más de barrio que de clase, y por tanto a menudo desinteresada del compromiso político. Mientras tanto, en Europa, el punk abrió las puertas a una reidentificación radical entre rock´n´roll y política, con figuras emblemáticas como los "Clash" en Inglaterra y los "Dead Kennedys" en América. Pero aquí la recepción del punk fue minoritaria y segmentada: entonces ser un heavy era casi lo contario social y culturalmente que ser un punki. Consiguientemente, si en los años ochenta hubo una etiqueta nefasta fue la del "rock político", que arraigó sólo donde existía una conexión entre movimientos sociales y expresión juvenil radical, en la Euskadi del ska-hardcore de "Kortatu" y "La Polla Records".

En el resto del Estado, la ausencia de rock con conciencia era sintomática de la desmovilización juvenil lograda por la socialdemocracia. "Reincidentes" son el primer y más acabado ejemplo de cómo este vacío ha podido ser satisfactoriamente superado desde comienzos de los años noventa, provocando un verdadero fenómeno sociológico sorprendente, una nueva audiencia emergente que demuestra hasta qué punto el rock´n´roll de vena comprometida era una asignatura pendiente en el panorama musical español. Pero a finales de los años ochenta, cuando comenzaron su andadura, era difícil anticipar que una propuesta de estas características tenía futuro. De hecho, los Reincidentes tuvieron un primer paso en falso con "Incidente Social", un grupo que entre 1985 y 1986 dio algunos conciertos en su Sevilla natal sin mayor consecuencia. En él estaba no obstante presente ya el núcleo de la futura banda: Juan R. Barea, entonces al bajo, Manuel Pizarro a la batería y Fernando Madina con las voces y la guitarra. Hizo falta que estos chavales de la adocenada y conformista Sevilla "socialista" decidieran "reincidir" y, sin sentir el vértigo de la cuerda floja, buscar el puente entre el punk y el rock duro, y entre el romanticismo urbano de barrio y la utopía de la comunidad política justa y participativa.

Para ello fue primero necesario que tuviera lugar en sus vidas una experiencia personal que les hizo salir de la disyuntiva entre quedar atrapados en la incomprensión o callar definitivamente: su participación en la huelga de estudiantes universitarios de 1987, que por un momento hizo protagonistas de su propia biografía colectiva a los jóvenes españoles, y alrededor de la cual tuvo lugar una primera reactivación de la cultura radical a escala nacional. Los Reincidentes dieron de hecho un primer y mítico concierto en plena ocupación estudiantil de la Universidad de Sevilla, enchufando sus instrumentos delante del despacho del rector. Automáticamente, quedaron enganchados a una corriente subterránea que poco a poco comenzaba a extenderse cuentionando el consenso dominante desde la transición. A pesar de que el futuro de la banda era completamente precario, los Reincidentes había hecho su reentrada en un ambiente de euforia colectiva y, sobre todo, se habían librado de la tutela psicológica institucional, habían roto amarras. Haciendo honor a sus raíces andaluzas, eran como jornaleros emancipados del señoritismo -que ahora se presenta en forma de moderación reformista-, cuya liberación ha desatado un potencial en bruto inagotable. Esta energía sería su principal atributo en un ambiente en principio muy poco propicio para la difusión de su mensaje de rabia y reivindicación. Faltaba, sin duda, el aprendizaje imprescindible, pero las cosas estaban ahora claras, de forma que con trabajo y continuidad se lograría dar forma al ímpetu.

La suerte sonríe a los atrevidos. El primer golpe de fortuna del grupo fue el acceso al estudio de grabación de Juanjo Pizarro (ex "Dogo y los Mercenarios"...) hermano de Manuel y verdadera bestia de la música profesional española. Juanjo aceptó grabarles una maqueta con la que el grupo se presentó al primer Concurso de Rock de la Diputación de Sevilla, en 1989, una iniciativa electoralista de las autoridades andaluzas que los Reincidentes supieron aprovechar para su aprendizaje: ganadores del concurso, tocaron con "La Frontera", subiendo por primera vez a un escenario grande y sintiendo la vibración del público masivo. Ya entonces el grupo se ha consolidado en nueva formación, con Fernando en el bajo y las voces y Juan en la guitarra, el primero a las letras y el segundo a las composiciones musicales, aunque ambas llevan siempre el sello de todos. En esas fechas entra en la banda también José Luis Nieto, "Selu", un saxo de toque muy personal que inspiraría esta primera etapa de la producción musical del grupo. Su música es entonces esencialmente agresiva, entre el sonido acelerado punk y las letras próximas al rock radical vasco, que se convierte en su aliado natural. Su primer disco, "Reincidentes" (Discos Trilita, 1989, reeditado por Discos Suicidas) evidencia por un lado las limitaciones del grupo: es un trabajo autoeditado de apenas mil copias y con un sonido deficiente, mucho más apagado que los directos de la banda. Y sin embargo, ello no es un obstáculo insalvable: la edición se agota en la venta directa en giras sobre todo por Euskadi y debe reeditarse. El grupo, que es conocido sobre todo por sus directos, consigue un reconocimiento en el mundo de los gastetxes vascos.

"Ni un paso atrás" (Discos Suicidas, 1991) es el segundo disco de Reincidentes y la primera manifestación de uno de sus atributos más característicos: la imparable capacidad de poducir temas, en la línea de los Clash. En apenas un año largo, el grupo graba su segundo largo en medio de una tanda de conciertos por el País Vasco. Esta vez, un sello alternativo del panorama vasco, Discos Suicidas ("Eskorbuto", "Guerrilla Urbana"...) se decide por la edición y firma contrato con el grupo por dos discos. El disco se graba en Estudios Central de Sevilla bajo la dirección de Juanjo Pizarro, que se va confirmando como el garante de la adecuación del espíritu del grupo al sonido enlatado; en la mesa de sonido está José María Sacrista (Triana). Igual de destacable es la incorporación de Carlos Domínguez, un técnico de sonido que desde entonces acompaña por igual los directos y las grabaciones de la banda. "Ni un paso atrás" es un disco de resistencia hasta la médula: el tono activista de los temas sube y las canciones más que contar cosas sentencian, animan a la lucha contra todo. La portada, una adaptación de los fusilamientos de Goya a la conquista de América, anuncia cuál será la actitud del grupo ante la celebración del V Centenario que se aproxima.

En 1992, los Reincidentes se han hecho su hueco en el rock alternativo que se escucha en Euskadi. Pero en el entreacto han sucedido fenómenos importantes en la evolución social y musical en buena parte del mundo: mientras el ska-hardcore ha dado lo mejor de sí, una nueva audiencia musical está a punto de aparecer de la mano de una juventud excluida de los beneficios de la ciudadanía social, azotada por el desempleo y la precariedad y libre en cambio de prejuicios musicales. En España, sólo un grupo como "Barricada" había logrado en su rock-hardcore una cierta sensibilidad por los contenidos ideológicos radicales, pero otras formaciones más nuevas como "Los Suaves" o "Extremoduro", aunque empiezan a difundir el rock duro de calidad por toda la geografía española, se repliegan sobre los temas antropológicos del urbanita de barrio, dejando ahora más que nunca libre el espacio de conexión entre la música urbana y la protesta social, y entre el punk-rock y el heavy-rock. Los Reincidentes pueden así experimentar en esa tierra de nadie con holgura.

El grupo da prueba de su adecuación a los tiempos y de su independencia de criterio con "¿Dónde está Judas?" (Discos Suicidas, 1992), un trabajo en el que no sólo sube el nivel notablemente, con bases mejoradas y guitarras más intensivas, sino que además las letras abandonan la estrechez de las cosignas y comienzan a desgranar historias, ampliando a la vez el elenco de temáticas sociales. Pero la clave se halla probablemente en la acertada fusión entre letras más narradas y desarrollos musicales un poco más melódicos que se plasman en un sonido en directo efectivo y contundente que desborda los límites del sonido punk-hardcore sin alterar un ápice la coherencia militante de los contenidos. Con este disco, los de Sevilla están en condiciones de jugar en casa y dar la nota discordante en la celebración del V Centenario y la Expo Universal. Sevilla 92 constituye de hecho un segundo gran jalón en la consolidación de la identidad ideológica y musical de los Reincidentes. La policía cargó contra uno de sus conciertos, deteniendo a algunos de sus componentes, que también dan con sus huesos en la comisaría por su participación activa en las protestas contra los actos oficiales. Más determinante aún fue la aplicación de la "Ley Corcuera" a Selu y a unos colegas de otros grupos musicales vascos confundidos con miembros de la banda armada ETA. Este episodio surrealista y sintomático de la tensión represiva que se vivía en la España del 92, deja al grupo maltratado por los medios, y escarmentado de las llamadas "libertades civiles". Por último, Reincidentes se enganchó al tren de actividades de solidaridad internacional orquestados con motivo de las protestas por el V Centenario: recorrieron Cuba y México en una treintena de conciertos de apoyo y sembraron una semilla para el futuro. De vuelta de las Américas, la banda experimenta su segunda gran transformación: Selu deja el grupo y en su lugar se incorpora Finito de Badajoz "Candy", ("Chatarra" y "Desahogados"), un guitarrista extremeño colorista y personal. El trío con viento ha pasado a ser cuarteto, una formación más adecuada a la creciente incorporación de líneas de melodía procedentes del heavy dentro de la aceleración y la estructura de rock´n´roll de los temas. El puente entre sonidos empieza a ser una realidad.

Con "Sol y rabia" (Discos Suicidas, 1993), la semilla temática y musical iniciada entonces y regada con la gira americana y las protestas del 92 se despliega y adquiere madurez. El disco es un auténtico "clásico" en el género del rock protesta. Ahora los contenidos son más amplios y de mayor calado al tiempo que vienen a concentrarse en los problemas sociales de Andalucía como representación de una desigualdad e injusticia universales, efectuando un ambicioso puente entre la realidad del campo y los ojos de la ciudad, entre el pasado y el futuro. La recuperación de tradiciones se vuelve también más específica y definida: conscientes de que Andalucía posee el arsenal de cultura popular más sólido y la tradición más viva de la Península, Reincidentes incluye un himno nacionalista andaluz de Blas Infante y algunos ritmos "jondos" que denotan la sustitución de Selu por Finito de Badajoz. El gancho del sonido procede de una combinación de aceleración con estribillos sencillos y contundentes fruto de la compenetración entre las dos guitarras. El disco se produce con la fórmula que comenzará a ser habitual en los trabajos siguientes del grupo: los instrumentos se graban en Estudios Central de Sevilla bajo la dirección de Juanjo Pizarro, con apoyo de Carlos Domínguez, y después se mezcla y masteriza en Eastcote Studios y Sound Mastering Studios de Londres de la mano de Dave Young (Pati Smith, John Cale), un productor sensible a la evolución permanente del grupo. Porque lo que este disco rezuma es ante todo el aprendizaje de un grupo que ha logrado una personalidad y que ha hecho fructífero su tesón y su esfuerzo por conocer dos tradiciones y situarse en el límite. El disco se abre con "Jartos d´Aguantar", uno de los platos fuertes de sus directos desde entonces, y un tema que define muy bien la nueva mezcla de heavy australiano-irlandés, punk anglo-americano, y recuerdos a Barricada y la tradición nacional del ska-hardcore. La selección del título demuestra también la forma con este grupo marginado de los medios de comunicación consigue la identificación de su público: fue escogido de entre los que enviaron sus seguidores por toda la geografía nacional, y el gruopo tiene el detalle de editar todos los demás títulos en los créditos. El que se escoge finalmente, "Sol y rabia", resume las señas de identidad de Reincidentes: "La idea de la justicia social existe por la rabia de que no la haya", comentaría entonces Fernando a un periodista para hacerle ver el fundamento político del disco. En definitiva, Libertad, igualdad... y fraternidad rockera. Con este disco la música comprometida de calidad ha salido del universo de los cantautores y amenaza con arrebatar el corazón de la juventud urbana del mundo latino.

Los sevillanos participan en la 1ª Edición de Monstruos del Rock de Akí junto con grandes consagrados como Barricada y otros nuevos referentes: los Reincindentes abren el concierto y dejan extasiados a los cientos de chavales que esperan a sus nuevos grupos de referencia. Comienza a hacerse claramente visible un nuevo público, como se verá en las cifras de venta del largo, 20.000 copias. Pero la prolífica actividad de Reincidentes está desatada a mediados de los años noventa, una vez descubierta una fórmula mágica que literalmente hace despegar a la gente del sitio.

Al año de "Sol y rabia" ve la luz "Nunca es tarde... si la dicha es buena" (Discos Suicidas, 1994), un disco completamente maduro que abre a una larga gira de 78 conciertos por toda la geografía española para públicos cada vez más masivos. Repitiendo el esquema de grabación anterior, con Juanjo Pizarro en Sevilla y Dave Young en Londres, los Reincidentes realizan el trabajo que les abre las puertas directamente a un grupo amplio joven y que se incorpora entonces a la vida pública y al consumo. El disco mismo está en gran medida dedicado a esta juventud emergente, a la que arengan desde el título mismo a la toma de conciencia: ellos, que han conocido ya batallas personales importantes, están en condiciones de mostrar caminos y actitudes a los más jóvenes que les siguen. Pero el disco tiene clase, y recibe el reconocimiento unánime de extraños tanto como propios: respira espíritu no sólo social, sino también musical, en forma de una marcha que carece de momentos flojos o repetitivos, en la que se diluyen las influencias y se equilibarn los ritmos y las melodías. Con 25.000 copias vendidas, Reincidentes no son sólo cabeza del rock andaluz, son ya una de las bandas de rock de mayor credibilidad de la Península, un grupo totalmente consolidado, el único que repite en el festival Monstruos del Rock de Akí en 1995, que motiva ya a miles de personas y empieza a ser tímidamente imitado.

Entre 1995 y 1996 tienen lugar problemas con la casa de discos y se produce el salto a una multinacional, RCA. Discos Suicidas se lanza al mercado americano; los Reincidentes realizan una gira por México que termina en Nueva York. A su regreso, vuelven a componer temas, hasta un total de 26 en sólo meses. Pero el grupo y la compañía discrepan sobre la conveniencia de sacar un nuevo disco. Al final, tendría lugar una solución salomónica: Reincidentes ficha por un nuevo sello de edición, pero entrega el disco prometido a su compañía independiente, que debía titularse en principio, "El sexto". El CD salió sin embargo finalmente con el título de "Materia reservada" (Discos Suicidas, 1997), mientras las relaciones entre las dos partes se deterioraban completamente (Discos Suicidas tendría incluso oportunidad de editar un segundo CD con temas no incorporados a éste, con el título de "Los auténticos" (Discos Suicidas, 1998)).

Por su parte, "Te lo dije" (BMG Ariola/RCA, 1997) sería la contrapartida editada por la nueva casa de discos. Contra todo pronóstico de los más recalcitrantes, la incorporación de Reincidentes a una empresa de grandes medios no altera un ápice el espíritu de la banda, al contrario, aporta una mejor producción y difusión. Este sería considerado sin duda el mejor disco de su trayectoria hasta el momento, con los temas mejor compuestos, y además, con una grabación que gana en transparencia, en inmediatez y fidelidad al sonido original de la banda. "Te lo dije" es la mejor radiografía de Reincidentes, es casi un directo en estudio, y exhibe de paso el constante devenir del grupo, que logra un sonido un poco más denso, más sólido y unas letras aún más vitales y más claras. En definitiva, un disco supino que marca el último asalto al público masivo en los conciertos y ventas. Además del cambio de la discográfica, en este tiempo se produce la incorporación de Reincidentes a la escudería de Attraction Management, empresa con la que el grupo ha colaborado desde tiempo atrás, pero que ahora pasa a promover en exclusiva las giras de una banda que congrega cantidades crecientes de público y que gusta combinar conciertos festivos con actuaciones de solidaridad en actos públicos a favor de causas políticas.

A lo largo de 1997 los Reincidentes realizan una vez más una larga gira por la Península en la que consiguen un increible nivel de compenetración. Surge de ahí la propuesta, originariamente de la propia compañía, de rendir a su público un ejemplo del trabajo en directo. "Algazara" (BMG Ariola/RCA, 1998) es el resultado de este arriesgado proyecto que incluye también un video. Reune en sus 34 temas una síntesis completa de la trayectoria de Reincidentes, pero con la maestría de su momento de consagración. El doble CD es en apariencia una retahíla de los temas de sus conciertos, pero, con la evolución que tienen a sus espaldas, se puede entender como un repaso a veinte años de punkrock y heavyrock en España. Así se explica que aparezcan entremezclados dos homenajes de la categoría de "Sheena is a punk rocker" de los Ramones y "Pan de higo" de Rosendo, dos de sus referentes más enraizados y cuya aproximación es precisamente el gran logro de los Reincidentes. El disco es también en apariencia el producto de una gira más, pero, con las tablas profesionales y políticas que tienen, se convierte en quintaesencia de lo que de sí puede dar una gira musical y activista por la piel de toro: el disco se grabó en veinte conciertos, unificados bajo el lema "Todo el poder a los soviets" y amparados por una gran estrella roja estilizada bajo cuya imagen desfilaron además de los de Sevilla otros grandes "camaradas" de la lucha musical: "el Drogas" de Barricada, Evaristo de la Polla Records, Javi Chispes de "La banda jachís", los Porretas... Mención especial merece la contribución de "El Cabrero", que por motivos de afinidad ideológica y hermandad decidió por una vez salirse de su estilo flamenco purista y compartir escenario con estos luchadores musicales. La gira termina simbólicamente en Marinaleda en una gran fiesta del pueblo, roja, solidaria, unitaria, utópica y activista. "Algazara" es el resumen de una carrera de fondo iniciada más de diez años atrás y basada en la rotundidad de las actitudes, la permanencia del compromiso y la búsqueda de la calidad al servicio de una causa más allá de la música. Con estos valores los Reincidentes no sólo han adquirido una personalidad que destaca dentro del panorama del rock duro español, sino que han superado la épica y lírica del barrio y apuntan hacia un activismo constructivo desde cuyos valores solidarios se realiza una ácida crítica de las realidades e instituciones sociales más deplorables para todo joven consciente y rabioso: el servicio militar, los medios de comunicación, la represión policial, los nazis, y en definitiva, la falta de libertad, contra la que se erige la necesidad de identidad y de fines colectivos. Ese slogan de la gira "soviet" en realidad parecía sencillamente recordar que todo, no sólo el poder sino también la música, es de la gente, de la gente que sabe lo que quiere y no abandona nunca los principios para caminar con otros, juntos. Pero es mucho más que el premio a la constancia. De este disco se dice que retrata al grupo tal cual es: la energía de Reincidentes parece atravesar la tecnología y mostrarse sin dependencia de los medios, in-mediata, y por eso tal vez más real que en el propio directo. La adrenalina positiva de la banda llega además en el mejor momento, el público entregado en los conciertos corre a adquirir el testimonio del acontecimiento y descubre que no es un simple documento, sino tal vez uno de los mejores discos de rock en castellano. Las ventas llegan a rozar el disco de oro, con 48.000 copias vendidas. Es la apoteosis.

Menos de dos años después de "Algazara", los Reincidentes reaparecen. Este grupo verdaderamente prolífico no está dispuesto a repetirse a sí mismo, a vivir de las crecidas rentas; ni siquiera están dispuestos a ejercer una vez más de magnético sermoneador de una juventud alternativa que jalea sus canciones desde hace ya varios años. Con lo que llevan a sus espaldas, no pueden caer con facilidad en las redes de la autocomplacencia o el distanciamiento de los famosos y los puretas. Al contrario, vuelven a la escena dirigiéndose a su público y preguntando, "¿Y ahora qué?" (BMG Ariola/RCA, 2000). No es una pregunta retórica, sino la verbalización de un doble reto, musical e ideológico. Con "¿Y ahora qué?" los activistas sonoros de Sevilla sitúan a los jóvenes en la encrucijada de reflexionar sobre problemas que son ya de alcance mundial, como las diferencias de riqueza y poder en la nueva era tecnológica, la inmigración, los medios o la dominación masculina, problemas que exigen respuestas colectivas de parte de gente consciente y reflexiva. Y a la vez se imponen ellos mismos el reto de seguir evolucionando en su sonido, de la mano, como es habitual de la misma producción a cargo de Juanjo Pizarro en España y Dave Youngs en Gran Bretaña, un tándem que sin duda ha sabido ajustar y ajustarse a su constante aprendizaje. "¿Y ahora qué?" es el disco de un grupo dispuesto a mantenerse fresco y directo, pese a su permanente investigación en el filo de la navaja entre el punk y el rock urbano, entre la tradición española del heavy y la evolución general del rock´n´roll susceptible de aclimatar mensajes críticos y arengas comunitarias. Pero es también el disco de un grupo que tiene claro que su público tiene también que ir evolucionando como hacen los problemas del mundo, que debe adquirir mayoría de edad en forma de conciencia y búsqueda de soluciones y alternativas. Así, aunque el trabajo rezuma madurez en su línea, destaca ahora una vuelta a los temas del rock más social que político, a la antropología del barrio, pero desde una perspectiva cargada de reflexión crítica. Este reto intelectual se efectúa por medio de una música muy versátil, capaz de concebir temas de base hardcore que se abren a guitarras aceleradas de punk-rock pero que adaptan siempre melodías del heavy y conservan los estribillos esenciales del rock´n´roll. Las influencias permanentes de la banda, españolas y extranjeras, son ya herramientas domesticadas que permiten entre otras cosas acometer una versión vertiginosa del "Poema de amor y muerte" de Miguel Hernández. En este CD, en suma, los temas son poliédricos en la forma y poéticos en el contenido, como pone de manifiesto el single escogido para lanzamiento, "¡Ay, Dolores!", una especie de "balada dura" para esposas maltratadas cuya estructura rockera atravesada por vientos incorpora requiebros de ska-hardcore para finalizar en un original guiño flamenco con voces femeninas.

Reincidentes se ha convertido en un paraguas del descontento social en el mundo de habla hispana, y ellos responden a esta responsabilidad con un CD que es algo así como un térmómetro de las cuestiones sociales y el sonido que motivan a una parte nutrida de la juventud.

BLOQUE

BLOQUE se formó en Santander en el año 73, con un grupo de músicos con ganas de trascender el típico ambiente de provincias…Con una marcada influencia de los grandes grupos interesantes del momento( King Crimson, Allman Bros., Zappa,etc…), empezaron a salir allí donde se podían enchufar y había gente con ganas de escuchar. Participan en el histórico Festival de Burgos ( año 75 ,creo ) y siguen por todos los garit@s montando aquellos engendros de equipos, inventados muchas veces por ellos mismos ( todavía no habían llegado las primeras mesas de mezclas ), dando verdaderas sesiones de “ rock progresivo “, y con unos textos llenos de cantos a la auténtica libertad. Es el último coletazo “ hippie “ en la península, tiempos de cambios profundos, de un ansia incontenible de vivir de otra manera, de otros valores, de ruptura con lo cotidiano, de trascender, y BLOQUE cogió aquellas banderas, y por donde iban, soplaban otros aires, y las gentes respiraban de otra forma, y se corrían las voces, y se reunían las personas, y empezaron los grandes festivales ….Ya habían tocado por toda la península, y en el 78 graban su primer disco para Chapa ( Zafiro ), producido por Vicente Romero. Tiempos difíciles para cantar “ …frente a los dioses del engaño, pondrás tus sueños de libertad….( “Joven, levántate” ) y otras canciones-himno: “Undécimo Poder”,” Abelardo y Eloísa”,” Conociendo a Abraxas”, etc…Con el disco sonando, los conciertos son reuniones masivas de gentes con una conexión especial….Siguen siendo años muy duros, el sonido cuesta, pero se consiguen unos directos potentes, efectivos, como pocos grupos. Histórica presentación en Madrid, en el Alcalá Palace, con alquimista incluído….En el 79, ya producción propia, se graba “ Hombre, Tierra y Alma”. Sesiones que dieron “ Ya no hay nada en la calle “, “ El llanto del poeta “ y textos tan actuales hoy como: “Tened cuidado con el poder, va cambiando de color según acontece. Para convencernos usa mil trucos, cuando en realidad , todo sigue igual.” ( “Descubrir el sentido terrible de la vida” ).La presentación se hace en el Teatro Monumental de Madrid, y siguen los conciertos por toda España, siendo sonadosAl año siguiente, el 80, aparece “ El Hijo del Alba “, incluyendo un manifiesto ético:”…..que pueda valientemente cambiar estructuras firmemente afianzadas, que aprisionan al hombre desde siglos.”Y siguen los conciertos y festivales, compartiendo escenarios y equipos y risas y ….. con Leño, Triana, Iceberg, Asfalto, y tantas y tantas bandas….En el 81 aparece el último disco: “ Música para la Libertad “ que se despide con temas como “ Camino del Universo “ , “ Sólo sentimiento “ o “ El poder de la Libertad “.Hasta el 83 siguen los conciertos…y los desconciertos. Muchos años duros, mil anécdotas, accidentes…hasta una electrocución.Pero, por encima de todo, el sentirse privilegiado por haber estado allí, donde tocaba.Por cierto, el núcleo básico de BLOQUE siempre estuvo formado por:

[B]Juanjo Respuela (guitarra acustica y electrica, voz)
Juan Carlos Gutierrez (Organo, Mellotron, sintetizadores, voz)
Sixto Ruiz (guitarra acustica y electrica y voz)
Luis Pastor (bajo)
Paco Baños (bateria)
M. Salmón, de todo, hasta batería cuando hizo falta.[/B]

Y para despedida con esperanza, una cita de “ La muerte renacida”:“
[B]Cuando las plagas quieran destruír las semillas, allí las semillas no serán semillas, sino VIGOR SUBLIME. [/B]
[B][U][CENTER]DISCOGRAFIA[/CENTER][/U][/B]
[IMG][URL=http://imageshack.us]http://img126.imageshack.us/img126/4190/24567165vp7.png[/URL] http://img126.imageshack.us/img126/2...png/1/w348.png[/IMG]
[IMG][URL=http://imageshack.us]http://img149.imageshack.us/img149/3159/78707276fm9.png[/URL] http://img149.imageshack.us/img149/7...png/1/w348.png[/IMG]
[IMG][URL=http://imageshack.us]http://img167.imageshack.us/img167/3388/37987693jb3.png[/URL] http://img167.imageshack.us/img167/3...png/1/w348.png[/IMG]
[IMG][URL=http://imageshack.us]http://img167.imageshack.us/img167/4889/29773469mr0.png[/URL] http://img167.imageshack.us/img167/2...png/1/w348.png[/IMG]

Ok muy buen post y muy buenas biografias de muy buenos grupos OK OK

La Fuga

A mediados de 1996 se forma en Reinosa (Cantabria) La Fuga, cuya formación inicial integraban Rulo, guitarra y voz, Fito, guitarra solista y voz, Iñaki al bajo y Edu a la batería. No obstante, no sería hasta casi un año más tarde cuando la banda graba su primera maketa, El Camino, la cual, a pesar de no alcanzar la suficiente calidad en cuanto a sonido, sorprende gratamente entre el público de la zona. Esto les permite prodigarse aún más en directo por las salas de la región, dónde, a pesar de la escasez de medios que existen para los grupos de rock, van ganándose un hueco poco a poco. Las expectativas generadas alrededor de la banda les decide a grabar su primer LP a principios de 1998. Ante el cierre de los estudios de Santander dónde el álbum iba a ser registrado, el grupo se dirige hasta Navarra con el fin de dar forma a su primer trabajo en los estudios Sonido XXI, pertenecientes a los afamados productores Javi y Juanan San Martín. De esta forma, y de la mano de la independiente FAK Records, editan Mira, bajo la producción del propio grupo, rescatando temas de su maketa de la talla de Despistado o Pierdo Verticalidad, e incorporando otros nuevos como Al Pie Del Cañón o Primavera Del 87, que acabarán convirtiéndose en clásicos. Pero durante la grabación del mismo la banda contempla la dolorosa marcha de Fito de la misma, obligado a ello por motivos laborales. Con Nando haciéndose cargo de la guitarra solista, deciden dedicar el disco a su antiguo guitarrista.

La banda continúa incesante dando conciertos por Cantabria e incluso realizando salidas esporádicas fuera de la región, para, en Diciembre de 1998, ofrecer un concierto benéfico en su localidad natal, ante un abarrotado Teatro Principal, cuyo objetivo era recaudar fondos que dedicar a juguetes destinados a los niños más necesitados. Bajo esta perspectiva, deciden registrar la actuación, plagada de versiones de grupos clave del rock y el pop nacional, en una tirada limitada de 1.000 copias, cuyo título, Un Juguete Por Navidad, transmite la emotividad de una noche marcada, junto al objetivo solidario de la misma, por el regreso a la formación de Fito, que completa a la guitarra un quinteto en el que Rulo se dedica exclusivamente a la voz. A la par que compaginan sus directos con el trabajo en el local, a finales de 1999 contemplan la salida de Iñaki del grupo, motivada por discrepancias internas, por lo que es el propio Rulo quien decide hacerse cargo del bajo.

Tras ello se centran en la preparación de los temas que constituirán su siguiente trabajo, el cual, ante la ausencia de una compañía que lo apoyara, les lleva a la vía de la autoproducción con el fin de que el mismo salga a la luz. Para grabarlo se trasladan de nuevo a los estudios Sonido XXI, para, a mediados del año 2000, editar A Golpes ...De Rock & Roll, su segundo LP en estudio. A Golpes transmite una solidez mucho mayor que su anterior trabajo, dando forma más definitiva al estilo del grupo, un rocanrol callejero pero muy cuidado, cargado de intensas baladas y unos textos muy personales con la noche como fuente de inspiración. La madurez alcanzada con este trabajo les permite consagrarse como profetas en su tierra, al mismo tiempo que les lleva a embarcarse en una gira por la que recorren diversos puntos de todo el estado, transmitiendo interés y buenas vibraciones allá donde recalan.

La gira marcará un importante punto de inflexión en la carrera del grupo, recibiendo durante la misma la visita de los hermanos San Martín, los cuales les comunican su nuevo proyecto, la creación del sello discográfico EDG Music, que para estrenarlo tienen como objetivo la grabación del tercer LP de La Fuga. Encandilados tanto por la profesionalidad como por la amistad que les une a los productores navarros, a mediados del 2001, tras madurar sus nuevas composiciones, se dirigen de nuevo a los estudios Sonido XXI para, ahora ya si bajo la producción de Javi San Martín, registrar su primer trabajo con proyección nacional. El resultado, A Las Doce, un disco mucho más elaborado, con unas notables composiciones y una calidad técnica envidiable, menos rockero y distorsionado, pero con enormes dosis de brillantez, con el apoyo de Aurora Beltrán en Balada Del Despertador, y abanderado por temas como Conversación Habitación o el clásico Pa Aquí Pa Allá regrabado en una nueva versión. El álbum comienza a propagarse por todo el estado y la popularidad del grupo se ve incrementándose sin cesar, mientras, ya en el año 2002, sus actuaciones se multiplican por todo el país, pasando a formar parte de los carteles de los más prestigiosos festivales de rock del estado, caso del Viñarock o el Derrame Rock, enarbolados como uno de los grupos bandera de una nueva generación de rock & roll urbano.

Extremoduro !!!!!!

n 1987 Roberto Iniesta, cantante y guitarra, forma Extremoduro en su Plasencia natal. Tras los iniciales conciertos y una época de parón, de nuevo vuelve a la carga al año siguiente, ya con Salo al bajo y Luis Von Fanta a la batería, para dar rienda suelta a su explosiva combinación de poesía desgarradora y rock transgresivo, como él mismo autoetiquetaría su estilo musical. Tras vender 250 participaciones a mil pesetas entre amigos y vecinos a cambio de su posterior primer disco, la banda se autofinancia su primera maketa, en Enero de 1989, cuyas canciones serían la base de su primer larga duración. La distribución de esta maketa empieza a despertar cierto interés, destacando su aparición en el programa Plastic de la televisión catalana, dónde su salvaje y escandalosa actuación cala hondo entre el público más rockero. Su posterior participación en la final del Trofeo Yamaha les abrirá las puertas a la grabación de su primer álbum, bajo el sello independiente Avispa. De esta forma se edita en el mismo 1989 Tu En Tu Casa, Nosotros En La Hoguera, que a pesar del pobre resultado obtenido en sonido y producción, marcará el polémico despegar de la banda gracias a himnos como Jesucristo García y Extremaydura. A pesar de la deficiente distribución del mismo, el boca a boca permite al grupo comenzar a ser conocido entre el público rockero, mientras la Junta de Extremadura intenta boicotear sus actuaciones en suelo extremeño por su polémica canción de título similar al de su tierra.

Los problemas con Avispa les llevan a grabar, en 1991, su segundo disco, Somos Unos Animales, con otra independiente, Pasión, y con un invitado de lujo, Rosendo. Con Carlos “El Sucio” al bajo y Salo ahora a la guitarra, la autoproducción del mismo y la experiencia anterior les permite conseguir un sonido más logrado, y sin promoción alguna consiguen distribuir 8.000 ejemplares, lo que muestra el apoyo del público a pesar de la ignorancia total por parte de los medios incluso especializados. Los conciertos se empiezan a suceder por diversos puntos del estado, mientras el grupo, sumido en la época del caos, compaginaba buenas actuaciones con otras deplorables como consecuencia de la adicción a las drogas de sus componentes. Los contactos de Carlos “El Sucio” permiten a la banda grabar su tercer disco, en 1992, con la multinacional Dro. De esta forma se publica, en formato doble, Deltoya, con colaboraciones como Salvador Domínguez o Ariel Roth, incluyendo un himno de la talla de Ama, Ama y Ensancha El Alma, basado en un poema de su amigo Manolo Chinato. Con unas condiciones muy superiores a los anteriores álbumes, tanto en grabación como en distribución, el grupo continúa poco a poco haciéndose un hueco cada vez mayor en el panorama estatal.

Pero sus irregulares actuaciones motivan el desmoronamiento de la formación, lo que desemboca en un nuevo acompañamiento, esta vez rodeado Robe por Eugenio a la guitarra, Miguel y Ramón al bajo y “El Moja” a la batería. Con ellos, en el año 1993, se graba el cuarto trabajo, ¿Dónde Están Mis Amigos?, álbum que refleja con crudeza la tristeza de un músico maltratado por la vida. Los textos y sentimientos de Robe dan como resultado otro gran disco, cargado de melodía, que se distribuye con rapidez ante un número cada vez mayor de seguidores que permite a Extremoduro llenar hasta el mismo Pabellón de Deportes del Real Madrid, a la par que su profesionalidad crece al ritmo que sus ventas. En ese mismo año Robe decide llevar a cabo un proyecto personal que llevaba madurando algún tiempo. Bautizado como Proyecto Pedrá, y rodeado de Iñaki, de Platero y Tú, Diego, Gary y Selu, realizan la grabación de un tema de 30 minutos de duración que compondrá finalmente el álbum, donde la experimentación de los músicos da lugar a una de las obras más originales llevadas a cabo en el rock nacional. Distanciado del sonido básico de Extremoduro, intentan publicarlo bajo el nombre de Pedrá infructuosamente, lo que retrasará dos años la edición del mismo, finalmente con el nombre de Extremoduro tal y como Dro imponía. Entre medias, realizan la remasterización del primer disco, en 1994, ahora bautizado como Rock Transgresivo, con arreglos de Iñaki “Uoho” Antón, además de la inclusión de 3 temas acústicos nuevos.

En 1996, con Robe afincado en Granada, se rodea de Iñaki Setién a la guitarra, Ramón al bajo, y Capi a la batería, para, tras grabar un tema para la película El Día De La Bestia, entrar de nuevo en estudio para registrar su quinto LP, Agila, sin duda la obra cúlmen en su carrera. El disco pronto se convierte en un éxito total, no sólo de público, llegando a alcanzar el doble disco de platino (200.000 discos vendidos), sino de crítica, que empieza en ese momento a descubrir al grupo. El álbum, basado en grandes y elaboradas composiciones, apoyadas por una producción de lujo por parte de Iñaki Antón, les permite ampliar su público gracias a temas como So Payaso, el cual se programa en todas las emisoras del país. El espectacular éxito del disco se traduce en una no menos inconmensurable gira por todo el estado, acompañados por Platero Y Tú, en la cual llenan todo tipo de pabellones y recintos, entre ellos por dos veces consecutivas el Palacio de Deportes de Madrid. El grupo, convertido en la banda más importante de rock de todo el estado, es llamado para encabezar la edición de 1997 del Festimad, por encima de consagrados artistas internacionales. Este mismo año editan un disco en directo con el explícito título de Iros Todos A Tomar Por Culo, en el que recogen toda la intensidad de la gira llevada a cabo en el último año.

En 1998, con Cantera a la batería, Diego al bajo e Iñaki Antón a la guitarra, compaginando ya su formación en el grupo con la de su banda inicial, Platero Y Tú, publican su séptimo trabajo (obviando la cantidad de recopilaciones que su primera compañía empieza a editar), Canciones Prohibidas, con el que de nuevo alcanzan el doble platino. Tras la posterior gira, en la que son acompañados por Fito Y Los Fitipaldis, el grupo decide tomarse un tiempo de descanso, durante el cual Iñaki continua su labor en Platero. Posteriormente se embarcan Robe, Fito e Iñaki con Manolo Chinato en la publicación en el 2001 de Extrechinato y Tú, disco que compagina las poesías recitadas de Chinato con la música de los demás miembros y alguna canción cantada por Robe y Fito. Tras el singular proyecto, en el 2002 atacan de nuevo con Yo, Absoluta Minoría, un álbum si cabe más potente que el anterior, con un cierto regreso a los inicios gracias al tema que abandera el mismo, Puta, todo un reflejo del espíritu transgresivo de su líder, Roberto Iniesta, inmejorablemente acompañado por su guitarrista, productor y colaborador en las composiciones, Iñaki Antón, convertido ya en pieza básica y fundamental del grupo.

ICEBERG

Hablar de Iceberg es hacerlo de una de las mejores formaciones de jazz-rock que ha dado nuestro país. Nos han dejado como legado cinco mágnificos discos y tiempo después algunos de sus miembros tuvieron un enorme éxito con otra banda, Pegasus, que llegó a tener una sonada actuación en el festival de jazz de Montreux.

Sus inicios fueron como quinteto para pasar a ser definitivamente un cuarteto tras la grabación de su primer disco Tutankhamon. Comenzaron Max Suñer, Primi Sancho, Josep Kitflus y Angel Riba como músicos del grupo de acompañamiento de Tony Ronald. Como instrumentistas experimentados que eran, fueron madurando la idea de separarse de Tony y que este les produjese como banda. Al ver que la idea no se materializaba decidieron actuar por su cuenta. Se pusieron en contacto con el batería Jordi Colomer y empezaron a preparar los primeros temas. Max Suñer (guitarra) era el músico mas conocido y el que proporcionaba el aspecto más jazzístico junto a los teclados de Kitflus. Primi y Jordi se encargaban del doble soporte rítmico. Angel era el cantante, si bien se ocupaba de la guitarra rítmica y del saxo.
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Este fue el primer disco de Iceberg,TUTANKHAMON, aunque si uno los tiene todos podría pensar que pertenece a otro grupo. En él no hay presencia de elementos de fusion, sino que es rock sinfónico al 100% a imagen y semejanza de las estrellas del momento ('75).

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"Coses Nostres" es un sueño para los amantes del jazz-rock. Magistrales percussión y bajo, guitarra salvajemente brillante y teclados complementarios. Cualquiera que se haya impresionado con la guitarrra de di Meola o McLaughlin debería oír tocar a Max Suñer. Sus abrasadores solos recorren el mástil de arriba a abajo con destacable fluidez. Evita el tocar deprisa por el sólo hecho de hacerlo, y, a cambio, combina un tradiconal estilo espańol con el estilo del rock de los '70s. El batería toca al nivel que uno podría esperar de Lenny White o Billy Cobham. Y no se quedan atrás el teclista y el bajista, ambos excelentes. la música es una compleja combinación de de riffs y solos, con una halo de musicalidad que lo envuelve todo con que me recuerda a Area (sólo a falta de las voces y la loca experimentación). Iceberg son de ritmo rápido y bullicioso casi siempre, pero no dejan que se apague lo jazzístico. Si te gusta el fusion-progresivo bien escrito y tocado, del estilo del "Hymn of the Seventh Galaxy" de RtF, o el "Visions of the Emerald Beyond" de la Mahavishnu Orchestra, Iceberg es una obligación. "Coses Nostres" está sin dudas entre mis 10 mejores de fusión. (Mike Borella)
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Sentiments” resultó otra joya grandiosa dentro del género jazz-rock fusión, una obra que confirma al cuarteto en su hora cumbre en lo que respecta a su talante creativo. El repertorio de este disco está repleto de efectivas ideas musicales, genuina energía en las interacciones generadas entre los músicos y una tremenda solidez en las expansiones y arreglos de los motivos centrales.
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Con este disco en vivo, Iceberg se despedía del negocio musical como grupo. Muy acorde con la orientación que iba cogiendo su último trabajo en estudio, el material recogido en esta ocasión está orientado hacia la elaboración de extensos jams en un tono que le da prioridad al jazz fusión y algunos toques ocasionales de funky.
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Álbum que se acerca mucho más al Jazz, y en el que introducen alguna guitarra española.
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